La arquitectura moderna está experimentando un renacimiento centrado en el ser humano: se hace hincapié en la arquitectura sensorial que involucra todos los sentidos humanos.
Tradicionalmente, el diseño se ha centrado en el impacto visual. A menudo se ha pensado en los edificios como objetos fotogénicos más que como experiencias vividas. Pero este sesgo ha mostrado sus límites: los investigadores sugieren que descuidar nuestros sentidos no visuales en los edificios puede contribuir a problemas como el estrés acústico, el síndrome del edificio enfermo e incluso la depresión estacional.
Después de que la pandemia de COVID-19 encerrara a la gente en sus casas, el anhelo de espacios corporales y significativos no ha hecho más que aumentar. Ahora sabemos que la arquitectura afecta profundamente a la salud mental y el bienestar, reconfortándonos o estimulándonos de formas que sentimos además de ver.
En esencia, la arquitectura sensorial significa diseñar para los cinco sentidos (vista, oído, tacto, olfato y gusto), además de otros menos obvios como la propiocepción y el confort térmico. Al «ir más allá de los límites tradicionales» de forma y función, crea entornos que atraen a los ocupantes del edificio hacia un rico tapiz de estímulos. Este planteamiento tiene mucho que ver con la neurociencia: nuestros cerebros integran constantemente estímulos sensoriales, por lo que un diseño bien pensado puede regular la luz, la acústica, las texturas e incluso los aromas para dar forma a cómo se siente y funciona un espacio.
Como observa el arquitecto StevenHoll, «experimentamos nuestro mundo y los edificios a través de todos nuestros sentidos y los asociamos a toda nuestra imagen existencial». En la práctica, esto significa tener en cuenta cómo suena un espacio al mediodía, cómo se siente una pared al tacto de la mano, el sutil olor al entrar en un vestíbulo o cómo un suelo guía el movimiento. Cansados de los espacios estériles y unidimensionales, los usuarios de hoy buscan diseños que relajen, inspiren y resuenen a nivel sensorial.
En las siguientes secciones exploraremos cómo la arquitectura activa cada campo sensorial a través de los materiales, la luz, la secuenciación espacial, la acústica y las atmósferas invisibles.
Tacto y textura: La materialidad como lenguaje emocional
Nuestro sentido del tacto es la forma más íntima de experimentar los edificios: a través de los materiales con los que nos rozamos y las texturas bajo las yemas de los dedos y los pies. En arquitectura, los materiales son una forma de lenguaje que transmite calidez o frialdad, aspereza o suavidad, incluso antes de que los toquemos físicamente. El carácter táctil de una superficie determina profundamente nuestra respuesta emocional: un suelo de mármol pulido puede parecer formal y frío, mientras que unas escaleras de madera desgastada pueden resultar acogedoras y familiares. La textura proporciona una «presencia sensorial» que nos ancla a un espacio: el peso de un muro de piedra o el veteado de la madera activan nuestra memoria y nuestro sentido del tiempo. Como señala Peter Zumthor, materiales como la piedra, el ladrillo y la madera permiten a nuestra mirada (y por tanto a nuestra mente) «penetrar en sus superficies» y sentir su autenticidad y antigüedad, mientras que los materiales modernos y lisos, como el cristal y el metal, a menudo «no transmiten nada de su esencia material ni de su antigüedad». En otras palabras, los materiales naturales con una rica textura y pátina cuentan una historia e invitan al tacto, mientras que las superficies sintéticas uniformes pueden parecer distantes o estériles.
Y lo que es más importante, ni siquiera necesitamos tocar físicamente un material para imaginarnos su textura: la percepción táctil puede ser visual. Una pared de piedra labrada parece áspera y terrosa, una señal que nuestro cerebro interpreta emocionalmente. Los psicólogos señalan que incluso la visión de un material falso (como un revestimiento de «madera» de plástico) puede desencadenar una respuesta sensorial de decepción. Por tanto, la autenticidad y el envejecimiento desempeñan un papel importante: Los materiales sutilmente desgastados -el reposabrazos de cuero pulido, la pátina del cobre, el borde liso de una mesa de madera pulida por las manos de los años- infunden una sensación de confort e historia. «Creo que un buen edificio debe ser capaz de absorber las huellas de la vida humana «, escribe Zumthor, «pienso en la pátina de la edad en los materiales… los bordes pulidos por el uso» . Estas huellas del tiempo son recuerdos táctiles y hacen que un espacio se sienta vivo y apreciado.
Algunos casos prácticos muestran cómo la materialidad se transforma en lenguaje emocional. El balneario Therme Vals de Peter Zumthor, en Suiza, se asocia a menudo con el tacto de la piedra: Zumthor ha apilado 60.000 losas de cuarcita local para crear paredes que se pueden sentir literalmente con los ojos. Los nadadores que recorren pasillos oscuros de capas de piedra sienten la roca dura y fría contra el agua caliente de la piscina. Las distintas superficies se mantienen deliberadamente a diferentes temperaturas (piedra fría, agua caliente) para aumentar la conciencia corporal. Este diseño convierte el calor y el frío en una experiencia táctil consciente, como las saunas tradicionales o los baños romanos, lo que Lisa Heschong denomina «placer termal». En Therme Vals, el tacto está en el centro de la experiencia: al pasar la mano por la piedra bruñida, uno siente tanto el material como la sensación del tiempo geológico, y sale relajado y enraizado de este contacto con la naturaleza.
Figura: Paredes de piedra estratificada en las Termas Vals de Peter Zumthor, en Suiza. La cuarcita de Valser se deja en bruto y en capas, creando una rica experiencia táctil entre superficies rugosas y lisas, calientes y frías. La arquitectura estimula los sentidos táctiles y térmicos mientras los visitantes «sienten» la geología de la montaña en su piel.
Otro ejemplo es el Museo de Arte Moderno de Luisiana, en Dinamarca, famoso por su uso de superficies cálidas y naturales. Los visitantes suelen comentar que, aunque Luisiana es un museo grande, «se siente como en casa «. Los arquitectos Jørgen Bo y Vilhelm Wohlert lo han conseguido gracias a su elección de materiales, que enfatizan la calidez táctil y el envejecimiento sutil. Los suelos están cubiertos de baldosas de terracota rojo oscuro o de madera oscura de Panga Panga, una madera de ricos colores que ha soportado millones de pisadas desde 1958. El suelo de madera no es sólo una superficie; es testigo mudo de décadas de visitantes, adquiriendo pequeños arañazos y un brillo resplandeciente que enriquece el ambiente. Su silenciosa oscuridad ofrece un tranquilo contrapunto a las atrevidas obras de arte expuestas, mientras que su durabilidad resiste el interminable ritmo de la vida diaria del museo y no sólo transporta huellas, sino «historias, recuerdos y momentos de asombro». Los techos de madera de la parte superior, cuyas vetas y carpintería son visibles, confieren a las galerías una calidez táctil y una sensación de contacto humano. Incluso sin tocar estos elementos, los visitantes pueden sentir la textura de los ladrillos, la madera aceitada, las «superficies cálidas y envejecidas», detalles que crean una sensación de intimidad y confort. Los materiales invitan a detenerse y sentir el espacio: se puede pasar la mano por una suave barandilla de madera o notar la diferencia de temperatura al pasar de un pasillo de baldosas caldeado por el sol a una fría alcoba de ladrillo. En esencia, la paleta de materiales de Luisiana habla al cuerpo.
Diseñar pensando en el tacto puede ir más allá de los monumentos públicos e influir en oficinas, viviendas y espacios de todo tipo. Los arquitectos recurren cada vez más a la zonificación táctil: por ejemplo, utilizando un suelo de textura rugosa en un umbral para marcar un paso, o una acogedora alfombra para animar a quedarse en un rincón de lectura. El diseño inclusivo también utiliza la textura: En una escuela para ciegos de la India, los arquitectos utilizaron diferentes texturas en las paredes (yeso estriado y liso) para ayudar a los alumnos a orientarse y navegar mediante el tacto. Todas estas estrategias reconocen que la materialidad estimula las emociones. Un frío banco de acero puede desanimar a sentarse durante mucho tiempo, mientras que un banco de madera desgastada invita a sentarse. Los tejidos también influyen: piense en la diferencia entre un asiento duro de vinilo y un rincón suave tapizado. La textura afecta anuestro estado de ánimo y comportamiento de forma sutil: un pasamanos pulido y suavemente redondeado incita a la gente a pasar las manos por encima (ralentizando inconscientemente el paso), mientras que un pasamanos metálico de bordes afilados no invita a esta caricia. Los arquitectos crean así un diálogo emocional entre la persona y el espacio ajustando la temperatura de la superficie, la textura y el rendimiento (dureza o suavidad). En la arquitectura sensorial, cada elección de material, desde un ladrillo de arcilla que absorbe la humedad hasta una pantalla metálica perforada para la luz, contribuye a cómo se siente un espacio y si nos relaja.
Luces y sombras: Orquestación de la visión y el estado de ánimo
Si los materiales hablan a nuestra piel, la luz habla a nuestros ojos y a nuestra alma. Los arquitectos son coreógrafos de luces y sombras desde hace mucho tiempo, y utilizan la iluminación para crear ambientes, centrar la atención e incluso contar una historia espacial.
La luz natural, en particular, se considera casi sagrada en el diseño: Louis Kahn dijo: «Hasta que el sol no golpea el lateral de un edificio, nunca se sabe lo maravilloso que es». Filtrando la luz del día o creando juegos de sombras, los arquitectos transforman estructuras estáticas en entornos dinámicos que cambian a lo largo del día. El truco está en que la luz en arquitectura no es uniforme: su dirección, intensidad, color y contraste son importantes. La luz del sol que atraviesa una capilla en penumbra puede inspirar asombro, mientras que un suave resplandor en una biblioteca calma la mente. En términos sensoriales, la luz no sólo se ve, sino que también se siente: la luz brillante y de alto contraste puede dar energía o abrumar; la luz baja y cálida tiende a calmar. Para que el diseño tenga éxito, a menudo es necesario equilibrar estos extremos y proporcionar transiciones a las que los ojos se adapten (igual que nuestros oídos necesitan tiempo para adaptarse a una habitación silenciosa después de un ruido fuerte).
El Museo de Arte Kimbell de Kahn en Fort Worth (Texas), una clase magistral de orquestación de la luz, es famoso por su hermosa iluminación natural. Kahn quería que las galerías dieran la sensación de estar bañadas por una luz serena y «plateada», muy distinta del duro sol tejano del exterior. Lo consiguió con un ingenioso sistema de bóvedas de cañón cicloides con estrechas claraboyas ocultas por reflectores de aluminio en sus vértices. La luz del día entra y se refleja en estos reflectores curvos, extendiéndose uniformemente por las bóvedas de hormigón. El resultado es una iluminación etérea y fría, a menudo descrita como «lunar » o «nacarada», que confiere al arte una claridad uniforme. Al entrar desde el luminoso entorno exterior, los visitantes notan inmediatamente el cambio: la luz es más suave, casi apagada. Kahn ha realizado cuidadosamente la transición a este estado: al acercarse al museo, se pasa por un césped sombreado por árboles y un pórtico profundamente sombreado, acostumbrando gradualmente los ojos del sol cegador a la suave luz interior. Al entrar en las galerías, se aprecian sin dificultad las sutilezas de la luz sobre las obras de arte. Es la luz como herramienta narrativa: Kahn escenifica un ritual que va de la luz a la oscuridad y de la oscuridad a la luz, una secuencia de llegada que potencia el efecto del resplandor interior. «La dura luz del sol de Texas en el exterior se transforma de algún modo en un rayo frío y plateado que baña el hormigón, los cuadros y las personas «, escribe la crítica Wendy Lesser: «Todo parece como si perteneciera a este lugar». En el Kimbell, la luz está organizada para crear una atmósfera contemplativa; lo suficientemente brillante como para ver los detalles, pero lo suficientemente difusa como para sentir calma sin deslumbramientos. A medida que avanza el día, se producen cambios sutiles: el patrón cambiante de la luz en la bóveda muestra el movimiento del sol, añadiendo la sensación del paso del tiempo sin molestar en ningún momento al espectador. Kahn ha demostrado que el control de la luz natural puede transformar un espacio de meramente funcional a trascendente.
Figura: Luz diurna en el Museo de Arte Kimbell de Kahn (Fort Worth, 1972). Las claraboyas ocultas bañan las bóvedas cicloidales de hormigón con una luz uniforme y plateada. Obsérvese cómo las sombras son suaves y las paredes están suavemente iluminadas: el diseño de Kahn transforma el duro sol de Texas en un tranquilo resplandor «iluminado por la luna» que mejora la contemplación de las obras de arte.
En la arquitectura sagrada, los diseñadores suelen dramatizar la luz para evocar lo espiritual. La Iglesia de la Luz de Tadao Ando en Osaka (1989) es un ejemplo famoso en el que un único corte geométrico en la pared define completamente el espacio. La capilla de Ando es una caja de hormigón desnudo con una abertura cruciforme detrás del altar. A determinadas horas, la luz del sol se cuela a través de este corte cruciforme, proyectando una cruz resplandeciente de luz en el oscuro interior. El efecto es sorprendente: cuando los ojos se acostumbran a la penumbra, el brillo de la cruz parece casi tangible: la luz se convierte en el «material» de la cruz en lugar de la madera o el cristal. Ando mantiene deliberadamente la sencillez del espacio (paredes grises, bancos sencillos) para que la luz natural anime el espacio y nada compita con esta experiencia. A medida que el sol se mueve, cambia la intensidad y la posición de la cruz de luz, un recordatorio constante del paso del tiempo y, simbólicamente, de la presencia divina. «La luz es un importante factor de control en todas mis obras«, afirma Ando. «Creo espacios cerrados, la mayoría mediante gruesos muros de hormigón… [separándolos del entorno exterior] y la luz natural se utiliza para introducir cambios en el espacio». En la Iglesia de la Luz, esta filosofía emerge como un profundo juego de luz y oscuridad: cuanto más profunda es la sombra circundante, más sagrada e iluminadora se siente la luz. La secuencia emocional es inversa a la suave transición de Kimbell: aquí se entra directamente en la penumbra, y luego se asiste al «majestuoso» contraste cuando la luz atraviesa la «oscuridad más profunda», en palabras de Ando. El resultado es un espacio que fomenta la contemplación y el asombro con medios mínimos. Demuestra cómo la direccionalidad y el contraste en la iluminación (un foco brillante dentro de la oscuridad) pueden aumentar la sensación de dramatismo y significado.
La luz también puede ser lúdica y experimental. El artista contemporáneo Olafur Eliasson ha creado todo un corpus en torno a los efectos envolventes de la luz de colores, los reflejos y la niebla en el espacio. Su famosa instalación The Weather Project (2003, Tate Modern, Londres) transformó una enorme sala de turbinas en una brumosa puesta de sol en el interior: en un extremo se montó una enorme esfera brillante de luz de frecuencia única (que parecía un sol naranja) y el techo se cubrió de espejos. La combinación de luz dorada brumosa y reflejos hizo que los visitantes se tumbaran en el suelo como en una playa, disfrutando de un crepúsculo artificial.
Al cambiar la atmósfera de la nave industrial solo con la luz, Eliasson ha demostrado que las personas reaccionan instintivamente al color y la calidad de la luz. Del mismo modo, su obra Your Rainbow Panorama (2011) en Dinamarca es una pasarela circular de vidrio coloreado que permite a los visitantes caminar a través de un espectro de tonalidades y ver la ciudad bañada en rojo, naranja, verde y azul a medida que se desplazan. Estas obras ponen de relieve que la luz en la arquitectura no es una iluminación estática, sino una herramienta dinámica que moldea la percepción. Diferentes tonos pueden incluso cambiar nuestra percepción de la temperatura y el estado de ánimo (iluminación azul fría frente a ámbar cálida).
En la arquitectura cotidiana, los diseñadores aplican estas lecciones mezclando cuidadosamente la luz natural y la artificial. Una iluminación cenital brillante y uniforme puede aportar funcionalidad, pero el contraste y el acento dan vida a una estancia; de ahí que sea popular la luz intercalada a través de claraboyas, tragaluces o pantallas. La iluminación de transición también es fundamental: al pasar de un vestíbulo luminoso a un teatro en penumbra, un vestíbulo puede tener una iluminación intermedia suave para que los ojos se adapten. Incluso el simple hecho de colocar una ventana al final de un pasillo puede crear un punto focal de luz que atraiga intuitivamente a la gente hacia delante (una forma de orientación visual a través de la luminosidad). La iluminación en el diseño de locales comerciales y de hostelería suele ser estratificada: una combinación de iluminación ambiental para la visibilidad general, iluminación de trabajo para zonas específicas e iluminación de acento para crear ambiente o resaltar elementos. El objetivo es organizar la luz como una secuencia: quizá empezando por una entrada luminosa y enérgica y pasando a una iluminación más suave e íntima (como en muchos spas o restaurantes). Todas estas técnicas tratan la luz como el principal factor de la experiencia, no como algo secundario. Como dijo Louis Kahn, «la luz es la transmisora de todo ser «, revelando la forma y el espacio. Puede decirse que la sombra es igual de importante en la arquitectura sensorial, porque sin sombra o espacios oscuros, la luz no tiene voz. El equilibrio entre ambas crea entornos llenos de matices y resonancia emocional que nos atraen visual y visceralmente.
Viaje y secuencia: El espacio como narración
La arquitectura no consiste sólo en paredes y tejados estáticos, sino fundamentalmente en el movimiento en el espacio. Al recorrer un edificio o un paisaje, nuestros sentidos reciben una serie de impresiones, como las escenas de una historia. El diseño reflexivo utiliza la progresión espacial, los cambios de escala, la luz y el sonido para dar forma a un viaje que suscita emociones como el asombro, la sorpresa, la serenidad o incluso la sorpresa o la tensión. Este concepto de narración espacial se denomina a veces paseo arquitectónico (acuñado por Le Corbusier) o simplemente diseño de experiencias. Reconoce que lo que sentimos en un espacio depende a menudo de lo que ha ocurrido antes y de lo que ocurrirá en el futuro. Una entrada baja y oscura puede resultar más amplia y radiante que un patio soleado. Un pasillo estrecho y sinuoso puede aumentar la expectación antes de dar paso a un gran vestíbulo. Desde el punto de vista sensorial, los arquitectos coreografían las transiciones -de comprimido a abierto, de oscuro a claro, de ruidoso a silencioso- para crear ritmo y dramatismo en el recorrido del usuario.
El diseño de Daniel Libeskind para el Museo Judío de Berlín (inaugurado en 2001) es un buen ejemplo. Libeskind pretendía claramente que el propio edificio contara la historia de los judíos en Alemania, incluido el trauma del Holocausto, a través de la experiencia espacial y no de las palabras. Los visitantes descienden por un eje subterráneo donde tienen que elegir entre tres pasillos que se cruzan (Axis): uno conduce a callejones sin salida y a un ominoso vacío que representa el vacío dejado por el Holocausto; otro lleva a unas escaleras que conducen a un luminoso jardín del exilio; el tercero lleva a las principales exposiciones históricas. El recorrido es confuso y emotivo por diseño: los pasillos tienen una ligera pendiente, el suelo está inclinado y la luz es escasa. En un momento dado se entra en el Vacío del Holocausto, un largo silo de hormigón desnudo, sin calefacción, iluminado únicamente por una franja de luz diurna a 20 metros de altura y en un inquietante silencio. La arquitectura provoca sentimientos de pérdida, confusión y reflexión a través de medios puramente espaciales (paredes angulosas, altura opresiva, oscuridad, aire frío). Luego, al doblar una esquina, se entra en el Patio de Cristal, de repente lleno de luz y espacio abierto: una liberación catártica de la claustrofobia anterior. Libeskind escribió una serie de escenarios de contrastes sensoriales para evocar emociones esencialmente históricas: compresión y liberación, oscuridad y luz, confinamiento y liberación. Los visitantes suelen comentar que sólo con moverse por estos espacios «sienten la historia en ellos «. Es la arquitectura como narración: el edificio revela una historia a través de secuencias espaciales organizadas.
Por supuesto, no todos los viajes son tan oscuros. El High Line de Nueva York ofrece una narrativa más alegre. Construido sobre un antiguo ferrocarril elevado, este parque lineal de 1,5 millas lleva a los visitantes a un viaje urbano por encima de las calles. Al pasear, la propia ciudad se convierte en parte de la experiencia sensorial: se oyen los lejanos bocinazos y zumbidos del tráfico de abajo (silenciados por la elevación y el paisajismo), se siente la brisa dirigida a lo largo del corredor y se contemplan vistas cambiantes: en un momento se está rodeado de acero y enredaderas bajo un viejo almacén, y al siguiente se emerge a un amplio espacio abierto con vistas al río Hudson. Los diseñadores de la High Line (James Corner Field Operations con Diller Scofidio + Renfro) la trataron como una serie de espacios episódicos: hay terrazas soleadas con tumbonas de madera donde la gente se quita los zapatos y siente el calor de las tablas, senderos escultóricos que serpentean entre jardines de flores silvestres (llenos de aromas florales y zumbidos de insectos en verano) y arboledas de árboles sombríos que crean rincones de calma. Cada sección tiene su propio ambiente y microclima. Por ejemplo, «The Cut-Out» es una sección en la que la cubierta de hormigón se transforma en un anfiteatro con barandillas de cristal, que permite sentarse y contemplar la vida de la calle como en un teatro, y escuchar el paisaje sonoro de la ciudad enmarcado de una forma nueva. Más adelante, las plantas de temporada crean una variedad sensorial: hierbas que susurran con el viento otoñal, flores brillantes que llaman la atención en primavera. En esencia, High Line coreografía un viaje en el que el movimiento, el campo de visión y los sonidos ambientales fluyen y refluyen. Es muy distinto a caminar por una acera plana. Las suaves curvas y las secciones cambiantes despiertan la curiosidad («¿Qué hay a la vuelta de la siguiente curva?») y ofrecen tanto animados puntos de encuentro como rincones tranquilos. Y lo que es más importante, la experiencia cambia con el tiempo: tanto a lo largo del día (soledad matutina frente a ajetreo vespertino) como a lo largo de las estaciones. Los visitantes habituales suelen decir que cada paseo por el High Line es diferente, lo que demuestra que el diseño hace hincapié en la secuencia y el cambio, manteniendo la experiencia sensorial fresca y atractiva.
Los arquitectos utilizan varias técnicas a la hora de diseñar secuencias espaciales. Una de ellas es la compresión y expansión del espacio. Es un truco clásico: un vestíbulo con poca luz y techos bajos se abre de repente a un patio alto e iluminado por el sol; el contraste hace que el patio resulte aún más impresionante y liberador. Así lo hizo Frank Lloyd Wright en Taliesin West, donde, tras entrar por un estrecho pasadizo en forma de cueva, se emerge a un amplio paisaje desértico. Otra técnica son las vistas enmarcadas y las «revelaciones». Los arquitectos pueden crear sorpresa o concentración controlando lo que aparece a medida que uno se desplaza. Por ejemplo, puede haber una pequeña ventana al final de un largo pasillo que enmarque perfectamente un árbol o un trozo de cielo, atrayéndole hacia esta recompensa visual. Las esquinas pueden coreografiarse para que un elemento aparezca gradualmente al girarlas. Los jardines japoneses y los caminos tradicionales de las casas de té son expertos en esto: altos muros o vallas delimitan el paisaje hasta que, en un punto cuidadosamente elegido, aparece de repente un hermoso patio o una vista de montaña que aumenta su impacto. El ritmo y el tempo también son importantes: una serie de espacios puede alternar entre abiertos y cerrados, claros y oscuros, y dar sensación de tempo (igual que la música alterna pasajes fuertes y suaves). Así se evita que el viaje resulte monótono y se mantiene el interés de los sentidos. El uso de umbrales -escalones, puertas, portales- también nos prepara mentalmente para el cambio de ambiente al indicar al cerebro que una parte del espacio termina y otra empieza.
Los arquitectos también tienen en cuenta a su vez las señales multisensoriales. Las transiciones sonoras son una de ellas: Al pasar de un vestíbulo ruidoso a una biblioteca silenciosa, un buen diseño puede incluir un vestíbulo con superficies fonoabsorbentes o un sutil cambio de suelo (de piedra dura reverberante a moqueta blanda) para señalar físicamente y afectar al aquietamiento. El cambio de acústica al cruzar el umbral indica a tu cuerpo que baje la voz y a tu mente que se calme. Los cambios en el calor y el aire también pueden determinar la secuencia: imagina que pasas de un museo con aire acondicionado a un jardín de esculturas cálido y aromático; el calor y el olor te golpean y sabes que has entrado en un reino de experiencia diferente. Esto se ha utilizado intencionadamente en muchos baños y hammams tradicionales: pasar de la sala de vapor caliente a la piscina de inmersión fría es una secuencia física y sensorial que vigoriza al bañista.
Diseñar el viaje es reconocer que la arquitectura es un arte basado en el tiempo. No percibimos un edificio de golpe, sino que lo descubrimos. La «historia» que cuenta puede ser tan sutil como una serena progresión de los espacios públicos a los privados en una casa, o tan evidente como una serie de espacios conmemorativos que evocan acontecimientos históricos. Al tratar el espacio como una experiencia a lo largo del tiempo, los arquitectos se aseguran de que cada parte de un edificio contribuya a un arco emocional más amplio. Un recorrido espacial bien construido puede dar a un edificio una sensación de coherencia narrativa: un principio, un nudo y un desenlace que nuestros sentidos pueden seguir y nuestra memoria retener. Cuando más tarde recuerde el edificio, quizá no recuerde todos los detalles, pero sí lo que sintió al recorrerlo: la emoción del descubrimiento, el alivio de la llegada, los momentos en los que se detuvo para asimilarlo todo. Estas son las señales de un viaje multisensorial que resuena.
Paisajes sonoros: Diseño a través de la acústica
Aunque a menudo se dice que la arquitectura es «música congelada», también da forma literalmente a la música de nuestro entorno: el paisaje sonoro de un espacio. Cada edificio tiene una personalidad sonora: algunos espacios son tranquilos e íntimos, otros resonantes y majestuosos, y otros desgraciadamente cacofónicos. En arquitectura, el sonido no es un subproducto; puede diseñarse y ajustarse conscientemente a través de la forma y los materiales. En la arquitectura sensorial, la acústica se trata con el mismo cuidado que la luz o la textura, porque el sonido afecta profundamente al confort, el estado de ánimo y la funcionalidad. Un restaurante demasiado ruidoso estresa a los comensales; una sala de conciertos demasiado seca (sin reverberación) acaba con la música; una oficina diáfana sin amortiguación acústica hace que los trabajadores se distraigan y se cansen. Por el contrario, una biblioteca bien diseñada con una acústica suave puede parecer un santuario para la mente, y un mercado animado con un zumbido agradable puede llenar de energía a los visitantes. El sonido puede incluso definir el espacio social: Piense que una zona tranquila en un museo invita a la contemplación, mientras que un vestíbulo bullicioso fomenta la conversación.
Los materiales son las primeras herramientas que utilizamos para dar forma al sonido. Las superficies duras y reflectantes como el cristal, las baldosas o el hormigón tienden a amplificar el ruido y crear reverberación, mientras que las superficies blandas o irregulares (cortinas, alfombras, paneles de madera, baldosas acústicas) absorben o difunden el sonido, reduciendo la reverberación. Los techos altos y las cúpulas pueden crear una reverberación espectacular (como en una catedral, donde cada pisada y cada susurro se magnifican), mientras que las construcciones bajas y densas pueden amortiguar el sonido. Los arquitectos suelen hablar de coeficientes de reducción del ruido y tiempos de reverberación para medir lo «viva» o «muerta» que está la acústica de una sala. Pero más allá de las mediciones técnicas, depende del ambiente que se pretenda crear. Una biblioteca o una sala de meditación, por ejemplo, se benefician de una acústica «silenciosa «. La Biblioteca de la Academia Phillips Exeter(New Hampshire, 1971), de Louis Kahn, lo consigue gracias a una inteligente distribución y elección de materiales: El anillo exterior de la biblioteca está revestido de pilas de libros de madera empotradas (los propios libros son excelentes absorbentes del sonido), creando un amortiguador alrededor del atrio central. El atrio, aunque alto, está revestido de hormigón y detalles de madera que difuminan el sonido. Como resultado, incluso cuando está ocupado por un gran número de estudiantes, el espacio se siente envuelto en el silencio: se puede oír una pisada suave o el paso de una página, pero los sonidos no llegan muy lejos. Kahn concedía gran importancia al «silencio y la luz» en la arquitectura, y aquí también el diseño acústico contribuye tanto como la luz diurna a crear una atmósfera de calma estudiosa. Los visitantes suelen describir la Biblioteca de Exeter como una «brillantez silenciosa «: el esplendor del espacio viene acompañado de un manto de silencio que fomenta la concentración y la introspección. No es casualidad: es una arquitectura que sintoniza el sonido con su propósito.
Por otro lado, considere un lugar diseñado para la música: La Ópera de Sídney, en Australia. Sus emblemáticas carcasas en forma de vela albergan grandes salas de espectáculos diseñadas (y recientemente rediseñadas) para ofrecer una acústica rica. En una sala de conciertos, los diseñadores buscan una reverberación viva que realce la música orquestal -por lo general, unos 2 segundos de tiempo de reverberación- para que las notas se fundan entre sí y lleguen hasta las últimas filas. El diseño original de Utzon para la Sala de Conciertos de la Ópera incluía altos techos abovedados y paredes de madera curvadas para reflejar el sonido de manera uniforme. A lo largo de los años se han ido haciendo ajustes: se han añadido reflectores acústicos en forma de «nube» de fibra de vidrio suspendida y, más recientemente, se han instalado una serie de paneles en forma de pétalo y cortinas automáticas para afinar la sala. Esto permite ajustar la acústica: para una sinfonía, las cortinas se recogen y la sala reverbera ricamente; para rock amplificado, las cortinas se abren para absorber la reverberación y evitar el desenfoque. El diseño reconoce el sonido como un elemento arquitectónico dinámico. Cuando se terminó la renovación en 2022, los músicos expresaron su asombro porque «ahora se puede oír cada detalle hasta la última fila» y describieron la mejora del sonido como «un milagro». Aquí vemos soluciones de alta tecnología (reflectores de acero, máquinas ocultas) al servicio de un propósito sensorial: claridad sonora y versatilidad. Más allá de su dramatismo visual, la Ópera es un ejemplo en el que la arquitectura debe rendir acústicamente al máximo: el edificio es tanto un instrumento como un contenedor para el espectáculo.
Controlar el sonido en los entornos cotidianos es igual de importante para el confort. El auge de las oficinas diáfanas y los restaurantes con decoración industrial ha dado a muchos una lección de acústica. Ahora, los diseñadores hacen de los elementos que absorben el sonido parte integrante del diseño: paneles perforados de madera en el techo, tabiques de fieltro de aspecto escultórico, paredes verdes o plantas de interior (que absorben y difuminan el ruido) e incluso juegos de agua (el suave gorgoteo de una fuente puede enmascarar el desagradable ruido de fondo con un relajante sonido natural). Un buen ejemplo de amortiguación biofílica del sonido son las torres de apartamentos Bosco Verticale de Stefano Boeri. Estos rascacielos cubiertos de plantas no sólo reverdecen el horizonte, sino que también reducen notablemente el ruido urbano para sus habitantes. La espesa vegetación de los balcones actúa como barrera acústica, absorbiendo el ruido del tráfico y creando un ambiente interior más tranquilo. La investigación ha indicado que la fachada frondosa ayuda a reducir la contaminación acústica y refuerza cómo los elementos naturales pueden utilizarse para el confort acústico. Del mismo modo, el susurro de las hojas y el piar de los pájaros en Bosco Verticale y edificios similares reintroducen agradables sonidos naturales que proporcionan relajación en la ciudad. Esto demuestra que la configuración del paisaje sonoro no consiste sólo en bloquear los ruidos no deseados, sino también en añadir sonidos positivos. Por ejemplo, el sonido del agua se utiliza en muchas plazas públicas para enmascarar el tráfico: nuestros oídos tienden a preferir la aleatoriedad del agua al ruido de los motores. En los hospitales, el diseño acústico se utiliza para crear entornos más relajantes (eliminando las alarmas ruidosas, añadiendo techos fonoabsorbentes para reducir el ruido, etc.) porque las investigaciones demuestran que unas condiciones más silenciosas favorecen la curación y reducen el estrés.
También debemos prestar atención a cómo afecta la geometría espacial al sonido. Los techos curvos o las cúpulas pueden concentrar el sonido en puntos focales (como la galería de los susurros de la catedral de San Pablo de Londres, donde una palabra en voz baja pronunciada contra la pared de un lado puede oírse claramente a 30 metros en el otro lado debido a la geometría de la cúpula). Los pasillos largos y paralelos pueden crear ecos de vibración, mientras que las paredes irregulares y en ángulo (como en muchos auditorios o estudios modernos) dispersan el sonido para evitar esos efectos. A veces, los arquitectos «afinan» un espacio ajustando sus dimensiones para evitar las ondas estacionarias, de forma parecida a como los constructores afinan el cuerpo de una guitarra. El equivalente cotidiano: diseñar un salón para que no se oiga un molesto eco cuando está vacío, quizá añadiendo una librería en ese lugar que refleje el sonido.
Los paisajes sonoros influyen en la sensación de espacio público o privado, caótico o tranquilo, amplio o íntimo. El majestuoso eco de una catedral puede infundir una sensación de asombro y escala más allá de lo visual (se oye el volumen del espacio). El sonido cálido y amortiguado de un pequeño café con techos bajos y superficies blandas puede fomentar la intimidad, permitiendo inclinarse y charlar tranquilamente. En el diseño urbano, cada vez se reconocen más los beneficios para la salud mental de crear refugios acústicos -zonas tranquilas como patios o parques protegidos del ruido de la ciudad- que ofrezcan un descanso de la constante estimulación auditiva. Un buen diseño encuentra el equilibrio: un restaurante animado debe tener un ruido de fondo agradable (para que parezca animado y tengas algo de intimidad para hablar), pero no tanta reverberación como para que tengas que gritar. Una oficina necesita zonas de concentración tranquilas y otros espacios donde el bullicio de la colaboración no moleste a los demás. Al zonificar acústicamente los espacios (mediante tabiques, tratamientos del techo, etc.), los arquitectos crean un mapa sonoro compatible con las funciones del edificio.
Diseñar pensando en los oídos es el sello distintivo de la arquitectura sensorial. Transforma las habitaciones ociosas en espacios que suenan bien. En palabras de un arquitecto : «La arquitectura es una disciplina multisensorial, y la mejor manera de lograr la máxima calidad de vida en nuestros diseños es apelar a todos los sentidos… trabajando con la luz natural, el aire fresco[y] apoyando el movimiento físico «, a lo que añadimos el apoyo a nuestro confort auditivo. Un lugar con un sonido agradable al oído suele sentar bien, aunque no seamos conscientes de por qué. Al configurar los paisajes sonoros, los arquitectos crean un telón de fondo sonoro para la vida que puede tranquilizarnos, inspirarnos o llenarnos de energía, complementando la experiencia multisensorial.
Aire, olores y experiencias térmicas: Atmósferas invisibles
No todo el diseño sensorial es visible a los ojos: algunas de las experiencias espaciales más poderosas proceden de atmósferas invisibles de aire, olor y temperatura. A menudo entramos en una habitación y la sentimos congestionada o espaciosa, fría o acogedora, sin saber inmediatamente por qué. Los arquitectos e ingenieros que trabajan entre bastidores toman decisiones de diseño sobre la circulación del aire, la climatización e incluso el aroma que afectan profundamente a nuestra comodidad y percepción. En la arquitectura sensorial, estos sentidos ambientales son tan importantes como las superficies visibles.
El aire es la respiración de un edificio. El movimiento del aire -o la falta de él- afecta al confort, la salud y el estado de alerta. Un espacio bien ventilado con una suave brisa nos hace sentir vivos y agradables, mientras que una habitación estancada nos produce sueño o inquietud. El diseño para la ventilación natural (o refrigeración pasiva) ha recibido un renovado interés, no sólo por la sostenibilidad, sino también por la calidad sensorial del aire. Hay algo innegablemente agradable en una suave brisa cruzada que transporta el frescor del exterior, en contraposición al soplido artificial de una ventilación por aire acondicionado. Los arquitectos lo consiguen orientando las ventanas y aberturas hacia los vientos dominantes, atrayendo el aire a los espacios mediante patios abiertos, respiraderos altos o efectos chimenea. Por ejemplo, en la arquitectura tradicional árabe e india, los cortavientos y los patios se utilizan para canalizar las brisas refrescantes y expulsar el aire caliente, creando microclimas confortables antes de la climatización mecánica. El resultado sensorial de esto es que los ocupantes se sienten conectados con el entorno: notan los sutiles cambios del viento, el frescor tras la lluvia, el ritmo diario de la temperatura.
Un ejemplo contemporáneo es el Maggie’s Centre de Heatherwick Studio en Leeds(Yorkshire, Reino Unido, 2020), un centro de apoyo contra el cáncer diseñado haciendo hincapié en el aire fresco y la calma natural. El edificio consta de tres pabellones con grandes ventanas practicables y terrazas llenas de plantas. Su estructura es de madera y su revestimiento es poroso, lo que, junto con la cuidadosa colocación de las aberturas, permite que el edificio «respire» sin depender de sistemas mecánicos cerrados. De hecho, el diseño evita por completo el aire acondicionado convencional. «La ventilación natural evita el uso de sistemas mecánicos de aire acondicionado tras seleccionar la mejor orientación y disposición de ventanas y aberturas basándose en un estudio de las condiciones del emplazamiento y el clima «, reza una descripción. El resultado es un centro donde el aire interior se mantiene fresco y la humedad se regula de forma natural gracias a la madera y las plantas; los pacientes y el personal comentan a menudo lo refrescante y relajante que es el ambiente, como si estuvieras en un hogar íntimo y no en un centro clínico. Esto está relacionado con el concepto de biofilia: integrar elementos naturales (en este caso, el flujo de aire natural y la abundante vegetación) para reducir el estrés y fomentar el bienestar. Desde un punto de vista sensorial, respirar con facilidad en un espacio -literalmente- contribuye a una sensación general de seguridad y relajación. El Centro Maggie demuestra que la ingeniería ambiental invisible (calidad del aire, flujo de aire) es una parte fundamental del diseño centrado en el ser humano.
La sensación de calor o frío de un espacio está estrechamente relacionada con la experiencia térmica. La temperatura puede evocar emociones y significados que van más allá del mero confort. Un rincón cálido e iluminado por el sol puede resultar acogedor en un día de invierno, mientras que un suelo de piedra fresco bajo los pies descalzos proporciona relajación en una tarde de verano. Los diseñadores pueden crear zonas con temperaturas diferentes. Pensemos en las casas japonesas tradicionales: suelen tener un engawa (porche cubierto) calentado por la luz del sol -un lugar agradable para sentarse en los meses más fríos- y también habitaciones interiores con ventilación cruzada para los veranos húmedos. En su libro Thermal Pleasure in Architecture, Lisa Heschong ha llamado la atención sobre cómo los espacios arquitectónicos han celebrado históricamente las experiencias termales, desde las saunas finlandesas y los baños turcos hasta los baños onsen japoneses. Estos ejemplos ilustran formas culturalmente ricas de bañarse en calor o frío como un ritual compartido. Un hammam, por ejemplo, organiza una gama que va desde el vapor caliente (que enrojece la piel y abre los poros) hasta un enérgico lavado en frío, todo ello dentro de hermosas salas abovedadas. El diseño del baño -techos abovedados con aberturas estrelladas, losas de mármol calentadas desde abajo- potencia estas sensaciones térmicas y también introduce fragancias (normalmente aire vaporizado impregnado de olor a eucalipto o jabón) para crear una experiencia profundamente relajante, casi de otro mundo. En los edificios modernos, aunque rara vez se llega a tales extremos, existe un movimiento en favor de la «zonificación térmica «, con zonas de descanso ligeramente más cálidas, zonas de trabajo activo más frías, etc., para que la gente se oriente hacia lo que le resulte más cómodo. Incluso los restaurantes juegan a veces con esta idea, por ejemplo manteniendo la zona del bar un poco más fría (porque la gente suele estar de pie, quizá bailando), pero manteniendo los rincones del comedor un poco más calientes para estar cómodos cuando se está sentado. Lo importante es reconocer que una temperatura uniforme de 23 °C en todas partes no es lo más agradable; la variedad y el contexto son importantes para el confort térmico.
Pasemos ahora a una dimensión de los espacios que a menudo se pasa por alto: el olfato. El olfato es el sentido más directamente relacionado con la memoria y las emociones (efecto «magdalena de Proust»). Un olor fugaz puede transportarnos instantáneamente o afectar a nuestro estado de ánimo. » El recuerdo más fuerte de un lugar suele ser su olor«, escribió Pallasmaa; «No recuerdo el aspecto de la puerta de la granja de mi abuelo… pero recuerdo sobre todo el olor de la casa detrás de la puerta, como un muro invisible». Sin embargo, en la mayor parte de la arquitectura moderna, el objetivo es la neutralidad de los olores: limpiamos y ventilamos los edificios para eliminar los olores, creando lo que algunos críticos llaman el «cubo anósmico«, una estructura que parece una galería de arte «neutra», con paredes blancas, pero que huele. Sin embargo, un número creciente de diseñadores está reintroduciendo olores deliberados como parte de la experiencia espacial. Esto puede ser tan sutil como llevar un ligero aroma amaderado natural, como elegir madera aceitada con linaza para un salón, o utilizar plantas y flores que emitan olores estacionales. Algunos comercios, hoteles e incluso oficinas utilizan difusores de aromas para crear una atmósfera especial (práctica conocida como scent branding).
Al entrar en un hotel Westin, por ejemplo, se puede percibir un aroma especial a «té blanco» en el vestíbulo que pretende ser señal de limpieza y calma. Aunque la intención es comercial, demuestra cómo el aroma puede moldear nuestra impresión del espacio. Los arquitectos de espacios espirituales y culturales lo saben desde hace tiempo: en iglesias, templos y mezquitas, el incienso se utiliza para expresar sacralidad y estimular los sentidos de los fieles más allá de la vista y el oído.
En Kioto, Japón, se pueden visitar templos o casas de té tradicionales donde el kōdō(el arte del incienso) se aprecia como parte del ritual: el humo leñoso que se enrosca en haces de luz infunde el aire perfumado de tatami y despeja así la mente para la meditación. La arquitectura suele adaptarse a ello con pequeñas aberturas de ventilación o la forma en que se filtra la luz para hacer visible el humo. En el diseño de Oriente Medio, los patios llenos de flores de azahar o jazmín desprenden aromas al atardecer, uniendo la experiencia interior y exterior a través del olor.
Diseñar para el olor de una manera humana a menudo significa aprovechar las señales naturales: el olor de la tierra después de la lluvia (petricor) puede introducirse a través de patios o cadenas de lluvia que celebran los aguaceros; o el olor de la vegetación puede introducirse en un espacio mediante la integración de jardines, muros verdes o plantas en macetas. Un famoso ejemplo moderno es la Academia de las Ciencias de California en San Francisco (Renzo Piano, 2008), que cuenta con un tejado exuberantemente plantado y patios al aire libre, de modo que al pasear se puede oler la tierra húmeda y las flores silvestres autóctonas, una parte deliberada del entorno inmersivo del museo/acuario que conecta a los visitantes con la naturaleza. En espacios más utilitarios, garantizar que los materiales sean poco olorosos y proporcionar vías para que circule el aire fresco puede evitar el «olor a oficina» con el que muchos estamos familiarizados.
Un aspecto importante es la memoria olfativa asociativa: ciertos lugares se definen por un olor que refuerza su identidad. Pensemos en una biblioteca clásica: el olor de los libros viejos (compuestos orgánicos volátiles procedentes del envejecimiento del papel) forma parte integrante de esta imagen mental. O una cabaña de madera con olor a pino y humo de chimenea: parte de su encanto está literalmente en el aire. Los arquitectos no siempre pueden elegir un aroma, pero sí pueden elegir materiales que huelan bien (madera natural en lugar de plástico, cuero, etc.) y permitir actividades de los usuarios que desprendan olores positivos (como cocinar de verdad en una distribución de cocina abierta en lugar de ocultar una cocina, para que la casa se llene del aroma de la comida, un viejo símbolo del confort).
En el diseño sostenible, la ventilación pasiva y la climatización natural no sólo ahorran energía, sino que mejoran la calidad sensorial de un espacio. Un edificio que se puede abrir en un buen día difumina la frontera entre el interior y el exterior: se puede sentir una suave corriente de aire, oír el canto de los pájaros a través de la ventana, oler la hierba cortada en el exterior. Estas experiencias enriquecen la vida cotidiana. La arquitectura bioclimática recurre a menudo a métodos vernáculos: muros de gran masa térmica que mantienen constante la temperatura interior, verandas sombreadas para sentarse cómodamente en climas cálidos, patios de refrigeración por evaporación (como los que se ven en el Irán y la India tradicionales) donde el agua de una fuente enfría el aire y añade un agradable sonido de gorgoteo y humedad, toda una mejora sensorial. Un proyecto ejemplar es el Centro Eastgate de Zimbabue, un edificio de oficinas que sigue el modelo de la refrigeración pasiva de los termiteros: utiliza grandes conductos de ventilación y muros pesados para aspirar el aire fresco de la noche y evacuar el aire caliente, manteniendo el confort con una climatización mínima. Los que trabajan aquí destacan no sólo la comodidad, sino también la sensación natural del aire: no sopla aire acondicionado áspero, sino un entorno equilibrado que «respira» con el día.
El confort térmico también se cruza con el tacto: materiales fríos frente a materiales cálidos. Sentarse en un banco de piedra refresca literalmente, ya que extrae el calor del cuerpo; en cambio, un banco de madera resulta más neutro o cálido. Por eso las saunas están revestidas de madera (para poder sentarse sin quemarse), pero una fuente refrescante puede estar tallada en mármol. En diseño, conocer las propiedades térmicas de estos materiales permite crear, por ejemplo, una alcoba cálida y acogedora (quizá revestida de madera) y otra fría (revestida de piedra) para diferentes preferencias. En el mismo edificio, a algunos les gustará caminar sobre un suelo de terrazo fresco, mientras que a otros les gustará hundir los pies en una alfombra cálida… colocar ambos en los lugares adecuados puede resultar atractivo para todos y enriquecer la experiencia táctil y térmica del espacio.
En cuanto a las cualidades invisibles, no podemos olvidar la humedad y la frescura del aire. Los edificios que conservan cierta humedad (no demasiado secos) suelen ser más confortables; el aire demasiado seco (habitual en oficinas excesivamente refrigeradas) irrita nuestra nariz y nuestra piel. Utilizar plantas de interior, elementos con agua o no sellar demasiado el edificio puede ayudar a conseguir este equilibrio. Y, por supuesto, garantizar la calidad del aire -ausencia de humos tóxicos, filtración adecuada o intercambio natural- afecta literalmente a nuestra salud y funciones cognitivas. La arquitectura sensorial es compatible con el diseño del bienestar: el aire debe ser tan acogedor como lo visual.
En resumen, prestar atención al aire, el olor y la temperatura transforma un edificio de una caja sin vida en una atmósfera envolvente. Estos factores son a menudo los que hacen que un espacio sea realmente confortable o memorable, aunque sólo los reconozcamos inconscientemente. La mejor arquitectura, como dice Zumthor, puede «asimilar las huellas de la vida humana» y responder a ellas con sensibilidad, y esto incluye el aliento, el calor y el aroma de la vida. Cuando los arquitectos crean capas invisibles -la suave deriva del aire, el bouquet de los materiales y el entorno, el tacto térmico- crean espacios que respiran y abrazan todos los sentidos humanos.
Diseño para la experiencia humana completa
En su punto álgido, la arquitectura se dirige a la persona en su totalidad: cuerpo, mente y alma. Como hemos descubierto, diseñar teniendo en cuenta los sentidos conduce a entornos que no sólo se ven, sino que se sienten, se oyen y se recuerdan en todas sus dimensiones. Este enfoque multisensorial es más que una tendencia estilística; es un retorno a un diseño fundamental centrado en el ser humano que reconoce que percibimos el espacio con todo nuestro sistema nervioso. Para muchos, el futuro de la arquitectura se definirá menos por las formas visuales radicales y más por la calidad de la experiencia que ofrece un espacio: cómo promueve el bienestar, estimula las emociones y crea significado a través de todos los sentidos.
El diseño sensorial es también un camino hacia la inclusión y la «igualdad sensorial». Los espacios en los que intervienen varios sentidos suelen ser más accesibles para un mayor número de personas. Por ejemplo, una persona con baja visión puede orientarse mejor si un edificio tiene señales táctiles en el suelo y una respuesta acústica rica (como ocurre en las escuelas para ciegos con recorridos texturizados). Un autista que se sienta abrumado por ciertos estímulos puede sentirse cómodo en espacios diseñados con acústica controlada y transiciones de luz suaves. Los adultos mayores que pueden tener los sentidos disminuidos se benefician de un diseño ambiental que pueda leerse con múltiples sentidos a la vez: un contraste visual audaz, una acústica clara y olores distintivos pueden compensar la pérdida sensorial y activar la memoria. Diseñar para todas las edades y neurotipos significa tener en cuenta las necesidades sensoriales: quizá una biblioteca pueda incluir una sala de lectura con luz tenue y sonido reducido para los que necesitan calma, mientras que ofrece un salón soleado y aireado para los demás; una misma talla no sirve para todos, pero un espectro de entornos sensoriales sí. Como ha señalado un arquitecto, «el mundo necesita desesperadamente espacios espirituales y significativos que equilibren la creatividad intelectual con una afinidad humanística por lo material y táctil». En otras palabras, tras décadas de diseño a veces demasiado cerebral o puramente pragmático, anhelamos espacios con alma, y el alma surge de la interacción con nuestros sentidos y emociones humanas.
Diseñar espacios multisensoriales no es añadir complejidad porque sí, sino intencionalidad y autenticidad. Requiere que los arquitectos piensen como compositores o coreógrafos de atmósferas. Es el estado de ánimo general lo que resuena, como describe Peter Zumthor en su concepto de «atmósferas «: «Percibimos las atmósferas a través de nuestra sensibilidad emocional… en una fracción de segundo tenemos esta sensación sobre un lugar». Esta sensación surge porque todas las entradas sensoriales entran en sinergia simultáneamente. Un diseño acertado traduce estas entradas en una sensación coherente de paz, vitalidad, respeto o disfrute. Cuando todos los elementos -vista, sonido, tacto, aire- están en armonía, la atmósfera es palpable y poderosa. Como dice Zumthor, «se adhiere a la memoria y a las emociones «. Piense en los espacios que más aprecia: probablemente recuerde la luz que entra en su habitación favorita, el crujido de las tablas del suelo, el olor a verano que entra por la ventana. Nuestra arquitectura favorita prepara el escenario para los momentos de la vida precisamente porque estimula nuestros sentidos y proporciona un rico telón de fondo para nuestra memoria.
En la práctica, el movimiento hacia la arquitectura sensorial está influyendo en la educación y la práctica profesional. Se pide a los arquitectos que desarrollen «herramientas sensoriales «, es decir, listas de comprobación o directrices de diseño que permitan a los proyectos tener en cuenta todos los sentidos en cada fase (desde la planificación del emplazamiento, teniendo en cuenta el ruido y el viento, hasta la selección de materiales y el diseño de la iluminación). Algunas empresas con visión de futuro plasman literalmente las experiencias sensoriales en dibujos: diagramas sensoriales que muestran dónde deben estar los sonidos silenciosos e intensos, las zonas frías y calientes, las líneas de visión clave o los puntos de contacto. La Academia tiende un puente entre la neurociencia y la arquitectura investigando cómo responden los distintos tipos de cerebro (neurotípico, neurodegenerativo) a los estímulos ambientales. Este campo emergente de la neuroarquitectura utiliza conocimientos científicos para validar decisiones de diseño que se perciben intuitivamente como correctas: por ejemplo, confirmar que el acceso a los sonidos de la naturaleza reduce las hormonas del estrés o que determinados espectros de luz favorecen los ritmos circadianos y mejoran el sueño de los pacientes hospitalizados. Las marcas de diseño y las normas de construcción (como la certificación WELL) incluyen ahora explícitamente criterios sensoriales como el confort acústico, los elementos biofílicos (para la conexión visual y olfativa con la naturaleza) y el confort térmico y olfativo como medidas de la calidad de un edificio.
¿Qué significa todo esto para el arquitecto o el diseñador? Significa ampliar su paleta. Significa no limitarse a mirar los renders durante las revisiones de diseño, sino preguntarse: ¿Qué se sentirá al caminar por aquí? ¿Habrá un ligero sonido o eco? ¿Cómo olerá el material cuando lo caliente el sol? ¿Puede una persona con los ojos vendados apreciar este espacio a través del tacto y el oído? Al hacernos estas preguntas, alejamos los diseños de la estética bidimensional y los acercamos a la inmersión sensorial total. Esto no tiene por qué costar más; a menudo se trata de decisiones meditadas y a veces de moderación (por ejemplo, dejar que entre la brisa en lugar de cerrar una ventana). Incluso puede significar colaborar con otros (ingenieros acústicos, diseñadores de iluminación, arquitectos paisajistas (para aromas y texturas vegetales)) en una fase temprana del concepto, de modo que todos los aspectos sensoriales se desarrollen de forma holística.
El objetivo final es crear entornos que alimenten el espíritu humano. En una época de experiencias digitales y realidad virtual cada vez más omnipresentes, la realidad táctil y tangible de la arquitectura ofrece algo insustituible. Como observa el arquitecto Kengo Kuma, hubo un tiempo en que tratábamos la arquitectura como un espectáculo mediático visual, pero «la gente está volviendo a la vida real de los cinco sentidos. Se espera que los arquitectos diseñen para estos sentidos». En efecto, después de estar aislados tras pantallas, la gente desea espacios reales donde pueda oír el murmullo de la multitud, sentir el aire, oler los árboles, tocar los ladrillos rugosos. Es precisamente esta presencia encarnada el don de la arquitectura: como dice apasionadamente Daniel Libeskind , «no somos sólo mentes, somos cuerpos… estamos encarnados; es una experiencia visceral «, y nos recuerda que los edificios deben activar no sólo nuestras mentes, sino también nuestra carne y nuestra sangre.
Diseñar con los sentidos significa diseñar para la vida. Se trata de crear espacios que reflejen la riqueza del mundo natural y la diversidad de la percepción humana. Estos espacios suelen ser más memorables, más queridos y, a menudo, más sostenibles (porque ¿qué es sostenible sino un diseño que la gente valora y cuida a lo largo del tiempo?). Un enfoque de diseño multisensorial anima a la arquitectura a ralentizarse y adaptarse: el destello del sol de la tarde en una pared, el sonido de la lluvia en una claraboya, el aroma del jazmín cerca de una entrada, la piedra fría que invita a dar la mano… estos detalles pueden ser tan importantes como la gran forma. Al construir el futuro, no olvidemos que el entorno construido es, en última instancia, un escenario de experiencias humanas. Al involucrar todos los sentidos, enriquecemos esas experiencias y reconectamos la arquitectura con lo que significa estar plenamente vivo en un lugar. De este modo, creamos una arquitectura que no solo se ve bien, sino que se siente bien: una arquitectura de la experiencia humana plena, en la que el diseño y la vida se entrelazan a la perfección.
