Figura: El Barbican Centre de Londres (terminado en 1976), un lugar donde los arquitectos suavizaron los volúmenes de hormigón desnudo con jardines privados y elementos acuáticos, creando «una suave lámina visual que contrasta con la seriedad del hormigón».
En los últimos años, el hormigón crudo y sin adornos del brutalismo ha adquirido un interesante poder de atracción emocional. Lo que en su día fue rechazado por considerarse duro o «inhumano», se ha convertido en objeto de nostalgia y admiración. Los críticos de la década de 1960 se burlaban de estas formas gigantescas comparándolas con refugios o prisiones soviéticos, pero hoy en día incluso las autoridades civiles y los académicos señalan un resurgimiento del interés por ellas. Como demuestra el Barbican de Londres, los diseñadores adoptaron inicialmente el «béton brut» (hormigón visto) precisamente por su honestidad, equilibrándolo con vegetación y agua para humanizar su escala. Ahora, las redes sociales y la industria cultural celebran el brutalismo: «ha adornado tazas y teteras… y ha inundado las cuentas de Instagram y las mesas de café». Décadas después de su apogeo, la estética sin pulir del brutalismo resulta auténtica y poética para muchos. Este cambio refleja una transformación cultural más amplia: un estilo que en su día fue denostado, ahora es «cada vez más apreciado», incluso cuando muchos edificios se enfrentan a la demolición. En resumen, la cruda honestidad del hormigón que en su día repelió a los espectadores ahora despierta la memoria colectiva y la curiosidad.
¿Cómo reflejó el brutalismo los sueños sociales utópicos de mediados del siglo XX?
Figura: El modelo axonométrico de la Unité d’Habitation de Le Corbusier (versión de Berlín) muestra el diseño de una «ciudad vertical» que incluye jardines en la azotea, instalaciones comunes (pista de atletismo, piscina, guardería, etc.) y tiendas integradas.
A mediados del siglo XX, el brutalismo no era solo una estética, sino también un manifiesto de idealismo social. Los arquitectos creían que los edificios monumentales de hormigón podían reconstruir la sociedad. Esto se puede ver claramente en los casos prácticos. Los Robin Hood Gardens (Londres, 1972) de Alison y Peter Smithson son famosos por sus «calles en el cielo», unas pasarelas elevadas diseñadas para combinar el espíritu comunitario de los barrios marginales victorianos con la eficiencia moderna. Los Smithson defendían que los edificios debían «reflejar a sus habitantes» y «fomentar la comunidad», es decir, servir como instrumentos de reforma social. De manera similar, la Unité d’Habitation (Marsella, 1952) de Le Corbusier fue diseñada como una «ciudad dentro de la ciudad». En su torre de hormigón armado no solo había apartamentos, sino también jardines en la azotea, una guardería, un gimnasio, tiendas e incluso un hotel, todo ello optimizado para fomentar una vida igualitaria. Para Le Corbusier y sus sucesores, estos elementos comunes eran las infraestructuras reales de la utopía: materializaban la promesa de mediados de siglo de que la arquitectura podía proporcionar un lujo colectivo y una vida digna para todos.
Otros iconos brutalistas también expresaban ideales similares. La Torre Trellick de Ernő Goldfinger (Londres, 1972) incluía lavaderos y balcones comunes para fomentar la interacción entre vecinos. El Habitat 67 de Moshe Safdie (Montreal, 1967) resolvió la vida en alta densidad mediante módulos prefabricados de hormigón ensamblados entre sí, creando espacios comunes luminosos. Como señaló un comentarista, Goldfinger y Safdie consideraban el brutalismo no solo como un estilo, sino como un «proyecto moral» destinado a crear viviendas asequibles con espacios públicos comunes y terrazas ajardinadas. El edificio de Arte y Arquitectura de Yale (Paul Rudolph, 1963) también daba prioridad a los estudios comunes complejos en lugar del lujo. Eran monumentos concretos del estado del bienestar de la posguerra y del ethos de la «gran sociedad», y se construyeron sobre la creencia de que el diseño podía propiciar el progreso social. Ahora muchos los lloramos: su demolición (como en el caso de los Robin Hood Gardens) se suele describir como la pérdida de un sueño utópico, irónicamente en los lugares donde los arquitectos prometieron en su día el «bienestar colectivo».
¿Por qué percibimos los edificios brutalistas de forma diferente hoy en día en comparación con su contexto original?
Figura: Ayuntamiento de Boston (1968) – Un ejemplo emblemático de la arquitectura brutalista civil en Estados Unidos, que ahora tiene oficialmente un valor simbólico por su «importancia arquitectónica, cultural y civil».
La edad, el desgaste y los gustos cambiantes han transformado nuestra perspectiva sobre el brutalismo. El paso del tiempo ha desgastado con delicadeza muchas fachadas de hormigón, suavizando el desprecio que se les profesaba anteriormente. Más importante aún, las instituciones públicas y los conservacionistas han comenzado a valorar edificios que antes eran menospreciados. El Ayuntamiento de Boston, que en su día fue objeto de burlas por su fealdad y estaba destinado a ser vendido, fue declarado edificio emblemático en 2023 y aclamado como «piedra angular del patrimonio arquitectónico y civil de nuestra ciudad». De manera similar, el Teatro Nacional de Londres (1976) fue incluido en la lista de grado II solo 18 años después de su finalización, y el parque de skate al aire libre, que en su día fue rechazado como prueba de la decadencia social, ahora se celebra como «uno de los espacios públicos más grandes de Londres».
Figura: Teatro Nacional de Londres (1976) – Volúmenes altos y geométricos de hormigón (controvertidos en un principio) que hoy en día son objeto de admiración y están protegidos como patrimonio de grado II.
Estos cambios reflejan la observación de Brunel: los edificios que en su día se consideraban «implacables» ganan valor con el paso del tiempo. Las primeras críticas tildaron los bloques brutalistas de «inhumanos», «carcelarios» o «austeros». Sin embargo, con la desaparición de este contexto severo, la gente encuentra emocionante su honestidad y monumentalidad. Muchos comentaristas señalan este cambio de tendencia: a menudo recordamos que «los magníficos edificios victorianos que tanto nos gustan fueron considerados horribles en su día» y ahora lamentamos la pérdida de las joyas brutalistas. Los ejemplos son numerosos: la antigua y denostada Torre Trellick se ha convertido en un símbolo querido, y partes de los Jardines de Robin Hood han sido adquiridas por el V&A por su importancia cultural. En esencia, la opinión pública se ha ablandado: lo que antes se rechazaba como frío hormigón ahora se valora por su originalidad y su dramatismo escultórico.
Figura: Torre Trellick (1972) – Este edificio de gran altura diseñado por Ernő Goldfinger fue durante mucho tiempo considerado una «monstruosidad», pero ahora goza de un estatus de icono arquitectónico.
¿Es el declive del brutalismo un reflejo de nuestros valores materiales y culturales cambiantes?
Figura: Los Jardines Robin Hood de Alison y Peter Smithson (Londres, 1972) antes de su demolición: un complejo brutalista compuesto por fachadas de hormigón y pasarelas elevadas. Finalmente fue demolido (2017) y en su lugar se construyeron torres tradicionales con predominio del vidrio, lo que puso de relieve el cambio en los gustos arquitectónicos. El declive del brutalismo es, en realidad, paralelo a la evolución de la moda en los materiales. A partir de la década de 1980, los arquitectos se orientaron hacia las construcciones ligeras de acero y vidrio y las superficies de alta tecnología, símbolos del optimismo neoliberal y la cultura del consumo. Las torres brillantes y las fachadas de alta tecnología sustituyeron a los bloques de hormigón gris, que reflejaban la preferencia por la transparencia y la elegancia. Al mismo tiempo, se hicieron evidentes las dificultades prácticas del hormigón bruto. Como señaló un experto en conservación, la mayoría de los edificios brutalistas sufrieron problemas de envejecimiento: las losas de hormigón y los paneles prefabricados se agrietaron debido a la corrosión y las paredes de hormigón sin aislamiento no cumplían con los estándares energéticos modernos. Se ha demostrado que mantener en pie estas enormes estructuras es costoso: un ejemplo famoso es la Torre de Derecho de la Universidad de Boston, donde aproximadamente 100 de las 700 alas de hormigón prefabricadas se agrietaron debido a la corrosión del acero de la estructura y tuvieron que ser sustituidas por completo en lugar de repararse. En resumen, los propietarios suelen llegar a la conclusión de que es más barato demoler el brutalismo envejecido que rehabilitarlo por completo.
Estos factores aceleraron el declive del brutalismo. Los críticos observaron que, hacia finales del siglo XX, este estilo había «perdido su brillo»: parecía demasiado sencillo y adolecía de falta de mantenimiento. Como resultado, muchos proyectos fueron demolidos (un analista señala que muchos «compartieron el mismo destino que Robin Hood Gardens»). Irónicamente, Robin Hood Gardens, diseñado con terrazas verdes para los inquilinos, fue sustituido por un desarrollo aún más denso y acristalado. Esta transición pone de relieve nuestros valores cambiantes: antes valorábamos el idealismo social de las pasarelas elevadas y los jardines privados; hoy valoramos la sostenibilidad global y la flexibilidad. El hormigón, con su elevada huella de carbono, se consideraba dudoso desde el punto de vista medioambiental. Sin embargo, está surgiendo una nueva perspectiva ecológica. Los arquitectos están descubriendo el «eco-brutalismo»: utilizar hormigón reciclado o con bajas emisiones de carbono, integrar la vegetación e incluso empotrar paneles fotovoltaicos en elementos de hormigón. Por ejemplo, el «Pabellón Solar de Hormigón» de Herzog & de Meuron, que integra paneles solares en bloques de hormigón, apunta hacia un futuro en el que la volumetría brutalista puede ser compatible con la sostenibilidad. El declive del brutalismo se debió en parte a corrientes técnicas y culturales, desde el auge de las paredes de cristal hasta las dificultades para proteger el hormigón en bruto, aunque la nueva ciencia de los materiales podría replantear la narrativa del hormigón.
¿Se pueden rediseñar los principios básicos del brutalismo para el futuro?
Figura: Habitat 67, Montreal (1967) – La icónica vivienda modular brutalista de Moshe Safdie. La interacción de los volúmenes de hormigón «bin-box» (izquierda) contrasta con los diseños contemporáneos que adaptan las ideas brutalistas a nuevos materiales y formas (derecha).
A pesar de la popularidad del brutalismo, sus ideales siguen vivos. Los arquitectos contemporáneos están encontrando formas de canalizar la honestidad y la monumentalidad brutalistas en nuevas formas. Firmas líderes como Herzog & de Meuron y Tadao Ando siguen utilizando el hormigón en bruto o su espíritu, pero con métodos avanzados: por ejemplo, experimentan con mezclas de hormigón con bajas emisiones de carbono, contenidos reciclados y moldes fabricados digitalmente para cumplir sus objetivos de sostenibilidad. El propio Ando veía el hormigón como un material modesto, no opresivo, con «infinitas posibilidades», y solía utilizar planos de hormigón lisos y esculturales para evocar la serenidad y la solidez (una sensibilidad que se ha puesto de moda en Japón y otros lugares). Al mismo tiempo, los interioristas y los fabricantes de muebles también han adoptado la estética brutalista a escala humana. La última tendencia en interiores «neobrutalistas» incluye muebles de hormigón y metal en bloques: bases de mesa de hormigón, lavabos con aspecto de piedra y lámparas de metal de corte tosco que recuerdan la geometría y las texturas del estilo. Como observa LuxDeco, los diseñadores utilizan «siluetas en bloques y monolíticas» y revestimientos patinados para crear objetos esculturales modernos que hacen referencia al principio de honestidad estructural del brutalismo.
Los jóvenes arquitectos también se inspiran en la claridad de objetivos del brutalismo. Muchos defienden que el «espíritu» del brutalismo —una arquitectura compuesta por «bloques fundamentales» con fines sociales— puede adaptarse a nuevos contextos, y proponen masas audaces y minimalistas de madera o tierra compactada como analogía a los muros de hormigón. Por ejemplo, los diseños especulativos de viviendas comunitarias suelen incluir patios comunes o jardines en la azotea (un guiño a Unité y Robin Hood), pero están construidos con materiales sostenibles. En el ámbito del mobiliario y el arte, creadores como Kelly Wearstler y Amoia Studio combinan abiertamente texturas brutalistas (metal tosco, piedra tallada) en piezas de diseño de lujo.
Lo que realmente echamos de menos no son las formas de hormigón del brutalismo, sino la ambición que hay detrás de ellas: la fe en el poder de la arquitectura para moldear la sociedad. El brutalismo surgió con la convicción de que el diseño podía abordar la escasez de viviendas, la igualdad y la sociedad, una convicción que hoy en día rara vez se ve. Mientras lloramos la muerte del brutalismo, también podríamos estar llorando la muerte de una era de valentía ideológica. Las reinterpretaciones contemporáneas, ya sean torres de hormigón respetuosas con el carbono o muebles esculturales, muestran que los diseñadores están tratando de recuperar ese mismo valor, aunque sea de formas diferentes. El legado del brutalismo sigue vivo en todos los diseños que se atreven a ser honestos, monumentales y centrados en lo social, cualidades que quizá sean tan importantes ahora como lo fueron en el mundo de la posguerra.
Más información: Para obtener información más detallada sobre la historia y las ideas del brutalismo, consulte The Brutalist Bible de Frédéric Migayrou, el ensayo fotográfico Brutal London de Zupagrafika y los libros Concrete y Culture de Sherban Cantacuzino. Otros recursos incluyen los libros de Justin McGuirk, Concrete Concept, Reyner Banham, The New Brutalism, y Barnabas Calder, Raw Concrete: The Beauty of Brutalism. Estos títulos exploran la teoría, el legado y la relación continua del brutalismo con la arquitectura contemporánea.
