Modern mimari, insan merkezli bir canlanma sürecinden geçiyor: insan duyularının tamamını harekete geçiren duyusal mimariye vurgu yapılıyor.
Geleneksel olarak tasarım görsel etkiye odaklanmaktaydı. Binalar genellikle yaşanmış deneyimlerden ziyade fotojenik nesneler olarak düşünülmüştür. Ancak bu önyargı sınırlarını göstermiştir: araştırmacılar, binalarda görsel olmayan duyularımızın ihmal edilmesinin gürültü stresi, hasta bina sendromu ve hatta mevsimsel depresyon gibi sorunlara katkıda bulunabileceğini öne sürmektedir.
COVID-19 pandemisinin insanları iç mekanlara hapsetmesinin ardından , somutlaştırılmış, anlamlı mekanlara duyulan özlem daha da arttı. Artık mimarinin ruh sağlığını ve refahı derinden etkilediğini, bizi gördüğümüz kadar hissettiğimiz şekillerde de rahatlattığını veya uyardığını anlıyoruz.
Özünde duyusal mimari, beş duyunun (görme, ses, dokunma, koku, tat) yanı sıra propriyosepsiyon ve termal konfor gibi daha az belirgin olanlar için tasarım yapmak anlamına gelir. Biçim ve işlevin “geleneksel sınırlarının ötesine geçerek”, bina sakinlerini zengin bir uyaran dokusunun içine çeken ortamlar yaratır. Bu yaklaşım nörobilime çok şey borçludur: beyinlerimiz sürekli olarak duyusal girdileri entegre eder, bu nedenle özenli tasarım, bir alanın nasıl hissettiğini ve işlev gördüğünü şekillendirmek için ışığı, akustiği, dokuları ve hatta aromaları düzenleyebilir.
Mimar Steven Holl’un gözlemlediği gibi, “Dünyamızı ve binaları tüm duyularımız aracılığıyla deneyimliyor ve onları tüm varoluşsal imgemizle ilişkilendiriyoruz”. Pratikte bu, bir mekanın öğle vakti nasıl ses çıkardığını, bir duvarın bir elin dokunuşuyla nasıl hissettirdiğini, bir lobiye girdiğinizdeki ince kokuyu veya bir zeminin hareketinizi nasıl yönlendirdiğini dikkate almak anlamına gelir. Steril, tek boyutlu mekanlardan bıkmış olan günümüz kullanıcıları , rahatlatan, ilham veren ve duyusal düzeyde yankı uyandıran tasarımlar arıyor.
Takip eden bölümlerde, mimarinin malzemeler, ışık, mekansal sıralama, akustik ve görünmez atmosferler aracılığıyla her bir duyusal alanı nasıl harekete geçirdiğini keşfedeceğiz.
Dokunma ve Doku: Duygusal Dil Olarak Maddesellik
Dokunma duyumuz, binaları deneyimlememizin en samimi yoludur – sürtündüğümüz malzemeler ve parmak uçlarımız ile ayaklarımızın altındaki dokular aracılığıyla. Mimaride malzemeler, biz onlara fiziksel olarak dokunmadan önce bile sıcaklık veya soğukluk, pürüzlülük veya pürüzsüzlük ileten bir dil biçimidir. Bir yüzeyin dokunsal karakteri duygusal tepkimizi derinden şekillendirir: cilalı bir mermer zemin resmi ve soğuk hissettirirken, aşınmış ahşap merdivenler davetkar ve tanıdık gelebilir. Doku, bizi bir mekana sabitleyen “duyusal bir varlık” sağlar – taş bir duvarın ağırlığı veya ahşabın damarları hafızamızı ve zaman duygumuzu harekete geçirir. Peter Zumthor’un da belirttiği gibi, taş, tuğla ve ahşap gibi malzemeler bakışlarımızın (ve dolayısıyla zihnimizin) “yüzeylerine nüfuz etmesine” ve özgünlüklerini ve yaşlarını hissetmesine izin verirken, cam ve metal gibi kaygan modern malzemeler genellikle “maddi özlerinden veya yaşlarından hiçbir şey aktarmaz”. Başka bir deyişle, zengin doku ve patinaya sahip doğal malzemeler bir hikaye anlatır ve dokunmaya davet ederken, tek tip sentetik yüzeyler uzak veya steril hissedilebilir.
En önemlisi, dokusunu hayal etmek için bir malzemeye fiziksel olarak dokunmamız bile gerekmez – dokunsal algı görsel olabilir. Kaba yontulmuş taştan bir duvar kaba ve topraksı görünür, bu da beynimizin duygusal olarak yorumladığı bir ipucudur. Psikologlar sahte bir malzemeyi (plastik “ahşap” kaplama gibi) görmenin bile hayal kırıklığına uğramış bir duyusal tepkiyi tetikleyebileceğini belirtiyor. Dolayısıyla özgünlük ve eskime bir rol oynamaktadır: Zarif bir şekilde yıpranan malzemeler – parlatılmış deri kolçak, bakırın patinası, yılların elleriyle cilalanmış ahşap bir masanın pürüzsüz kenarı – rahatlık ve tarih duygusu aşılamaktadır. Zumthor, “İyi bir binanın insan yaşamının izlerini absorbe edebilmesi gerektiğine inanıyorum ” diye yazıyor, “Malzemelerin üzerindeki yaş patinasını düşünüyorum… kullanımla cilalanmış kenarlar.”. Zamanın bu izleri dokunulabilir anılardır ve bir mekanın canlı ve sevilen bir yer olduğunu hissettirir.
Örnek çalışmalar, maddeselliğin nasıl duygusal bir dile dönüştüğünü göstermektedir. Peter Zumthor’un İsviçre’deki Therme Vals spa’sı genellikle taş dokunsallığı ile anılır: Zumthor, yerel kuvarsit taşından 60.000 plaka istifleyerek kelimenin tam anlamıyla gözlerinizle hissedebileceğiniz duvarlar yaratmıştır. Tabakalı taşlardan oluşan loş koridorlarda ilerleyen yüzücüler, ılık havuz suyuna karşı sert ve soğuk kayayı hissediyor. Bedensel farkındalığı arttırmak için farklı yüzeyler bilinçli olarak farklı sıcaklıklarda (soğuk taş, sıcak su) tutulmuştur. Bu tasarım, Lisa Heschong’un “termal zevk” olarak adlandırdığı, sıcağı ve soğuğu geleneksel saunalar veya Roma hamamları gibi bilinçli bir dokunsal deneyim haline getirmektedir. Therme Vals‘de dokunma, deneyimin temelini oluşturmaktadır – kişi elini honlanmış taş üzerinde gezdirerek hem malzemeyi hem de jeolojik zaman duygusunu hissetmekte ve doğayla kurduğu bu temas sayesinde rahatlamış ve topraklanmış olarak çıkmaktadır.
Şekil: Peter Zumthor’un İsviçre’deki Therme Vals’inde katmanlı taş duvarlar. Valser kuvarsiti ham ve tabakalı bırakılarak pürüzlü ve pürüzsüz, sıcak ve soğuk yüzeyler arasında zengin bir dokunma deneyimi yaratılmıştır. Mimari dokunma ve termal duyuları harekete geçirirken ziyaretçiler dağın jeolojisini tenlerinde “hissediyor”.
Bir başka örnek de Danimarka’daki Louisiana Modern Sanat Müzesi ‘dir ve sıcak, doğal yüzeyler kullanmasıyla ünlüdür. Ziyaretçiler sık sık Louisiana ‘nın büyük bir müze olmasına rağmen “ev gibi hissettirdiğini ” belirtiyor. Mimarları Jørgen Bo ve Vilhelm Wohlert bunu, dokunsal sıcaklığı ve zarif bir şekilde yaşlanmayı vurgulayan malzeme seçimleriyle başarmış. Zeminler koyu kırmızı pişmiş toprak karolarla ya da koyu renkli Panga Panga ahşabıyla kaplanmıştır – 1958’den bu yana milyonlarca ayak izini taşıyan zengin renkli bir ahşap. Ahşap zemin sadece bir yüzey değil; onlarca yıllık ziyaretçilerin sessiz bir tanığı, küçük çizikler ve ambiyansı zenginleştiren parıltılı bir parlaklık kazanıyor. Sessiz karanlığı, sergilenen cesur sanat eserlerine sakin bir kontrpuan sağlarken, dayanıklılığı günlük müze hayatının sonsuz ritmine dayanır ve sadece ayak izlerini değil, “hikayeleri, anıları ve huşu anlarını” taşır. Üst kısımdaki, damarları ve doğramaları görülebilen ahşap tavanlar, galerilere insan eli değmiş hissi ve dokunsal bir sıcaklık katıyor. Ziyaretçiler bu unsurlara dokunmadan bile dokulu tuğlaları, yağlı ahşabı, “sıcak, eskitilmiş yüzeyleri” hissediyor – bunlar samimiyet ve rahatlık hissi yaratan detaylar. Malzemeler sizi yavaşlamaya ve mekânı hissetmeye davet ediyor: pürüzsüz bir ahşap ray üzerinde elinizi gezdirebilir ya da güneşin ısıttığı karo koridordan serin bir tuğla oyuğa adım atarken sıcaklık farkını fark edebilirsiniz. Özünde, Louisiana’nın malzeme paleti bedenle konuşuyor.
Dokunmayı göz önünde bulundurarak tasarım yapmak, kamusal anıtların ötesine geçerek ofisleri, evleri ve her türlü mekânı etkileyebilir. Mimarlar dokunsal bölgelendirmeyi giderek daha fazla kullanmaktadır: örneğin, bir geçişi işaret etmek için eşikte pürüzlü dokulu döşeme veya bir okuma köşesinde oyalanmayı teşvik etmek için rahat bir halı kullanmak gibi. Kapsayıcı tasarım aynı zamanda dokudan da yararlanıyor: Hindistan’daki bir körler okulunda mimarlar, öğrencilerin dokunarak yön bulmalarına ve gezinmelerine yardımcı olmak için farklı duvar dokuları (nervürlü sıva ve pürüzsüz) kullandılar. Tüm bu stratejiler, maddeselliğin duyguları harekete geçirdiğini kabul etmektedir. Soğuk bir çelik bank uzun süre oturmayı caydırabilirken, yıpranmış ahşap bir bank davetkar bir his uyandırır. Kumaşlar da bir rol oynar – sert vinil koltuklar ile yumuşak döşemeli bir köşe arasındaki farkı düşünün. Doku, ruh halimizi ve davranışlarımızı ince yollarla etkiler: hafifçe yuvarlatılmış, cilalanmış bir tırabzan, insanları ellerini üzerinde gezdirmeye teşvik eder (bilinçaltında hızlarını yavaşlatır), oysa keskin kenarlı bir metal ray bu okşamayı davet etmez. Böylece mimarlar yüzey sıcaklığını, dokuyu ve verimi (sertlik veya yumuşaklık) ayarlayarak kişi ve mekan arasında duygusal bir diyalog yaratırlar. Duyusal mimaride, nemi emen bir kil tuğladan ışık için delikli bir metal perdeye kadar her malzeme seçimi, bir mekanın nasıl hissettirdiğine ve bizi rahatlatıp rahatlatmadığına katkıda bulunur.
Işık ve Gölge: Vizyon ve Ruh Halinin Orkestrasyonu
Eğer malzemeler tenimizle konuşuyorsa, ışık da gözlerimizle ve ruhumuzla konuşur. Mimarlar uzun zamandır ışık ve gölgenin koreografları olmuş, ruh halini şekillendirmek, dikkati odaklamak ve hatta mekansal bir hikaye anlatmak için aydınlatmayı kullanmışlardır.
Özellikle doğal ışık tasarımda neredeyse kutsal kabul edilir: Louis Kahn şöyle der: “Güneş bir binanın yan tarafına vurana kadar ne kadar harika olduğunu asla bilemez.” Mimarlar gün ışığını filtreleyerek veya gölge oyunları yaratarak statik yapıları gün boyunca değişen dinamik ortamlara dönüştürürler. İşin püf noktası, mimaride ışığın tek tip olmamasıdır – yönü, yoğunluğu, rengi ve kontrastı önemlidir. Loş bir şapeli delen bir güneş ışığı huşu uyandırabilirken, bir kütüphanede yumuşak bir şekilde yayılan parıltı zihni sakinleştirir. Duyusal açıdan, ışık görüldüğü kadar hissedilir de: parlak, yüksek kontrastlı ışık enerji verebilir veya bunaltabilir; düşük, sıcak ışık ise yatıştırma eğilimindedir. Başarılı bir tasarım genellikle bu uç noktaları dengelemeyi ve gözlerin uyum sağlaması için geçişler sağlamayı gerektirir (tıpkı kulaklarımızın yüksek sesten sonra sessiz bir odaya alışmak için zamana ihtiyaç duyması gibi).
Işık orkestrasyonunda bir ustalık sınıfı olan Kahn’ın Fort Worth, Teksas’taki Kimbell Sanat Müzesi, güzel doğal aydınlatmasıyla ünlüdür. Kahn, galerilerin dışarıdaki sert Teksas güneşinden çok farklı, dingin, “gümüş” bir ışıkla yıkanmış gibi hissetmesini istemiştir. Bunu, tepe noktaları boyunca alüminyum reflektörlerle gizlenmiş dar tavan pencerelerine sahip sikloid beşik tonozlardan oluşan akıllı bir sistemle başardı. Gün ışığı içeri giriyor ve bu kavisli reflektörlerden yansıyarak beton tonozlara eşit olarak yayılıyor. Sonuç, genellikle “mehtaplı ” veya “sedefli” olarak tanımlanan ve sanata eşit bir netlik kazandıran ruhani, soğuk bir aydınlatmadır. Dışarıdaki aydınlık ortamdan içeri adım atan ziyaretçiler değişimi hemen fark ediyor: ışık daha yumuşak, neredeyse sessiz. Kahn onları bu duruma dikkatlice geçirmiştir – müzeye yaklaşırken, gözlerinizi kör edici güneşten nazik iç ışığa yavaş yavaş alıştıran ağaç gölgeli bir çimenlikten ve derin gölgeli bir revaktan geçersiniz. Galerilere girdiğinizde, ışığın sanat eserleri üzerindeki inceliklerini zorlanmadan takdir edebilirsiniz. Bu, anlatı aracı olarak ışıktır: Kahn esasen aydınlıktan karanlığa ve aydınlığa doğru bir ritüel sahneliyor – iç mekandaki ışıltının etkisini artıran bir varış sırası. Eleştirmen Wendy Lesser, “Dışarıda hakim olan sert Teksas güneş ışığı bir şekilde betonu, resimleri ve insanları yıkayan serin, gümüş renkli bir ışına dönüştürülmüş ” diye yazıyor ve ekliyor: “Her şey sanki tam olarak buraya aitmiş gibi görünüyor.”. Kimbell’de ışık, düşünceli bir atmosfer yaratacak şekilde düzenlenmiştir; ayrıntıları görebilecek kadar parlak, ancak parlama olmaksızın sakin hissettirecek kadar dağınıktır. Gün ilerledikçe, ince değişiklikler meydana gelir – tonozdaki değişen ışık deseni güneşin hareketini gösterir ve izleyiciyi asla rahatsız etmeden zamanın geçtiği hissini ekler. Kahn, doğal ışığı kontrol etmenin bir mekanı sadece işlevsel olmaktan çıkarıp aşkın bir hale getirebileceğini göstermiştir.
Şekil: Kahn’ın Kimbell Sanat Müzesi ‘nde gün ışığı (Fort Worth, 1972). Gizli tavan pencereleri, sikloidal beton tonozları eşit, gümüşi bir ışıkla yıkıyor. Gölgelerin nasıl yumuşak olduğuna ve duvarların nasıl nazikçe aydınlatıldığına dikkat edin – Kahn’ın tasarımı sert Teksas güneşini sanat izlemeyi geliştiren sakin bir “mehtaplı” ışıltıya dönüştürüyor.
Kutsal mimaride tasarımcılar genellikle ruhani olanı çağrıştırmak için ışığı dramatize ederler. Tadao Ando’nun Osaka’daki Işık Kilisesi (1989), duvardaki tek bir geometrik kesimin mekânı tamamen tanımladığı ünlü bir örnektir. Ando’nun şapeli, mihrabın arkasında haç şeklinde keskin bir açıklığa sahip çıplak beton bir kutudur. Belirli saatlerde, güneş ışığı bu haç şeklindeki kesikten akarak karanlık iç mekana parlayan bir ışık haçı yansıtıyor. Etki çarpıcı: gözleriniz loşluğa alıştıkça, haçın parlaklığı neredeyse elle tutulur gibi görünüyor – ışık, ahşap veya cam yerine haçın “malzemesi” haline geliyor. Ando, doğal ışığın mekanı canlandırması ve hiçbir şeyin bu deneyimle rekabet etmemesi için mekanı bilinçli olarak sade tutuyor (gri duvarlar, basit banklar). Güneş hareket ettikçe, ışık haçının yoğunluğu ve konumu değişiyor; bu da zamanın geçişini ve sembolik olarak ilahi varlığı sürekli hatırlatıyor. Ando, “Tüm eserlerimde ışık önemli bir kontrol faktörüdür,” diye belirtiyor. “Çoğunlukla kalın beton duvarlar aracılığıyla kapalı mekanlar yaratıyorum…[dış ortamdan kopararak] ve doğal ışık mekana değişim getirmek için kullanılıyor.”. Işık Kilisesi’nde bu felsefe ışık ve karanlığın derin bir oyunu olarak ortaya çıkıyor: çevredeki gölge ne kadar derinse, ışık o kadar kutsal ve aydınlatıcı hissediliyor. Duygusal sıralama Kimbell’in yumuşak geçişinin tersine çevrilmiştir – burada doğrudan kasvete girilir, ardından Ando’nun deyimiyle ışık “en derin karanlığı” keserken “görkemli ” kontrasta tanık olunur. Sonuç, minimal araçlarla düşünmeyi ve huşu duymayı teşvik eden bir alan. Işıklandırmadaki yönlülük ve kontrastın (karanlık içinde parlak bir odak) drama ve önem duygusunu nasıl artırabileceğini gösteriyor.
Işık aynı zamanda eğlenceli ve deneyimsel de olabilir. Çağdaş sanatçı Olafur Eliasson, renkli ışığın, yansımaların ve sisin uzaydaki sürükleyici etkileri etrafında bütün bir külliyat inşa etmiştir. Ünlü enstalasyonu The Weather Project (2003, Tate Modern, Londra) geniş bir türbin salonunu puslu bir iç mekan gün batımına dönüştürdü: bir ucuna devasa bir parlayan tek frekanslı ışık küresi (turuncu bir güneş gibi görünen) monte edildi ve tavan aynalarla kaplandı. Altın rengi puslu ışık ve yansımaların birleşimi, ziyaretçilerin yapay bir alacakaranlığın tadını çıkararak bir plajdaymış gibi yerde uzanmalarına neden oldu.
Eliasson, endüstriyel salonun atmosferini sadece ışıkla değiştirerek insanların ışığın rengine ve kalitesine içgüdüsel olarak tepki verdiğini göstermiştir. Benzer şekilde, Danimarka’daki Gökkuşağı Panoramanız (2011) adlı eseri, ziyaretçilerin tonlardan oluşan bir spektrumda yürümelerine ve hareket ettikçe şehrin kırmızı, turuncu, yeşil ve maviyle yıkandığını görmelerine olanak tanıyan renkli camdan dairesel bir gökyüzü geçididir. Bu tür çalışmalar, mimaride ışığın statik bir aydınlatma olmadığını, algıyı şekillendiren dinamik bir araç olduğunu vurgulamaktadır. Farklı tonlar sıcaklık algımızı ve ruh halimizi bile değiştirebilir (soğuk maviye karşı sıcak kehribar aydınlatma).
Günlük mimaride, tasarımcılar bu dersleri doğal ve yapay ışığı düşünceli bir şekilde karıştırarak uygularlar. Parlak, tek tip tepe aydınlatması işlevsellik sağlayabilir, ancak kontrast ve vurgu bir odaya hayat verir – dolayısıyla çatı pencereleri, tavan pencereleri veya paravanlar aracılığıyla serpiştirilmiş ışık popülerdir. Geçiş aydınlatması da kritik önem taşır: parlak bir lobiden loş bir tiyatroya geçerken, gözlerin uyum sağlaması için yumuşak ara aydınlatmalı bir fuaye olabilir. Bir koridorun sonuna basit bir pencere yerleştirme eylemi bile insanları sezgisel olarak öne çeken bir ışık odak noktası oluşturabilir (parlaklık yoluyla görsel yol bulma biçimi). Perakende veya konaklama tasarımında aydınlatma genellikle katmanlıdır – genel görünürlük için ortam aydınlatması, belirli alanlar için görev aydınlatması ve ruh hali yaratmak veya özellikleri vurgulamak için dramatik vurgu aydınlatmasının bir kombinasyonu. Amaç, ışığı bir dizi olarak düzenlemektir: belki de bir girişte parlak ve enerjik bir şekilde başlayıp, daha derinlerde daha yumuşak ve samimi hale gelir (birçok spa veya restoranda olduğu gibi). Tüm bu teknikler ışığı sonradan düşünülmüş bir şey olarak değil, deneyimin birincil şekillendiricisi olarak ele alır. Louis Kahn’ın dediği gibi, “ışık tüm varlığın vericisidir “, biçimi ve mekanı ortaya çıkarır. Duyusal mimaride gölgenin de bir o kadar önemli olduğu söylenebilir; zira gölge veya loş alanlar olmadan ışığın sesi çıkmaz. Bu ikisinin dengesi, bizi görsel ve içgüdüsel olarak meşgul eden nüanslı, duygusal olarak rezonanslı ortamlar yaratır.
Yolculuk ve Sekans: Hikaye Anlatımı Olarak Mekan
Mimarlık sadece statik duvarlar ve çatılardan ibaret değildir; temelde mekânda hareketle ilgilidir. Bir binanın veya manzaranın içinde yürürken duyularımız bir dizi izlenim edinir – tıpkı bir hikayedeki sahneler gibi. Düşünceli tasarım, merak, şaşkınlık, huzur, hatta sürpriz veya gerilim gibi duyguları ortaya çıkaran bir yolculuğu şekillendirmek için mekansal ilerlemeyi, ölçekteki değişiklikleri, ışığı ve sesi kullanır. Bu mekansal hikaye anlatımı kavramı bazen mimari gezinti yolu (Le Corbusier tarafından ortaya atılmıştır) veya basitçe deneyim tasarımı olarak adlandırılır. Bir mekanda ne hissettiğimizin genellikle daha önce ne olduğuna ve ileride ne olacağına bağlı olduğunu kabul eder. Alçak, karanlık bir giriş, güneşle dolu bir avlunun aksine daha da geniş ve ışıltılı hissettirebilir. Dar, dolambaçlı bir koridor, büyük bir salona açılmadan önce beklentiyi artırabilir. Mimarlar, duyusal açıdan, kullanıcının yolculuğunda ritim ve drama yaratmak için duyusal girdilerde – sıkıştırılmıştan açığa, karanlıktan aydınlığa, yüksek sesten sessizliğe – geçişlerin koreografisini yaparlar.
Daniel Libeskind’in Berlin Yahudi Müzesi (2001’de açıldı) için yaptığı tasarım buna güçlü bir örnektir. Libeskind, binanın kendisinin, Holokost travması da dahil olmak üzere Almanya’daki Yahudi tarihinin bir hikayesini kelimelerden ziyade mekansal deneyim yoluyla anlatmasını açıkça amaçlamıştır. Ziyaretçiler, birbiriyle kesişen üç koridor (Eksen) arasından seçim yapmak zorunda oldukları bir yeraltı eksenine inerler: bir yol çıkmaz sokaklara ve Holokost’un bıraktığı boşluğu temsil eden uğursuz bir boşluğa çıkar; diğeri parlak bir sürgün bahçesine çıkan merdivenlere; üçüncüsü ise ana tarihi sergilere çıkar. Yolculuk, tasarım gereği kafa karıştırıcı ve duygusaldır: koridorlar hafifçe eğilir, zemin eğimlidir ve ışık azdır. Bir noktada Holokost Boşluğu’na giriyorsunuz – uzun, çıplak bir beton silo, ısıtılmamış, sadece 20 metre yukarıdaki gün ışığı şeridiyle aydınlatılmış ve ürkütücü bir sessizlik. Mimari, saf mekânsal araçlarla (açılı duvarlar, baskıcı yükseklik, karanlık, soğuk hava) kayıp, kafa karışıklığı ve yansıma duygularını tetikliyor. Ardından, bir köşeyi döndüğünüzde, aniden ışık ve açık alanla dolan Cam Avlu’ya çıkabilirsiniz – daha önceki klostrofobiden katartik bir kurtuluş. Libeskind esasen tarihsel duyguları uyandırmak için bir dizi duyusal zıtlık senaryosu yazdı: sıkıştırma ve serbest bırakma, karanlık ve aydınlık, hapsetme ve özgürleştirme. Ziyaretçiler sık sık sadece bu mekânlarda hareket ederek “tarihi içlerinde hissettiklerini ” belirtmektedirler. Bu bir anlatı olarak mimarlıktır: bina, düzenlenmiş mekânsal diziler aracılığıyla bir hikâye ortaya koyar.
Elbette tüm yolculuklar bu kadar karanlık değildir. New York’taki High Line daha neşeli bir anlatı dizisi sunuyor. Eski bir yükseltilmiş demiryolu üzerine inşa edilen bu 1,5 millik doğrusal park, ziyaretçileri caddelerin üzerinde kentsel bir yolculuğa çıkarıyor. Gezinirken, şehrin kendisi duyusal deneyimin bir parçası haline geliyor – aşağıdaki trafiğin uzak korna seslerini ve uğultusunu duyuyor (yükseklik ve çevre düzenlemesi ile susturulmuş), koridor boyunca yönlendirilen esintileri hissediyor ve sürekli değişen manzaralar görüyorsunuz: bir anda eski bir deponun altında çelik ve sarmaşıklarla çevrilisiniz, bir sonraki Hudson Nehri manzaralı geniş bir açıklığa çıkıyorsunuz. High Line’ın tasarımcıları (Diller Scofidio + Renfro ile James Corner Field Operations) burayı bir dizi epizodik alan olarak ele aldılar: insanların ayakkabılarını çıkarıp tahtaların sıcaklığını hissettikleri ahşap şezlonglu güneşlenme terasları, kır çiçeği bahçeleri (yazın çiçek kokuları ve böcek vızıltılarıyla canlı) arasında dönen heykelsi mahmuz yolları ve sakin cepler yaratan gölgeli ağaç koruları var. Her bölümün kendi ruh hali ve mikro iklimi vardır. Örneğin, “The Cut-Out”, beton güvertenin cam korkuluklu bir oturma amfisine dönüştürüldüğü, oturup aşağıdaki sokak hayatını bir tiyatrodaymış gibi izlemenize ve şehrin ses manzarasını yeni bir şekilde çerçevelenmiş olarak duymanıza olanak tanıyan bir bölümdür. Daha ileride, mevsimlik bitkiler duyusal çeşitlilik yaratıyor – sonbahar rüzgarlarında hışırdayan otlar, ilkbaharda gözünüze çarpan parlak çiçekler. Özünde High Line, hareketin, görüş alanının ve ortam seslerinin inişli çıkışlı olduğu bir yolculuğun koreografisini yapıyor. Bu, düz bir şehir kaldırımında yürümekten çok farklı. Yumuşak kıvrımlar ve değişken bölümler merak uyandırır (“Bir sonraki virajda ne var?”) ve hem canlı toplanma noktaları hem de sessiz köşeler sağlar. Daha da önemlisi, deneyim zaman içinde değişmektedir: hem bir gün boyunca (sabah yalnızlığına karşı akşam vızıltısı) hem de mevsimler boyunca. Düzenli ziyaretçiler genellikle High Line boyunca her yürüyüşün farklı hissettirdiğini söylerler – bu da tasarımın sıralamayı ve değişimi nasıl vurguladığının, duyusal deneyimi nasıl taze ve ilgi çekici tuttuğunun bir kanıtıdır.
Mimarlar mekansal dizileri tasarlarken çeşitli teknikler kullanırlar. Bunlardan biri mekanın sıkıştırılması ve genişletilmesidir. Klasik bir numara: alçak tavanlı, loş bir fuaye aniden yüksek, güneş ışığı alan bir avluya açılır – kontrast, avlunun daha da etkileyici ve özgürleştirici hissettirmesini sağlar. Frank Lloyd Wright bunu Taliesin West’te yapmıştır; burada dar, mağara benzeri bir geçitten girdikten sonra geniş bir çöl manzarasına çıkarsınız. Bir başka teknik de çerçevelenmiş görünümler ve “açığa çıkarmalar “dır. Mimarlar, siz hareket ettikçe neyin görüneceğini kontrol ederek sürpriz veya odaklanma yaratabilirler. Örneğin, uzun bir koridorun sonunda bir ağacı veya bir gökyüzü parçasını mükemmel bir şekilde çerçeveleyen küçük bir pencere olabilir – sizi bu görsel ödüle doğru çeker. Köşeleri dönerken bir özelliğin yavaş yavaş ortaya çıkmasını sağlayacak şekilde koreografi yapılabilir. Japon bahçeleri ve geleneksel çay evi yolları bu konuda ustadır: yüksek duvarlar veya çitler, özenle seçilmiş bir noktada güzel bir avlu veya dağ manzarası aniden ortaya çıkıp etkisini artırana kadar manzarayı sınırlar. Ritim ve tempo da önemlidir: bir dizi mekan açık ve kapalı, aydınlık ve karanlık arasında değişebilir ve bir tempo hissi verir (tıpkı müziğin yüksek ve yumuşak pasajları değiştirmesi gibi). Bu, yolculuğun monoton hissettirmesini engeller ve duyuların meşgul kalmasını sağlar. Eşiklerin – basamaklar, kapılar, geçitler – kullanımı da aynı şekilde beyne mekanın bir bölümünün bitip diğerinin başladığını işaret ederek bizi zihinsel olarak atmosferdeki değişime hazırlar.
Mimarlar çoklu duyusal ipuçlarını da sırayla dikkate alırlar. Ses geçişleri bunlardan biridir: gürültülü bir lobiden sessiz bir kütüphaneye geçerken, iyi bir tasarımda ses emici yüzeylere sahip bir antre veya sessizleşmeyi fiziksel olarak işaret etmek ve etkilemek için döşemede ince bir değişiklik (sert yankı yapan taştan yumuşak halıya) yer alabilir. Eşikten geçerken akustikte meydana gelen değişiklik, bedeninize sesini alçaltmasını ve zihninize sakinleşmesini söyler. Isı ve hava değişimleri de sıralamayı belirleyebilir – klimalı bir müzeden sıcak, hoş kokulu bir heykel bahçesine adım attığınızı düşünün; ısı ve koku size çarpar ve farklı bir deneyim alanına girdiğinizi bilirsiniz. Bu, birçok geleneksel hamamda ve hamamda kasıtlı olarak kullanılmıştır: sıcak buhar odasından soğuk dalma havuzuna geçmek, yıkanan kişiyi canlandıran hem fiziksel hem de duyusal bir dizidir.
Yolculuğu tasarlamak, mimarinin zamana dayalı bir sanat olduğunu kabul etmekle ilgilidir. Bir binayı tek seferde algılamayız; onu keşfederiz. Anlattığı “hikaye”, bir evdeki kamusal alanlardan özel alanlara doğru dingin bir ilerleme kadar ince olabileceği gibi, tarihi olayları çağrıştıran bir dizi anma mekanı kadar açık da olabilir. Mimarlar, mekanı zaman içinde deneyimlenmiş olarak ele alarak, bir binanın her bir bölümünün daha büyük bir duygusal yaya katkıda bulunmasını sağlarlar. İyi kurgulanmış bir mekansal yolculuk, bir binaya anlatı tutarlılığı hissi verebilir – duyularımızın takip edebileceği ve hafızamızın tutabileceği bir başlangıç, orta ve son. Daha sonra binayı hatırladığınızda, her ayrıntıyı hatırlamayabilirsiniz, ancak içinde hareket etmenin nasıl hissettirdiğini hatırlayacaksınız – keşfetmenin heyecanı, varışın rahatlaması, her şeyi içine almak için durduğunuz anlar. Bunlar, yankı uyandıran çok duyulu bir yolculuğun işaretleridir.
Ses Manzaraları: Akustik Yoluyla Tasarım
Mimari genellikle “donmuş müzik” olarak adlandırılsa da, kelimenin tam anlamıyla çevremizin müziğini de şekillendirir – bir mekanın ses manzarası. Her binanın işitsel bir kişiliği vardır: bazı mekanlar sessiz ve samimi, bazıları yankılı ve görkemli, bazıları ise maalesef kakofonidir. Mimaride ses bir yan ürün değildir; biçim ve malzemeler aracılığıyla bilinçli bir şekilde tasarlanabilir ve ayarlanabilir. Duyusal mimaride akustik, ışık veya doku kadar dikkatle ele alınır çünkü ses konforu, ruh halini ve işlevselliği derinden etkiler. Çok gürültülü bir restoran yemek yiyenleri strese sokar; çok kuru (yankılanma olmayan) bir konser salonu müziği öldürür; ses tamponu olmayan açık planlı bir ofis çalışanların dikkatinin dağılmasına ve yorgun düşmesine neden olur. Buna karşılık, yumuşak akustiğe sahip iyi tasarlanmış bir kütüphane zihin için bir sığınak gibi hissettirebilir ve hoş bir vızıltıya sahip canlı bir pazar salonu ziyaretçilere enerji verebilir. Ses, sosyal alanı bile belirleyebilir: bir müzedeki sessiz bölgenin tefekküre davet ederken, hareketli bir lobinin sohbeti nasıl teşvik ettiğini düşünün.
Malzemeler sesi şekillendirmek için kullandığımız ilk araçlardır. Cam, fayans veya beton gibi sert, yansıtıcı yüzeyler gürültüyü artırma ve yankı yaratma eğilimindeyken, yumuşak veya düzensiz yüzeyler (perdeler, halılar, ahşap paneller, akustik karolar) sesi emer veya dağıtır, yankıyı azaltır. Yüksek tavanlar ve kubbeler dramatik yankılanma yaratabilir (her ayak sesi ve fısıltının büyütüldüğü bir katedralde olduğu gibi), alçak, yoğun yapı ise sesi sönümleyebilir. Mimarlar genellikle NRC (Gürültü Azaltma Katsayısı) ve yankılanma süreleri terimleriyle konuşurlar – esasen bir odanın akustiğinin ne kadar “canlı” veya “ölü” olduğunu ölçerler. Ancak teknik ölçümlerin ötesinde, amaçlanan atmosfere bağlıdır. Örneğin bir kütüphane veya meditasyon odası “sessiz” bir akustikten yararlanır. Louis Kahn’ın Phillips Exeter Akademi Kütüphanesi (New Hampshire, 1971) bunu akıllıca bir yerleşim planı ve malzeme seçimleriyle başarıyor: Kütüphanenin dış halkası gömme ahşap kitap yığınlarıyla kaplı (kitapların kendileri de harika ses emicilerdir) ve merkezi atriyumun etrafında bir tampon oluşturuyor. Atrium, yüksek olmasına rağmen, sesi dağıtan beton ve ahşap detaylarla kaplanmıştır. Sonuç olarak, çok sayıda öğrenci tarafından işgal edildiğinde bile, alan sessizlikle sarılmış gibi hissediyor – yumuşak bir ayak sesi veya bir sayfanın çevrildiğini duyabilirsiniz, ancak sesler uzağa gitmez. Kahn, mimaride “sessizlik ve ışığa” büyük önem vermiştir ve burada da akustik tasarım, çalışkan bir sakinlik atmosferine gün ışığı kadar katkıda bulunmaktadır. Ziyaretçiler Exeter Kütüphanesi’ni sık sık “sessiz parlaklık ” olarak tanımlıyor – mekanın ihtişamı, odaklanmayı ve iç gözlemi teşvik eden bir sessizlik örtüsüyle birlikte geliyor. Bu bir tesadüf değil; sesi amacına göre ayarlayan bir mimari.
Diğer taraftan, müzik için tasarlanmış bir mekanı düşünün: Avustralya’daki Sydney Opera Binası. İkonik yelken benzeri kabukları, zengin akustik için tasarlanmış (ve yakın zamanda yeniden tasarlanmış) büyük performans salonlarına ev sahipliği yapmaktadır. Bir konser salonunda tasarımcılar orkestra müziğini geliştiren canlı bir yankılanma ararlar – genellikle yaklaşık 2 saniyelik yankılanma süresi – böylece notalar birbirine karışır ve arka sıralara taşınır. Utzon’un Opera Binası Konser Salonu için yaptığı orijinal tasarımda yüksek tonozlu tavanlar ve sesi eşit şekilde yansıtması amaçlanan kavisli ahşap duvarlar yer alıyordu. Yıllar içinde ayarlamalar yapıldı: asılı fiberglas akustik “bulut” reflektörler eklendi ve daha yakın zamanda salonun ince ayarını yapmak için bir dizi taç yaprağı benzeri panel ve otomatik perdeler kuruldu. Bunlar akustiğin ayarlanmasını sağlıyor: bir senfoni için perdeler geri çekiliyor ve oda zengin bir şekilde yankılanıyor; güçlendirilmiş rock için perdeler yankıyı emmek ve bulanıklığı önlemek için açılıyor. Tasarım, sesi dinamik bir mimari unsur olarak kabul ediyor. Yenileme 2022 yılında tamamlandığında, müzisyenler “artık en arka sıraya kadar her ayrıntıyı duyabiliyorsunuz” diyerek hayretlerini dile getirdiler ve iyileştirilmiş sesi “bir mucize” olarak nitelendirdiler. Burada yüksek teknoloji çözümlerinin (çelik reflektörler, gizli makineler) duyusal bir amaca hizmet ettiğini görüyoruz: sonik netlik ve çok yönlülük. Opera Binası, görsel dramının ötesinde, mimarinin akustik olarak tam anlamıyla performans göstermesi gereken bir örnektir – bina, performans için bir kap olduğu kadar bir enstrümandır da.
Günlük ortamlarda sesin kontrol edilmesi konfor açısından da aynı derecede önemlidir. Açık planlı ofislerin ve sert endüstriyel dekorlu restoranların yükselişi, akustik konusunda birçok kişiye ders vermiştir. Tasarımcılar artık ses emici unsurları tasarımın ayrılmaz bir parçası haline getirmektedir: delikli ahşap tavan panelleri, heykelsi bir görünüme sahip keçe bölme enstalasyonları, yeşil duvarlar veya iç mekan bitkileri (gürültüyü emebilir ve dağıtabilir), hatta su özellikleri (bir fıskiyenin hafif şırıltısı, rahatlatıcı doğal bir sesle hoş olmayan arka plan gürültüsünü maskeleyebilir). Biyofilik ses tamponlamasının harika bir örneği Stefano Boeri’nin Bosco Verticale‘sidir (Milano’nun “Dikey Orman” apartman kuleleri). Bitkilerle kaplı bu yüksek binalar sadece ufuk çizgisini yeşillendirmekle kalmıyor, aynı zamanda bina sakinleri için kentsel gürültüyü de belirgin bir şekilde azaltıyor. Balkonlardaki kalın bitki örtüsü bir ses bariyeri görevi görerek trafik gürültüsünü emer ve daha sakin bir iç ortam yaratır. Araştırmalar, yapraklı cephenin gürültü kirliliğini azaltmaya yardımcı olduğunu ve doğal unsurların akustik konfor için nasıl kullanılabileceğini güçlendirdiğini belirtmiştir. Benzer şekilde, Bosco Verticale ve benzeri binalarda yaprakların hışırtısı ve kuşların cıvıltısı, şehirde rahatlama sağlayan hoş doğal sesleri yeniden ortaya çıkarmaktadır. Bu, ses manzarasını şekillendirmenin sadece istenmeyen gürültüyü engellemekle değil, aynı zamanda olumlu sesler eklemekle de ilgili olduğunu göstermektedir. Örneğin su sesi, trafiği maskelemek için birçok halka açık plazada kullanılmaktadır – kulaklarımız motorların gürültüsü yerine suyun rastlantısallığını tercih etme eğilimindedir. Hastanelerde, daha rahatlatıcı ortamlar yaratmak için akustik tasarım kullanılmaktadır (yüksek sesli alarmları ortadan kaldırmak, gürültüyü azaltmak için ses emici tavanlar eklemek, vb), çünkü araştırmalar daha sessiz koşulların iyileşmeyi desteklediğini ve stresi azalttığını göstermektedir.
Mekânsal geometrinin sesi nasıl etkilediğine de dikkat etmeliyiz. Kavisli tavanlar veya kubbeler sesi odak noktalarında yoğunlaştırabilir (Londra’daki Aziz Paul Katedrali’ndeki fısıldayan galeri gibi, bir tarafta duvara karşı söylenen sessiz bir kelime kubbe geometrisi nedeniyle diğer tarafta 100 fit öteden net bir şekilde duyulabilir). Uzun, paralel koridorlar titreşim yankıları yaratabilirken, düzensiz, açılı duvarlar (birçok modern oditoryum veya stüdyoda olduğu gibi) bu tür etkilerden kaçınmak için sesi dağıtır. Mimarlar bazen sert duran dalgalardan kaçınmak için boyutları ayarlayarak bir alanı “ayarlar” – enstrüman yapımcılarının bir gitar gövdesini ayarlamasına benzemez. Bunun günlük hayattaki karşılığı: bir oturma odasını boşken rahatsız edici bir yankıya sahip olmayacak şekilde tasarlamak – belki de sesi yansıtan o noktaya bir kitaplık ekleyerek.
Ses manzaraları bir mekanın kamusal veya özel, kaotik veya sakin, geniş veya samimi hissettirmesini etkiler. Bir katedralin görkemli yankısı, görselin ötesinde bir huşu ve ölçek duygusu aşılayabilir (mekanın hacmini duyarsınız ). Alçak tavanlı ve yumuşak yüzeyli küçük bir kafenin sıcak ve boğuk sesi, eğilip sessizce sohbet etmenizi sağlayarak samimiyeti teşvik edebilir. Kentsel tasarımda, akustik sığınaklar – şehir gürültüsünden korunmuş avlular veya parklar gibi sessiz cepler – yaratmanın, sürekli işitsel uyarımdan bir mola sunarak zihinsel sağlık yararları giderek daha fazla kabul görmektedir. İyi tasarım doğru dengeyi bulur: canlı bir restoran hoş bir arka plan gürültüsüne sahip olmalıdır (böylece canlı hisseder ve biraz konuşma mahremiyetiniz olur), ancak bağırmak zorunda kalacağınız kadar çok yankılanmamalıdır. Bir ofisin sessiz odaklanma alanlarına ve işbirliğine dayalı vızıltıların diğerlerini rahatsız etmeyeceği diğer alanlara ihtiyacı vardır. Mimarlar, alanları akustik olarak bölgelere ayırarak (bölmeler, tavan uygulamaları vb. yoluyla) bir binanın işlevleriyle uyumlu bir ses haritası oluştururlar.
Kulakları düşünerek tasarım yapmak duyusal mimarinin ayırt edici özelliğidir. Atıl odaları doğru ses veren mekanlara dönüştürür. Bir mimarın ifade ettiği gibi, “Mimarlık çok duyulu bir disiplindir ve tasarımlarımızda en yüksek yaşam kalitesini elde etmenin en iyi yolu tüm duyulara hitap etmektir… gün ışığı, temiz hava[ve] fiziksel hareketleri desteklemekle çalışmak ” – buna işitsel rahatlığımızı desteklemeyi de ekliyoruz. Kulağa hoş gelen bir yer, nedenini bilinçli olarak fark etmesek bile, genellikle iyi hissettirir. Mimarlar, ses manzaralarını şekillendirerek yaşam için bizi yatıştırabilecek, ilham verebilecek veya enerji verebilecek işitsel bir zemin oluşturur ve çoklu duyusal deneyimi tamamlar.
Hava, Koku ve Termal Deneyim: Görünmez Atmosferler
Duyusal tasarımın tamamı gözle görülebilir değildir – en güçlü mekansal deneyimlerden bazıları hava, koku ve sıcaklığın görünmez atmosferlerinden gelir. Sıklıkla bir odaya gireriz ve nedenini hemen bilmeden havasız veya ferah, soğuk veya rahat olduğunu hissederiz. Perde arkasındaki mimarlar ve mühendisler hava akışı, iklim kontrolü ve hatta aroma ile ilgili tasarım tercihleri yaparak konforumuzu ve algımızı derinden etkilerler. Duyusal mimaride, bu ortam duyuları en az görünür yüzeyler kadar önemsenir.
Hava bir binanın nefesidir. Havanın hareketi – ya da eksikliği – konforu, sağlığı ve uyanıklığı etkiler. Hafif bir esinti ile iyi havalandırılmış bir alan canlı ve hoş hissettirirken, durgun bir oda bizi uykulu veya huzursuz yapar. Doğal havalandırma (veya pasif soğutma) için tasarım, sadece sürdürülebilirlik için değil, aynı zamanda havanın duyusal kalitesi için de yenilenen bir ilgi görmüştür. Bir klima havalandırmasının yapay üflemesinin aksine, dış mekan tazeliğini taşıyan yumuşak bir çapraz esintinin inkar edilemez derecede hoş bir yanı vardır. Mimarlar bunu, pencereleri ve açıklıkları hakim rüzgarlara yönlendirerek, açık avlular, yüksek havalandırma delikleri veya baca efektleri kullanarak havayı mekanlara çekerek başarırlar. Örneğin, geleneksel Arap ve Hint mimarisinde serinletici esintileri yönlendirmek ve sıcak havayı dışarı atmak için rüzgar tutucular ve avlular kullanılmış ve mekanik iklimlendirme öncesinde konforlu mikro iklimler yaratılmıştır. Bunun duyusal sonucu, bina sakinlerinin kendilerini çevreye bağlı hissetmeleridir: rüzgârdaki ince değişimleri, yağmur sonrası serinliği, günlük sıcaklık ritmini fark edersiniz.
Çağdaş bir örnek, Heatherwick Studio’nun Leeds‘teki (Yorkshire, Birleşik Krallık, 2020) Maggie’s Centre‘ıdır – temiz hava ve doğal sakinliğe vurgu yaparak tasarlanmış bir kanser destek merkezi. Bina, geniş açılabilir pencerelere ve bitki dolu teraslara sahip üç pavyon benzeri formdan oluşuyor. Yapısı ahşap ve kaplaması gözeneklidir; bu, açıklıkların dikkatli bir şekilde yerleştirilmesiyle birlikte, binanın kapalı mekanik sistemlere bağımlı olmadan “nefes almasını” sağlar. Aslında, tasarım geleneksel iklimlendirmeden tamamen kaçınıyor. “Doğal havalandırma, saha koşulları ve iklim üzerine yapılan bir çalışmaya dayanarak pencerelerin ve açıklıkların en iyi yönelimini ve düzenlemesini seçtikten sonra mekanik klima sistemlerinin kullanımını önler ” diye belirtiyor bir açıklama. Sonuç, iç mekan havasının taze kaldığı ve nemin ahşap ve bitkiler tarafından doğal olarak düzenlendiği bir merkezdir – hastalar ve personel genellikle atmosferin ne kadar ferahlatıcı ve rahatlatıcı olduğunu, sanki klinik bir tesisten ziyade samimi bir evdeymişsiniz gibi yorum yaparlar. Bu, biyofili kavramıyla bağlantılıdır: stresi azaltmak ve refahı teşvik etmek için doğal unsurları (burada, doğal hava akışı ve bol yeşillik) entegre etmek. Duyusal açıdan, bir mekanda rahat nefes almak – kelimenin tam anlamıyla – genel bir güvenlik ve rahatlama hissine katkıda bulunur. Maggie’s Centre, görünmez çevre mühendisliğinin (hava kalitesi, hava akışı) insan merkezli tasarımın kritik bir parçası olduğunu göstermektedir.
Bir mekanın ne kadar sıcak veya soğuk hissettirdiği termal deneyimle yakından ilgilidir. Sıcaklık, salt konforun ötesinde duygu ve anlam uyandırabilir. Güneş ışığı alan sıcak bir köşe, bir kış günü rahat ve davetkar hissettirebilirken, çıplak ayakların altındaki serin bir taş zemin, bir yaz öğleden sonrasında rahatlama sağlar. Tasarımcılar etki yaratmak için farklı sıcaklıklarda bölgeler oluşturabilirler. Geleneksel Japon evlerini düşünün: genellikle güneş ışığıyla ısınan bir engawa (kapalı sundurma) vardır – serin aylarda oturmak için hoş bir nokta – ve ayrıca nemli yazlar için esintili çapraz havalandırmalı iç odalara sahiptir. Mimaride Termal Keyif adlı kitabında Lisa Heschong, Fin saunaları ve Türk hamamlarından Japon onsen hamamlarına kadar mimari mekanların tarihsel olarak termal deneyimleri nasıl kutladığına dikkat çekmiştir. Bu örnekler, ortak bir ritüel olarak sıcak veya soğukta yıkanmanın kültürel açıdan zengin yollarını göstermektedir. Örneğin bir hamam, sıcak buhardan (kişinin cildinin kızarmasına ve gözeneklerin açılmasına neden olur) tempolu bir soğuk yıkamaya kadar, hepsi de güzel tonozlu odalar içinde bir dizi düzenler. Hamamın tasarımı – yıldızlı açıklıklara sahip kubbeli tavanlar, alttan ısıtılan mermer plakalar – bu termal hisleri arttırır ve aynı zamanda derinlemesine rahatlatıcı, neredeyse uhrevi bir deneyim yaratmak için koku (genellikle okaliptüs veya sabun kokusu ile aşılanmış buharlı hava) sunar. Modern binalarda, nadiren bu tür aşırılıkları hedeflesek de, insanların kendileri için rahat olana yönelmelerini sağlamak için biraz daha sıcak dinlenme alanları, daha soğuk aktif çalışma alanları vb. sağlayan “termal bölgeleme ” yönünde bir hareket var. Restoranlar bile bazen bununla oynuyor, belki bir bar alanını biraz daha serin tutuyor (çünkü insanlar genellikle ayakta duruyor, belki dans ediyor), ancak otururken rahatlık için yemek köşelerini biraz daha sıcak tutuyor. Önemli olan, her yerde tek tip 72°F (23°C)’nin en hoş yaklaşım olmayacağını kabul etmektir; termal konfor için çeşitlilik ve bağlam önemlidir.
Şimdi, mekanların genellikle göz ardı edilen boyutu olan kokuya gelelim. Koku, hafıza ve duygularla en doğrudan bağlantılı duyudur (“Proust’un madeleini” etkisi). Kısacık bir koku bizi anında taşıyabilir ya da ruh halimizi etkileyebilir. Pallasmaa, “Bir mekânın en güçlü anısı genellikle kokusudur,” diye yazmıştır; “Büyükbabamın çiftlik evinin kapısının görünüşünü hatırlayamıyorum… ama özellikle kapının arkasında görünmez bir duvar gibi yüzüme çarpan ev kokusunu hatırlıyorum.”. Yine de modern mimarinin çoğunda amaç koku nötrlüğüdür – kokuları ortadan kaldırmak için binaları temizler ve havalandırırız, bazı eleştirmenlerin ” anosmik küp” olarak adlandırdığı, beyaz duvarlı “nötr” sanat galerisine benzeyen ancak kokulu bir yapı yaratırız. Bununla birlikte, giderek artan sayıda tasarımcı, mekansal deneyimin bir parçası olarak kasıtlı kokuları yeniden tanıtıyor. Bu, bir salon için keten tohumu ile yağlanmış ahşap seçmek gibi hafif bir doğal odunsu koku taşımak veya mevsimsel kokular yayan bitki ve çiçekler kullanmak gibi ince bir yöntem olabilir. Bazı perakendeciler, oteller ve hatta ofisler özel bir atmosfer yaratmak için koku difüzörleri kullanır (koku markalama olarak bilinen bir uygulama).
Örneğin bir Westin oteline girdiğinizde, lobide temizlik ve sakinliğe işaret etmesi amaçlanan özel bir “beyaz çay” kokusu fark edebilirsiniz. Amaç ticari olsa da, kokunun mekan izlenimimizi nasıl şekillendirebileceğini kanıtlıyor. Ruhani ve kültürel alanların mimarları bunu uzun zamandır biliyor: kiliselerde, tapınaklarda ve camilerde kutsallığı ifade etmek ve ibadet edenlerin görme ve sesin ötesinde duyularını harekete geçirmek için tütsü kullanılıyor.
Japonya’nın Kyoto kentinde, ritüelin bir parçası olarak kōdō‘nun (tütsü sanatı) takdir edildiği tapınaklar veya geleneksel çayevleri ziyaret edilebilir – ışık şaftlarında kıvrılan odunsu duman, tatami kokulu havayı aşılar ve böylece meditasyon için kişinin zihnini temizler. Mimari genellikle küçük havalandırma açıklıklarıyla ya da dumanı görünür kılmak için ışığın süzülme şekliyle buna uyum sağlar. Orta Doğu tasarımında, portakal çiçekleri veya yaseminlerle dolu avlular akşamları aroma yayarak iç ve dış mekan deneyimini koku yoluyla birleştirir.
İnsancıl bir şekilde koku için tasarım yapmak genellikle doğal ipuçlarından yararlanmak anlamına gelir: yağmur sonrası toprak kokusu (petrichor), sağanak yağışları kutlayan avlular veya yağmur zincirleri aracılığıyla tanıtılabilir; veya bahçeleri, yeşil duvarları veya saksı bitkilerini bir alana entegre ederek bitki örtüsünün kok usunu getirebilir. Ünlü bir modern örnek San Francisco’daki Kaliforniya Bilimler Akademisi ‘dir (Renzo Piano, 2008), yemyeşil ekili bir çatıya ve açık hava avlularına sahiptir – böylece dolaşırken nemli toprak ve yerli kır çiçeklerinin kokusunu alırsınız, bu müze / akvaryumun ziyaretçileri doğaya bağlayan sürükleyici ortamının kasıtlı bir parçasıdır. Daha faydacı alanlarda, malzemelerin düşük kokulu olmasını sağlamak ve temiz havanın dolaşması için yollar sağlamak, çoğumuzun bildiği türden “ofis kokusunu” önleyebilir.
Önemli bir husus da çağrışımsal koku hafızasıdır: belirli yerler kimliklerini pekiştiren bir kokuyla tanımlanır. Klasik bir kütüphane düşünün: eski kitapların kokusu (yaşlanan kağıttan kaynaklanan uçucu organik bileşikler) bu zihinsel imajın ayrılmaz bir parçasıdır. Ya da çam ve şömine dumanı kokusu taşıyan ahşap bir kulübe – cazibesinin bir kısmı kelimenin tam anlamıyla havadadır. Mimarlar her zaman bir koku seçemeyebilir, ancak hoş kokan malzemeler (plastik yerine doğal ahşap, deri vb.) seçebilir ve olumlu kokuları ortaya çıkaran kullanıcı faaliyetlerine izin verebilirler (bir mutfağı gizlemek yerine açık bir mutfak düzeninde gerçek yemek pişirmek gibi – böylece ev, eski bir konfor sembolü olan yemek aromasıyla dolar ).
Sürdürülebilir tasarımda, pasif havalandırma ve doğal iklimlendirme sadece enerji tasarrufu sağlamakla kalmaz, aynı zamanda bir mekanın duyusal kalitesini de artırır. Güzel bir günde açılabilen bir bina, içerisi ile dışarısı arasındaki sınırı bulanıklaştırır – hafif bir hava akımı hissedebilir, pencereden kuş sesleri duyabilir, dışarıdan kesilmiş çim kokusu alabilirsiniz. Bu deneyimler günlük yaşamı zenginleştirir. Biyoiklimsel mimari genellikle yerel yöntemlere başvurur: iç sıcaklığı sabit tutan yüksek termal kütleli duvarlar, sıcak iklimlerde rahatça oturmak için gölgeli verandalar, bir fıskiyenin suyunun havayı soğuttuğu ve hoş bir şırıltı sesi ve nem kattığı buharlaşmalı soğutma avluları (geleneksel İran ve Hindistan’da görüldüğü gibi) – tam bir duyusal yükseltme. Örnek projelerden biri, termit höyüklerinin pasif soğutmasını model alan bir ofis binası olan Zimbabwe’deki Eastgate Centre ‘dır: gece serin havasını çekmek ve sıcak havayı tahliye etmek için büyük havalandırma şaftları ve ağır duvarlar kullanır ve minimum HVAC ile konforu korur. Burada çalışanlar sadece konfora değil, havanın doğal hissine de dikkat çekiyor – sert klima üflemesi yok, sadece günle birlikte “nefes alan ” dengeli bir ortam.
Termal konfor aynı zamanda dokunmayla da kesişir: sıcak malzemelere karşı soğuk malzemeler. Taş bir bankta oturmak vücudunuzdaki ısıyı çektiği için sizi tam anlamıyla serinletecektir; bunun aksine ahşap bir bank daha nötr veya sıcak bir his verir. Bu nedenle saunalar ahşapla kaplanır (böylece yanmadan üzerine oturabilirsiniz) ancak serinletici bir çeşme mermerden oyulmuş olabilir. Tasarımda, bu malzemelerin termal özelliklerini bilmek, örneğin farklı tercihler için sıcak ve rahat bir oyuk (belki ahşap kaplı) ile serin bir oyuk (taş kaplı) yaratmanıza olanak tanır. Aynı binada, bazıları üzerinde yürümek için serin bir terrazzo zeminden, diğerleri ise ayaklarını sokmak için sıcak bir halıdan hoşlanabilir – her ikisini de uygun yerlerde sağlamak herkese hitap edebilir ve mekanın dokunsal-termal deneyimini zenginleştirebilir.
Görünmez niteliklere gelince, nem ve hava tazeliğini unutamayız. Biraz nemi muhafaza eden (çok kuru olmayan) binalar genellikle daha rahat hissettirir; çok kuru hava (aşırı soğutulmuş ofislerde yaygındır) burnumuzu ve cildimizi tahriş eder. İç mekan bitkileri, su öğeleri kullanmak veya binayı fazla sızdırmaz hale getirmemek bu dengeyi sağlamaya yardımcı olabilir. Ve elbette, hava kalitesinin sağlanması – zehirli dumanların olmaması, yeterli filtreleme veya doğal değişim – sağlığımızı ve bilişsel işlevlerimizi tam anlamıyla etkiler. Duyusal mimari sağlıklı yaşam tasarımıyla uyumludur: hava da görseller kadar davetkar olmalıdır.
Özetle, havaya, kokuya ve sıcaklığa dikkat etmek bir binayı cansız bir kutudan saran bir atmosfere dönüştürür. Bu faktörler çoğu zaman bir mekanı gerçekten konforlu ya da unutulmaz kılan şeylerdir, biz bunları sadece bilinçaltımızda fark etsek bile. Zumthor’un da belirttiği gibi en iyi mimari, “insan yaşamının izlerini özümseyebilir” ve bunlara hassas bir şekilde yanıt verebilir – ve buna yaşamın nefesi, sıcaklığı ve kokusu da dahildir. Mimarlar görünmez katmanları oluşturduklarında – havanın yumuşak sürüklenişi, malzeme ve çevre buketi, termal dokunuş – nefes alan ve tüm insan duyularını kucaklayan mekanlar yaratırlar.
Tam İnsan Deneyimi için Tasarım
Mimarlık en üst noktasında insanın bütününe hitap eder – beden, zihin ve ruh. Keşfettiğimiz gibi, duyuları göz önünde bulundurarak tasarım yapmak, sadece görülen değil , hissedilen, duyulan ve tüm boyutlarıyla hatırlanan ortamlara yol açar. Bu çok duyulu yaklaşım, stilistik bir trendden daha fazlasıdır; mekanı tüm sinir sistemimizle algıladığımızı kabul eden temel insan merkezli tasarıma bir geri dönüştür. Birçoklarına göre mimarinin geleceği, radikal görsel biçimlerden ziyade bir mekânın sunduğu deneyimin kalitesiyle, yani refahı nasıl desteklediği, duyguları nasıl harekete geçirdiği ve tüm duyular aracılığıyla nasıl bir anlam yarattığı ile tanımlanacaktır.
Duyusal tasarım aynı zamanda kapsayıcılığa ve “duyusal eşitliğe” giden bir yoldur. Birden fazla duyuyu harekete geçiren mekânlar, daha geniş bir yelpazedeki insanlar için daha erişilebilir olma eğilimindedir. Örneğin, az gören bir kişi, bir binada dokunsal zemin ipuçları ve zengin akustik geri bildirim varsa (dokulu yollara sahip körler okullarında görüldüğü gibi) daha iyi yön bulabilir. Belirli uyaranlardan bunalabilecek otistik bir kişi, kontrollü akustik ve yumuşak aydınlatma geçişleri ile tasarlanmış alanlarda rahatlık bulabilir. Duyuları azalmış olabilecek yaşlı yetişkinler, aynı anda birden fazla duyu ile okunabilen çevresel tasarımdan faydalanır – cesur görsel kontrast artı net akustik artı ayırt edici kokular duyusal kaybı telafi edebilir ve hafızayı tetikleyebilir. Her yaş ve nörotip için tasarım yapmak, duyusal ihtiyaçları göz önünde bulundurmak anlamına gelir: belki bir kütüphane, sakinliğe ihtiyaç duyanlar için yumuşak bir şekilde aydınlatılmış, sesi azaltılmış bir okuma odası içerirken, diğerleri için güneşli, havadar bir salon sunabilir – tek bir beden herkese uymaz, ancak duyusal ortamların bir spektrumu olabilir. Bir mimarın da belirttiği gibi, “dünya, entelektüel yaratıcılığı malzeme ve dokunsallığa yönelik hümanist bir yakınlıkla dengeleyen ruhani ve anlamlı mekanlara son derece muhtaç.” Başka bir deyişle, onlarca yıl süren bazen aşırı beyinsel veya tamamen pragmatik tasarımlardan sonra, ruhu olan mekanlara özlem duyuyoruz – ve ruh, insani duyularımız ve duygularımızla etkileşime girmekten kaynaklanıyor.
Çok duyulu mekanlar tasarlamak, kendi iyiliği için karmaşıklık eklemekle ilgili değildir; bu, niyetlilik ve özgünlükle ilgilidir. Mimarların atmosfer bestecileri veya koreografları gibi düşünmelerini gerektirir. Peter Zumthor’un “atmosferler ” kavramıyla tanımladığı gibi, yankı uyandıran genel ruh halidir: “Atmosferi duygusal duyarlılığımız aracılığıyla algılarız… saniyenin çok küçük bir bölümünde bir yer hakkında bu duyguya sahip oluruz.” Bu his, tüm duyusal girdilerin aynı anda sinerji oluşturmasından kaynaklanır. Başarılı bir tasarım bu girdileri huzur, canlılık, saygı veya keyif gibi tutarlı bir duyguya dönüştürür. Tüm unsurlar -görüntü, ses, dokunma, hava- uyum içinde olduğunda, atmosfer hissedilebilir ve güçlü olur. Zumthor’un dediği gibi “hafızanıza ve duygularınıza yapışır “. En çok değer verdiğiniz mekanları düşünün: muhtemelen en sevdiğiniz odaya düşen ışığı, döşeme tahtalarının gıcırtısını, pencereden gelen yaz kokusunu hatırlayabilirsiniz. En sevdiğimiz mimari, tam da duyularımızı harekete geçirdiği ve hafızamız için zengin bir zemin oluşturduğu için hayatın anlarına sahne olur.
Pratik anlamda, duyusal mimariye yönelik hareket eğitimi ve mesleki uygulamaları etkiliyor. Mimarlar için “duyusal araç setleri ” geliştirme çağrıları yapılıyor – projelerin her aşamada her bir duyuyu düşünceli bir şekilde ele almasını sağlayan kontrol listeleri veya tasarım kılavuzları (saha planlamasından – gürültü ve rüzgar modellerini dikkate alarak – malzeme seçiminden aydınlatma tasarımına kadar). Bazı ileri görüşlü firmalar duyusal deneyimleri çizimlerde tam anlamıyla haritalandırıyor: sessiz ve yoğun sesin, sıcak ve soğuk bölgelerin, kilit görüş hatlarının veya temas noktalarının nerede olması gerektiğini gösteren duyusal diyagramlar. Akademi, farklı beyin tiplerinin (nörotipik, nörodejeneratif) çevresel uyaranlara nasıl tepki verdiğine ilişkin araştırmalarla nörobilim ve mimarlık arasında köprü kuruyor. Gelişmekte olan bu nöro-mimari alanı, sezgisel olarak doğru hissettiren tasarım kararlarını doğrulamak için bilimsel içgörüyü kullanıyor – örneğin, doğa seslerine erişimin stres hormonlarını azalttığını veya belirli ışık spektrumlarının sirkadiyen ritimleri ve hastane hastaları için daha iyi uykuyu desteklediğini doğrulamak. Tasarım markaları ve bina standartları (WELL sertifikası gibi) artık bir binanın kalitesinin ölçütleri olarak akustik konfor, biyofilik unsurlar (doğayla görsel ve kokusal bağlantı için), termal ve kokusal konfor gibi duyusal kriterleri açıkça içermektedir.
Tüm bunlar mimar veya tasarımcı için ne anlama geliyor? Kişinin paletini genişletmesi anlamına gelir. Tasarım incelemeleri sırasında sadece renderlara bakmak değil, şunu sormak demektir: Burada yürümek nasıl hissettirecek? Hafif bir ses veya yankı olacak mı? Güneş onu ısıttığında malzeme nasıl kokacak? Gözleri bağlı bir kişi dokunma ve duyma yoluyla bu mekanı yine de takdir edebilir mi? Bu soruları sorarak, tasarımları iki boyutlu estetikten tam duyusal daldırmaya doğru itiyoruz. Bu ille de daha pahalıya mal olmak zorunda değil; genellikle düşünceli seçimler ve bazen de kısıtlamayla ilgili (örneğin bir pencereyi kapatmak yerine içeri esinti girmesine izin vermek). Hatta konsept aşamasının başlarında başkalarıyla (akustik mühendisleri, aydınlatma tasarımcıları, peyzaj mimarları (koku ve bitki dokuları için)) işbirliği yapmak anlamına da gelebilir, böylece tüm duyusal yönler bütünsel olarak gelişir.
Nihai hedef, insan ruhunu besleyen ortamlardır. Dijital deneyimlerin ve sanal gerçekliğin giderek yaygınlaştığı bir çağda, mimarinin dokunulabilir, elle tutulur gerçekliği yeri doldurulamaz bir şey sunuyor. Mimar Kengo Kuma’nın gözlemlediği gibi, mimariyi görsel bir medya gösterisi olarak ele aldığımız bir dönem geçirdik, ancak “insanlar beş duyunun gerçek yaşamına geri dönüyor. Mimarlardan da bu duyuları içeren tasarımlar yapmaları beklenecek.” Gerçekten de, ekranların ardında izole edildikten sonra, insanlar kalabalığın mırıltısını duyabilecekleri, havayı hissedebilecekleri, ağaçları koklayabilecekleri, kaba tuğlalara dokunabilecekleri gerçek mekanlar arzuluyor. Mimarlığın armağanı tam da bu cisimleşmiş mevcudiyettir – Daniel Libeskind’in tutkuyla ifade ettiği gibi ” biz sadece zihin değiliz, bedenseliz… cisimleşmişiz; bu içgüdüsel bir deneyimdir ” ve bize binaların sadece aklımızı değil, etimizi ve kanımızı da harekete geçirmesi gerektiğini hatırlatır.
Duyularla tasarım yapmak, yaşam için tasarım yapmak demektir. Bu, doğal dünyanın zenginliğini ve insan algısının çeşitliliğini yansıtan mekanlar yaratmakla ilgilidir. Bu tür mekanlar daha akılda kalıcı, daha sevilen ve genellikle daha sürdürülebilir olma eğilimindedir (çünkü sürdürülebilir olan, insanların zaman içinde değer verdiği ve önemsediği bir tasarım değilse nedir?) Çok duyulu bir tasarım yaklaşımı mimariyi yavaşlamaya ve uyum sağlamaya teşvik eder: bir duvarda öğleden sonra güneşinin parıltısı, bir çatı penceresinde yağmurun sesi, bir girişin yanındaki yasemin kokusu, bir eli davet eden serin taş – bu ayrıntılar büyük form kadar önemli olabilir. Geleceği inşa ederken, yapılı çevrenin nihayetinde insan deneyimleri için bir sahne olduğunu unutmayalım. Tüm duyuları devreye sokarak bu deneyimleri zenginleştirir ve mimariyi bir yerde tamamen, duyusal olarak canlı olmanın ne anlama geldiğiyle yeniden ilişkilendiririz. Bunu yaparken, sadece iyi görünen değil, aynı zamanda doğru hissettiren bir mimari yaratıyoruz – tasarım ve yaşamın sorunsuz bir şekilde iç içe geçtiği tam insan deneyiminin mimarisi.
Dök Mimarlık sitesinden daha fazla şey keşfedin
Subscribe to get the latest posts sent to your email.
