L’architettura moderna sta vivendo una rinascita incentrata sull’uomo: l’accento è posto sull’architettura sensoriale che coinvolge tutti i sensi umani.
Tradizionalmente, la progettazione si è concentrata sull’impatto visivo. Gli edifici sono stati spesso pensati come oggetti fotogenici piuttosto che come esperienze vissute. Ma questo pregiudizio ha mostrato i suoi limiti: i ricercatori suggeriscono che trascurare i nostri sensi non visivi negli edifici può contribuire a problemi come lo stress da rumore, la sindrome da edificio malato e persino la depressione stagionale.
Dopo che la pandemia COVID-19 ha intrappolato le persone in casa, il desiderio di spazi incarnati e significativi è aumentato. Oggi sappiamo che l’architettura influisce profondamente sulla salute e sul benessere mentale, confortandoci o stimolandoci in modi che sentiamo e vediamo.
In sostanza, architettura sensoriale significa progettare per i cinque sensi (vista, suono, tatto, olfatto, gusto) e per quelli meno ovvi come la propriocezione e il comfort termico. Andando “oltre i confini tradizionali” di forma e funzione, crea ambienti che attirano gli occupanti dell’edificio in un ricco arazzo di stimoli. Questo approccio deve molto alle neuroscienze: il nostro cervello integra costantemente gli input sensoriali, quindi una progettazione attenta può regolare la luce, l’acustica, le texture e persino gli aromi per modellare la sensazione e il funzionamento di uno spazio.
Come osserva l’architetto StevenHoll, “sperimentiamo il nostro mondo e gli edifici attraverso tutti i nostri sensi e li associamo alla nostra intera immagine esistenziale”. In pratica, ciò significa prendere in considerazione il suono di uno spazio a mezzogiorno, la sensazione di un muro al tocco della mano, l’odore sottile quando si entra in un atrio o il modo in cui un pavimento guida i movimenti. Stanchi di spazi sterili e monodimensionali, gli utenti di oggi cercano progetti che rilassino, ispirino e risuonino a livello sensoriale.
Nelle sezioni seguenti esploreremo come l’architettura attiva ogni campo sensoriale attraverso i materiali, la luce, la sequenza spaziale, l’acustica e le atmosfere invisibili.
Tatto e struttura: La materialità come linguaggio emozionale
Il nostro senso del tatto è il modo più intimo con cui sperimentiamo gli edifici: attraverso i materiali che sfreghiamo e le consistenze sotto i nostri polpastrelli e piedi. In architettura, i materiali sono una forma di linguaggio che trasmette calore o freddezza, ruvidità o levigatezza, anche prima di toccarli fisicamente. Il carattere tattile di una superficie modella profondamente la nostra risposta emotiva: un pavimento di marmo lucido può sembrare formale e freddo, mentre le scale di legno usurate possono sembrare invitanti e familiari. La consistenza fornisce una “presenza sensoriale” che ci ancorano a uno spazio: il peso di un muro di pietra o le venature del legno attivano la nostra memoria e il senso del tempo. Come osserva Peter Zumthor, materiali come la pietra, il mattone e il legno permettono al nostro sguardo (e quindi alla nostra mente) di “penetrare le loro superfici” e di percepirne l’autenticità e l’età, mentre materiali moderni e lucidi come il vetro e il metallo spesso “non trasmettono nulla della loro essenza materiale o della loro età”. In altre parole, i materiali naturali con una ricca consistenza e patina raccontano una storia e invitano al tatto, mentre le superfici sintetiche uniformi possono sembrare distanti o sterili.
Inoltre, non è nemmeno necessario toccare fisicamente un materiale per immaginarne la consistenza: la percezione tattile può essere visiva. Un muro di pietra grezza appare ruvido e terroso, un indizio che il nostro cervello interpreta emotivamente. Gli psicologi sottolineano che anche la vista di un materiale falso (come un rivestimento in plastica “legno”) può innescare una risposta sensoriale delusa. L ‘autenticità e l’invecchiamento giocano quindi un ruolo importante: I materiali sottilmente usurati – il bracciolo in pelle lucida, la patina del rame, il bordo liscio di un tavolo in legno levigato dalle mani degli anni – infondono un senso di comfort e di storia. ” Credo che un buon edificio debba essere in grado di assorbire le tracce della vita umana “, scrive Zumthor, “penso alla patina dell’età sui materiali… ai bordi levigati dall’uso“. Queste tracce del tempo sono ricordi tattili e fanno sentire uno spazio vivo e prezioso.
I casi di studio mostrano come la materialità si trasformi in linguaggio emozionale. Il centro termale Therme Vals di Peter Zumthor in Svizzera è spesso associato alla tattilità della pietra: Zumthor ha impilato 60.000 lastre di quarzite locale per creare pareti che si possono letteralmente sentire con gli occhi. I nuotatori che attraversano i corridoi di pietre stratificate sentono la roccia dura e fredda contro l’acqua calda della piscina. Le diverse superfici sono deliberatamente mantenute a temperature diverse (pietra fredda, acqua calda) per aumentare la consapevolezza corporea. Questo design rende il caldo e il freddo un’esperienza tattile consapevole, come nelle saune tradizionali o nei bagni romani, ciò che Lisa Heschong chiama “piacere termico”. A Therme Vals, il tatto è al centro dell’ esperienza: passando la mano sulla pietra levigata, si percepisce sia la materia che il senso del tempo geologico, e si esce rilassati e radicati da questo contatto con la natura.
Figura: Pareti in pietra stratificata nelle Therme Vals di Peter Zumthor in Svizzera. La quarzite di Valser è lasciata grezza e stratificata, creando una ricca esperienza tattile tra superfici ruvide e lisce, calde e fredde. L’architettura stimola i sensi tattili e termici, mentre i visitatori “sentono” la geologia della montagna sulla loro pelle.
Un altro esempio è il Louisiana Museum of Modern Art in Danimarca, famoso per l’uso di superfici calde e naturali. I visitatori spesso osservano che, nonostante il Louisiana sia un grande museo, “ci si sente come a casa “. Gli architetti Jørgen Bo e Vilhelm Wohlert hanno ottenuto questo risultato grazie alla scelta dei materiali, che enfatizzano il calore tattile e il sottile invecchiamento. I pavimenti sono rivestiti con piastrelle di terracotta rosso scuro o con legno di Panga Panga, un legno dai colori intensi che ha lasciato milioni di impronte dal 1958. Il pavimento in legno non è solo una superficie; è un testimone silenzioso di decenni di visitatori, con piccoli graffi e una lucentezza che arricchisce l’ambiente. La sua tranquilla oscurità fa da contrappunto alle audaci opere d’arte esposte, mentre la sua durevolezza resiste al ritmo incessante della vita quotidiana del museo e porta con sé non solo impronte, ma “storie, ricordi e momenti di stupore”. I soffitti in legno in alto, di cui sono visibili le venature e gli infissi, conferiscono alle gallerie un calore tattile e un senso di contatto umano. Anche senza toccare questi elementi, i visitatori possono percepire la texture dei mattoni, il legno oliato, le “superfici calde e invecchiate” – dettagli che creano un senso di intimità e comfort. I materiali invitano a rallentare e a percepire lo spazio: si può far scorrere la mano su un binario di legno liscio o notare la differenza di temperatura quando si passa da un corridoio piastrellato riscaldato dal sole a una fresca alcova di mattoni. In sostanza, la tavolozza dei materiali della Louisiana parla al corpo.
Progettare tenendo conto del tatto può andare oltre i monumenti pubblici e influenzare uffici, case e spazi di ogni tipo. Gli architetti utilizzano sempre più spesso la suddivisione in zone tattili: ad esempio, utilizzando un pavimento ruvido e strutturato sulla soglia per segnare un passaggio, o un tappeto accogliente per incoraggiare la sosta in un angolo lettura. Anche il design inclusivo utilizza la texture: In una scuola per non vedenti in India, gli architetti hanno utilizzato diverse texture delle pareti (intonaco a coste e liscio) per aiutare gli studenti a orientarsi e navigare al tatto. Tutte queste strategie riconoscono che la materialità stimola le emozioni. Una panchina d’acciaio fredda può scoraggiare una seduta prolungata, mentre una panchina di legno invecchiato è invitante. Anche i tessuti giocano un ruolo importante: basti pensare alla differenza tra un sedile in vinile duro e un angolo imbottito e morbido. La texture influenzail nostro umore e il nostro comportamento in modo sottile: Un corrimano dolcemente arrotondato e levigato incoraggia le persone a passarci sopra le mani (rallentando inconsciamente il passo), mentre un corrimano metallico dagli spigoli vivi non invita a questa carezza. Gli architetti creano così un dialogo emotivo tra la persona e lo spazio regolando la temperatura della superficie, la consistenza e la resa (durezza o morbidezza). Nell’architettura sensoriale, ogni scelta di materiale, da un mattone di argilla che assorbe l’umidità a uno schermo metallico perforato per la luce, contribuisce alla sensazione di uno spazio e al suo rilassamento.
Luce e ombra: Orchestrazione della visione e dello stato d’animo
Se i materiali parlano alla nostra pelle, la luce parla ai nostri occhi e alla nostra anima. Gli architetti sono stati a lungo coreografi di luci e ombre, utilizzando l’illuminazione per plasmare l’atmosfera, focalizzare l’attenzione e persino raccontare una storia spaziale.
La luce naturale, in particolare, è considerata quasi sacra nella progettazione: Louis Kahn disse: “Finché il sole non colpisce il lato di un edificio, questo non sa mai quanto sia meraviglioso”. Filtrando la luce del giorno o creando giochi d’ombra, gli architetti trasformano strutture statiche in ambienti dinamici che cambiano nel corso della giornata. Il trucco è che la luce in architettura non è uniforme: la sua direzione, l’intensità, il colore e il contrasto sono importanti. La luce del sole che penetra in una cappella fioca può incutere timore, mentre una luce soffusa in una biblioteca calma la mente. In termini sensoriali, la luce è percepita oltre che vista: una luce brillante e ad alto contrasto può energizzare o sopraffare; una luce bassa e calda tende a calmare. Un progetto di successo spesso richiede di bilanciare questi estremi e di fornire transizioni a cui gli occhi si adattano (proprio come le nostre orecchie hanno bisogno di tempo per adattarsi a una stanza tranquilla dopo un forte rumore).
Il Kimbell Art Museum di Kahn a Fort Worth, in Texas, è rinomato per la sua splendida illuminazione naturale. Kahn voleva che le gallerie sembrassero immerse in una luce serena e “argentata”, molto diversa dal duro sole del Texas. Per ottenere questo risultato ha utilizzato un ingegnoso sistema di volte a botte cicloidi con stretti lucernari nascosti da riflettori in alluminio lungo i loro vertici. La luce del giorno entra e si riflette su questi riflettori curvi, diffondendosi uniformemente sulle volte in cemento. Il risultato è un’illuminazione eterea e fredda, spesso descritta come “lunare ” o “perlescente”, che conferisce all’arte una chiarezza uniforme. Entrando dall’ambiente luminoso esterno, i visitatori notano immediatamente il cambiamento: la luce è più morbida, quasi attenuata. Kahn ha preparato con cura la transizione verso questo stato: quando ci si avvicina al museo, si passa attraverso un prato ombreggiato da alberi e un portico profondamente ombreggiato, abituando gradualmente gli occhi dal sole accecante alla delicata luce interna. Quando si entra nelle gallerie, si possono apprezzare senza difficoltà le sottigliezze della luce sulle opere d’arte. Questa è la luce come strumento narrativo: Kahn sta essenzialmente mettendo in scena un rituale dalla luce al buio alla luce, una sequenza di arrivo che aumenta l’effetto del bagliore interno. “La dura luce del sole texano all’esterno si trasforma in qualche modo in un raggio fresco e argenteo che bagna il cemento, i dipinti e le persone “, scrive il critico Wendy Lesser: “Tutto sembra appartenere a questo luogo”. Al Kimbell, la luce è organizzata in modo da creare un’atmosfera contemplativa; sufficientemente luminosa per vedere i dettagli, ma abbastanza diffusa per sentirsi tranquilli senza abbagliare. Con l’avanzare del giorno, si verificano sottili cambiamenti: la luce che cambia nella volta mostra il movimento del sole, aggiungendo il senso del passaggio del tempo senza mai disturbare lo spettatore. Kahn ha dimostrato che il controllo della luce naturale può trasformare uno spazio da meramente funzionale a trascendente.
Figura: La luce del giorno nel Kimbell Art Museum di Kahn (Fort Worth, 1972). I lucernari nascosti immergono le volte in calcestruzzo cicloidale in una luce uniforme e argentea. Si noti come le ombre siano morbide e le pareti delicatamente illuminate: il progetto di Kahn trasforma il duro sole del Texas in una calma luce “lunare” che favorisce la visione dell’arte.
Nell’architettura sacra, i progettisti spesso drammatizzano la luce per evocare lo spirito. La Chiesa della Luce di Tadao Ando a Osaka (1989) ne è un famoso esempio, dove un singolo taglio geometrico nella parete definisce completamente lo spazio. La cappella di Ando è una scatola di cemento nuda con un’apertura cruciforme dietro l’altare. A certe ore, la luce del sole filtra attraverso questo taglio cruciforme, proiettando una croce di luce incandescente nell’interno buio. L’effetto è sorprendente: quando gli occhi si abituano alla penombra, la luminosità della croce sembra quasi tangibile – la luce diventa il “materiale” della croce invece del legno o del vetro. Ando mantiene deliberatamente uno spazio semplice (pareti grigie, semplici panchine) in modo che la luce naturale ravvivi lo spazio e nulla entri in competizione con questa esperienza. Quando il sole si muove, l’intensità e la posizione della croce luminosa cambiano, ricordando costantemente il passaggio del tempo e, simbolicamente, la presenza divina. “La luce è un importante fattore di controllo in tutte le mie opere“, afferma Ando. “Creo spazi chiusi, per lo più attraverso spessi muri di cemento… [distaccandoli dall’ambiente esterno] e la luce naturale viene utilizzata per apportare cambiamenti allo spazio”. Nella Chiesa della Luce questa filosofia emerge come un profondo gioco di luce e oscurità: più profonda è l’ombra circostante, più sacra e illuminante è la luce. La sequenza emotiva è invertita rispetto alla transizione graduale di Kimbell: qui si entra direttamente nell’oscurità, per poi assistere al “maestoso ” contrasto quando la luce taglia “l’oscurità più profonda”, come dice Ando. Il risultato è uno spazio che incoraggia la contemplazione e lo stupore con mezzi minimi. Dimostra come la direzionalità e il contrasto dell’illuminazione (un punto luminoso nell’oscurità) possano accrescere il senso di dramma e significato.
La luce può anche essere giocosa ed esperienziale. L’artista contemporaneo Olafur Eliasson ha costruito un intero corpus intorno agli effetti immersivi della luce colorata, dei riflessi e della nebbia nello spazio. La sua famosa installazione The Weather Project (2003, Tate Modern, Londra) ha trasformato una vasta sala di turbine in un nebuloso tramonto al coperto: un’enorme sfera incandescente di luce a singola frequenza (simile a un sole arancione) è stata montata a un’estremità e il soffitto è stato ricoperto di specchi. La combinazione di luce dorata e vaporosa e di riflessi induceva i visitatori a sdraiarsi sul pavimento come su una spiaggia, godendo di un crepuscolo artificiale.
Cambiando l’atmosfera del capannone industriale con la sola luce, Eliasson ha dimostrato che le persone reagiscono istintivamente al colore e alla qualità della luce. Allo stesso modo, la sua opera Your Rainbow Panorama (2011) in Danimarca è una passerella circolare di vetro colorato che permette ai visitatori di camminare attraverso uno spettro di tonalità e di vedere la città inondata di rosso, arancione, verde e blu mentre si muovono. Queste opere sottolineano che la luce in architettura non è un’illuminazione statica, ma uno strumento dinamico che modella la percezione. Le diverse tonalità possono persino cambiare la nostra percezione della temperatura e dell’umore (illuminazione fredda blu contro calda ambra).
Nell’architettura di tutti i giorni, i progettisti applicano questi insegnamenti mescolando con cura la luce naturale e quella artificiale. Un’illuminazione luminosa e uniforme può fornire funzionalità, ma il contrasto e l’accento danno vita a una stanza: per questo è molto diffusa la luce intervallata da lucernari, abbaini o schermi. Anche l’illuminazione di transizione è fondamentale: quando si passa da un atrio luminoso a un teatro poco luminoso, un foyer può avere un’illuminazione intermedia soffusa per consentire agli occhi di adattarsi. Anche il semplice fatto di collocare una finestra alla fine di un corridoio può creare un punto focale di luce che attira intuitivamente le persone in avanti (una forma di orientamento visivo attraverso la luminosità). L’illuminazione nella progettazione di negozi e strutture ricettive è spesso stratificata: una combinazione di illuminazione ambientale per la visibilità generale, illuminazione di servizio per aree specifiche e illuminazione d’accento per creare atmosfera o enfatizzare le caratteristiche. L’obiettivo è quello di organizzare la luce come una sequenza: magari partendo da una luce intensa ed energica all’ingresso e diventando più morbida e intima in profondità (come in molti centri benessere o ristoranti). Tutte queste tecniche trattano la luce come il principale artefice dell’esperienza, non come un elemento secondario. Come disse Louis Kahn, “la luce è il trasmettitore di tutto l’essere “, rivelando la forma e lo spazio. Si può dire che l’ombra è altrettanto importante nell’architettura sensoriale, perché senza ombra o spazi poco luminosi, la luce non ha voce. L’equilibrio tra i due elementi crea ambienti ricchi di sfumature e di risonanza emotiva che ci coinvolgono visivamente e visceralmente.
Viaggio e sequenza: Lo spazio come racconto
L’architettura non è solo muri e tetti statici, ma è fondamentalmente movimento nello spazio. Quando attraversiamo un edificio o un paesaggio, i nostri sensi ricevono una serie di impressioni, come le scene di una storia. Un design ponderato utilizza la progressione spaziale, i cambiamenti di scala, la luce e il suono per dare forma a un viaggio che suscita emozioni come la meraviglia, la sorpresa, la serenità, o anche la sorpresa o la tensione. Questo concetto di narrazione spaziale è talvolta chiamato promenade architecturale (coniato da Le Corbusier) o semplicemente experience design. Riconosce che la sensazione che proviamo in uno spazio dipende spesso da ciò che è accaduto prima e da ciò che accadrà in futuro. Un ingresso basso e buio può sembrare ancora più ampio e radioso in contrasto con un cortile pieno di sole. Un corridoio stretto e tortuoso può aumentare l’attesa prima di aprirsi in una grande sala. In termini sensoriali, gli architetti coreografano le transizioni degli input sensoriali – da compresso ad aperto, da buio a luce, da forte a silenzioso – per creare ritmo e drammaticità nel percorso dell’utente.
Il progetto di Daniel Libeskind per il Museo ebraico di Berlino (inaugurato nel 2001) ne è un potente esempio. Libeskind intendeva chiaramente che l’edificio stesso raccontasse la storia degli ebrei in Germania, compreso il trauma dell’Olocausto, attraverso l’esperienza spaziale piuttosto che con le parole. I visitatori scendono lungo un asse sotterraneo dove devono scegliere tra tre corridoi che si intersecano (Axis): uno conduce a vicoli senza uscita e a un vuoto inquietante che rappresenta il vuoto lasciato dall’Olocausto; un altro conduce a scale che portano a un luminoso giardino dell’esilio; il terzo conduce alle principali esposizioni storiche. Il percorso è confuso ed emozionale per scelta: i corridoi sono in leggera pendenza, il pavimento è inclinato e la luce è scarsa. A un certo punto si entra nel Vuoto dell’Olocausto: un lungo e spoglio silo di cemento, non riscaldato, illuminato solo da una striscia di luce diurna a 20 metri di altezza e inquietantemente silenzioso. L’architettura suscita sentimenti di perdita, confusione e riflessione attraverso puri mezzi spaziali (pareti angolate, altezza opprimente, buio, aria fredda). Poi, girando un angolo, si può emergere nel cortile di vetro, improvvisamente pieno di luce e spazio aperto – una liberazione catartica dalla claustrofobia precedente. Libeskind ha scritto una serie di scenari di contrasti sensoriali per evocare emozioni essenzialmente storiche: compressione e rilascio, buio e luce, confinamento e liberazione. I visitatori spesso osservano che solo muovendosi in questi spazi “sentono la storia in essi “. Questa è architettura come narrazione: l’edificio rivela una storia attraverso sequenze spaziali organizzate.
Naturalmente, non tutti i viaggi sono così cupi. La High Line di New York offre una serie di narrazioni più allegre. Costruito su un’ex ferrovia sopraelevata, questo parco lineare di 1,5 miglia conduce i visitatori in un viaggio urbano al di sopra delle strade. Mentre si passeggia, la città stessa diventa parte dell’esperienza sensoriale: si sentono i lontani clacson e ronzii del traffico sottostante (attutiti dall’elevazione e dal paesaggio), si sente la brezza diretta lungo il corridoio e si vedono panorami sempre diversi: un momento si è circondati da acciaio e viti sotto un vecchio magazzino, l’attimo dopo si emerge in un ampio spazio aperto con vista sul fiume Hudson. I progettisti della High Line (James Corner Field Operations con Diller Scofidio + Renfro) l’hanno trattata come una serie di spazi episodici: ci sono terrazze soleggiate con lettini in legno dove la gente si toglie le scarpe e sente il calore delle tavole, sentieri scultorei che si snodano tra giardini di fiori selvatici (che in estate si animano di profumi floreali e ronzio di insetti) e boschetti di alberi ombrosi che creano sacche di calma. Ogni sezione ha la sua atmosfera e il suo microclima. Per esempio, “The Cut-Out” è una sezione in cui il ponte di cemento è trasformato in un anfiteatro con parapetti di vetro, che permette di sedersi e guardare la vita di strada sottostante come in un teatro, e di ascoltare il paesaggio sonoro della città incorniciato in un modo nuovo. Più avanti, le piante stagionali creano una varietà sensoriale: erbe che frusciano al vento d’autunno, fiori luminosi che catturano l’attenzione in primavera. In sostanza, la High Line coreografa un viaggio in cui il movimento, il campo visivo e i suoni ambientali si alternano. È molto diverso dal camminare su un marciapiede cittadino. Le curve dolci e i tratti mutevoli suscitano curiosità (“Cosa c’è dietro la prossima curva?”) e offrono sia punti di incontro vivaci che angoli tranquilli. Ma soprattutto, l’esperienza cambia nel tempo: sia nel corso di una giornata (la solitudine mattutina contro il brusio serale) sia nel corso delle stagioni. I visitatori abituali dicono spesso che ogni passeggiata lungo la High Line è diversa dall’altra, a testimonianza del fatto che il progetto enfatizza le sequenze e i cambiamenti, mantenendo l’esperienza sensoriale fresca e coinvolgente.
Gli architetti utilizzano diverse tecniche per progettare sequenze spaziali. Una di queste è la compressione e l’espansione dello spazio. È un trucco classico: un atrio poco illuminato con soffitti bassi si apre improvvisamente in un cortile alto e illuminato dal sole – il contrasto fa sembrare il cortile ancora più imponente e liberatorio. Frank Lloyd Wright lo ha fatto a Taliesin West, dove, dopo essere entrati attraverso uno stretto passaggio simile a una grotta, si emerge in un ampio paesaggio desertico. Un’altra tecnica è quella delle viste incorniciate e delle “rivelazioni”. Gli architetti possono creare sorpresa o attenzione controllando ciò che appare mentre ci si muove. Per esempio, alla fine di un lungo corridoio può esserci una piccola finestra che incornicia perfettamente un albero o uno scorcio di cielo, attirando l’utente verso questa ricompensa visiva. Gli angoli possono essere coreografati in modo tale da far emergere gradualmente un elemento man mano che li si gira. I giardini giapponesi e i percorsi tradizionali delle case da tè sono abili in questo: alti muri o recinzioni delimitano il paesaggio fino a quando, in un punto scelto con cura, appare all’improvviso un bel cortile o una vista sulle montagne, aumentandone l’impatto. Anche il ritmo e il tempo sono importanti: una serie di spazi può alternare spazi aperti e chiusi, chiari e scuri, e dare un senso di tempo (proprio come la musica alterna passaggi forti e morbidi). In questo modo si evita che il viaggio risulti monotono e si mantengono i sensi impegnati. Anche l’uso di soglie – gradini, porte, portoni – ci prepara mentalmente al cambiamento di atmosfera, segnalando al cervello che una parte dello spazio finisce e ne inizia un’altra.
Gli architetti tengono a loro volta conto degli spunti multisensoriali. Le transizioni sonore sono una di queste: Quando si passa da un atrio rumoroso a una biblioteca silenziosa, un buon progetto potrebbe includere un vestibolo con superfici fonoassorbenti o un sottile cambiamento nella pavimentazione (da una pietra dura e riverberante a una morbida moquette) per segnalare e influenzare fisicamente il silenzio. Il cambiamento di acustica al momento di varcare la soglia indica al corpo di abbassare la voce e alla mente di calmarsi. Anche i cambiamenti di calore e di aria possono determinare la sequenza: immaginate di passare da un museo con l’aria condizionata a un giardino di sculture caldo e profumato; il calore e l’odore vi colpiscono e sapete di essere entrati in un altro regno di esperienza. Questo è stato usato intenzionalmente in molti bagni e hammam tradizionali: passare dal bagno turco caldo alla piscina fredda è una sequenza fisica e sensoriale che rinvigorisce il bagnante.
Progettare il viaggio significa riconoscere che l’architettura è un’arte basata sul tempo. Non percepiamo un edificio tutto in una volta, ma lo scopriamo. La “storia” che racconta può essere sottile come una serena progressione dagli spazi pubblici a quelli privati di una casa, o palese come una serie di spazi commemorativi che evocano eventi storici. Trattando lo spazio come esperienza nel tempo, gli architetti assicurano che ogni parte di un edificio contribuisca a un arco emotivo più ampio. Un percorso spaziale ben costruito può dare a un edificio un senso di coerenza narrativa: un inizio, una metà e una fine che i nostri sensi possono seguire e la nostra memoria può trattenere. Quando si rievoca l’edificio in un secondo momento, forse non si ricorderanno tutti i dettagli, ma si ricorderà come ci si è sentiti nel percorrerlo: il brivido della scoperta, il sollievo dell’arrivo, i momenti in cui ci si è fermati per cogliere tutto. Questi sono i segni di un viaggio multisensoriale che risuona.
Paesaggi sonori: Il design attraverso l’acustica
Sebbene l’architettura sia spesso definita “musica congelata”, essa dà letteralmente forma alla musica del nostro ambiente – il paesaggio sonoro di uno spazio. Ogni edificio ha una personalità acustica: alcuni spazi sono silenziosi e intimi, altri echeggianti e maestosi, altri ancora purtroppo cacofonici. Il suono in architettura non è un sottoprodotto, ma può essere progettato e regolato consapevolmente attraverso la forma e i materiali. Nell’architettura sensoriale, l’acustica viene trattata con la stessa attenzione della luce o della struttura, perché il suono influisce profondamente sul comfort, sull’umore e sulla funzionalità. Un ristorante troppo rumoroso stressa i commensali; una sala da concerto troppo asciutta (senza riverbero) uccide la musica; un ufficio open space senza cuscinetto acustico provoca distrazione e stanchezza nei lavoratori. Al contrario, una biblioteca ben progettata con un’acustica morbida può sembrare un santuario per la mente, mentre una vivace sala da mercato con un piacevole brusio può dare energia ai visitatori. Il suono può anche definire lo spazio sociale: Si pensi a come una zona tranquilla in un museo inviti alla contemplazione, mentre un atrio affollato incoraggi la conversazione.
I materiali sono i primi strumenti che utilizziamo per dare forma al suono. Le superfici dure e riflettenti come il vetro, le piastrelle o il cemento tendono ad amplificare il rumore e a creare riverbero, mentre le superfici morbide o irregolari (tende, tappeti, rivestimenti in legno, piastrelle acustiche) assorbono o diffondono il suono, riducendo il riverbero. Soffitti alti e cupole possono creare un riverbero drammatico (come in una cattedrale, dove ogni passo e sussurro viene amplificato), mentre costruzioni basse e dense possono smorzare il suono. Gli architetti parlano spesso in termini di NRC (Noise Reduction Coefficient) e di tempi di riverberazione, misurando essenzialmente quanto sia “viva” o “morta” l’acustica di una stanza. Ma al di là delle misure tecniche, dipende dall’atmosfera che si intende creare. Una biblioteca o una sala di meditazione, ad esempio, traggono vantaggio da un’acustica “tranquilla”. La Phillips Exeter Academy Librarydi Louis Kahn (New Hampshire, 1971) ottiene questo risultato grazie a una disposizione intelligente e a scelte di materiali: L’anello esterno della biblioteca è rivestito da scaffali di legno incassati (i libri stessi sono eccellenti assorbitori di suono), creando un cuscinetto intorno all’atrio centrale. L’atrio, sebbene alto, è rivestito di dettagli in cemento e legno che diffondono il suono. Di conseguenza, anche quando è occupato da un gran numero di studenti, lo spazio sembra avvolto nel silenzio: si può sentire un passo leggero o una pagina girata, ma i suoni non viaggiano lontano. Kahn dava grande importanza al “silenzio e alla luce” in architettura, e anche in questo caso il design acustico contribuisce, tanto quanto la luce del giorno, a creare un’atmosfera di calma studiosa. I visitatori spesso descrivono la Exeter Library come una “tranquilla brillantezza “: lo splendore dello spazio è accompagnato da una coltre di silenzio che incoraggia la concentrazione e l’introspezione. Non è una coincidenza: si tratta di un’architettura che sintonizza il suono sul suo scopo.
D’altra parte, si consideri un luogo progettato per la musica: L’Opera House di Sydney, in Australia. Le sue iconiche conchiglie a forma di vela ospitano grandi sale da concerto progettate (e recentemente riprogettate) per un’acustica ricca. In una sala da concerto, i progettisti cercano un riverbero vivace che esalti la musica orchestrale – di solito circa 2 secondi di tempo di riverbero – in modo che le note si fondano e arrivino fino alle ultime file. Il progetto originale di Utzon per la Sala Concerti del Teatro dell’Opera prevedeva alti soffitti a volta e pareti in legno curvate per riflettere il suono in modo uniforme. Nel corso degli anni sono stati apportati degli aggiustamenti: sono stati aggiunti dei riflettori acustici “a nuvola” in fibra di vetro sospesi e, più di recente, sono stati installati una serie di pannelli a forma di petali e tende automatiche per mettere a punto la sala. Queste permettono di regolare l’acustica: per una sinfonia, le tende si ritraggono e la sala si riverbera abbondantemente; per il rock amplificato, le tende si aprono per assorbire il riverbero e prevenire l’offuscamento. Il progetto riconosce il suono come elemento architettonico dinamico. Quando la ristrutturazione è stata completata nel 2022, i musicisti hanno espresso il loro stupore per il fatto che “ora si può sentire ogni dettaglio fino alle ultime file” e hanno descritto il miglioramento del suono come “un miracolo”. Qui vediamo soluzioni high-tech (riflettori in acciaio, macchine nascoste) al servizio di uno scopo sensoriale: la chiarezza sonora e la versatilità. Al di là della sua drammaticità visiva, il Teatro dell’Opera è un esempio in cui l’architettura deve dare il meglio di sé dal punto di vista acustico: l’edificio è tanto uno strumento quanto un contenitore di performance.
Il controllo del suono negli ambienti quotidiani è altrettanto importante per il comfort. L’aumento degli uffici open space e dei ristoranti dall’arredamento industriale ha insegnato a molti una lezione di acustica. Oggi i progettisti rendono gli elementi fonoassorbenti parte integrante del design: pannelli di legno perforati a soffitto, installazioni divisorie in feltro dall’aspetto scultoreo, pareti verdi o piante da interno (che possono assorbire e diffondere il rumore), persino giochi d’acqua (il dolce gorgoglio di una fontana può mascherare i rumori di fondo sgradevoli con un suono naturale e rilassante). Un ottimo esempio di tamponamento acustico biofilico è il Bosco Verticale di Stefano Boeri (le torri di appartamenti del “Bosco Verticale” di Milano). Questi grattacieli ricoperti di piante non solo rinverdiscono lo skyline, ma riducono sensibilmente il rumore urbano per gli abitanti dell’edificio. La fitta vegetazione sui balconi funge da barriera acustica, assorbendo il rumore del traffico e creando un ambiente interno più tranquillo. Le ricerche hanno indicato che la facciata frondosa contribuisce a ridurre l’inquinamento acustico e rafforza il modo in cui gli elementi naturali possono essere utilizzati per il comfort acustico. Allo stesso modo, il fruscio delle foglie e il cinguettio degli uccelli nel Bosco Verticale e in altri edifici simili reintroducono piacevoli suoni naturali che offrono relax in città. Ciò dimostra che per modellare il paesaggio sonoro non basta bloccare i rumori indesiderati, ma occorre anche aggiungere suoni positivi. Per esempio, in molte piazze pubbliche si usa il suono dell’acqua per mascherare il traffico: le nostre orecchie tendono a preferire la casualità dell’acqua al rumore dei motori. Negli ospedali, la progettazione acustica viene utilizzata per creare ambienti più rilassanti (eliminando gli allarmi ad alto volume, aggiungendo soffitti fonoassorbenti per ridurre il rumore, ecc.) perché la ricerca dimostra che condizioni più tranquille favoriscono la guarigione e riducono lo stress.
Mekânsal geometrinin sesi nasıl etkilediğine de dikkat etmeliyiz. Kavisli tavanlar veya kubbeler sesi odak noktalarında yoğunlaştırabilir (Londra’daki Aziz Paul Katedrali’ndeki fısıldayan galeri gibi, bir tarafta duvara karşı söylenen sessiz bir kelime kubbe geometrisi nedeniyle diğer tarafta 100 fit öteden net bir şekilde duyulabilir). Uzun, paralel koridorlar titreşim yankıları yaratabilirken, düzensiz, açılı duvarlar (birçok modern oditoryum veya stüdyoda olduğu gibi) bu tür etkilerden kaçınmak için sesi dağıtır. Mimarlar bazen sert duran dalgalardan kaçınmak için boyutları ayarlayarak bir alanı “ayarlar” – enstrüman yapımcılarının bir gitar gövdesini ayarlamasına benzemez. Bunun günlük hayattaki karşılığı: bir oturma odasını boşken rahatsız edici bir yankıya sahip olmayacak şekilde tasarlamak – belki de sesi yansıtan o noktaya bir kitaplık ekleyerek.
I paesaggi sonori influenzano la sensazione di uno spazio pubblico o privato, caotico o calmo, ampio o intimo. L’eco maestosa di una cattedrale può infondere un senso di soggezione e di scala al di là dell’aspetto visivo (si sente il volume dello spazio). Il suono caldo e ovattato di un piccolo caffè con soffitti bassi e superfici morbide può incoraggiare l’intimità, permettendo di appoggiarsi e chiacchierare tranquillamente. Nella progettazione urbana sono sempre più riconosciuti i benefici per la salute mentale derivanti dalla creazione di rifugi acustici – sacche tranquille come cortili o parchi al riparo dal rumore della città – che offrono una pausa dalla costante stimolazione uditiva. Un buon progetto trova il giusto equilibrio: un ristorante vivace dovrebbe avere un piacevole rumore di fondo (in modo che ci si senta vivaci e si abbia un po’ di privacy per parlare), ma non un riverbero tale da costringere a gridare. Un ufficio ha bisogno di aree di concentrazione tranquille e di altri spazi in cui il brusio collaborativo non disturbi gli altri. Zonizzando acusticamente gli spazi (attraverso partizioni, trattamenti del soffitto, ecc.), gli architetti creano una mappa sonora compatibile con le funzioni dell’edificio.
Progettare tenendo conto delle orecchie è il segno distintivo dell’architettura sensoriale. Trasforma le stanze inattive in spazi che suonano bene. Come ha detto un architetto, “l’architettura è una disciplina multisensoriale e il modo migliore per ottenere la massima qualità di vita nei nostri progetti è quello di fare appello a tutti i sensi… lavorando con la luce del giorno, l’aria fresca[e] sostenendo il movimento fisico ” – a cui aggiungiamo il sostegno al nostro comfort uditivo. Un luogo con un suono piacevole per l’udito spesso ci fa sentire bene, anche se non ci rendiamo conto del perché. Dando forma a paesaggi sonori, gli architetti creano uno sfondo sonoro per la vita che può rasserenarci, ispirarci o darci energia, completando l’esperienza multisensoriale.
L’aria, l’odore e l’esperienza termica: Atmosfere invisibili
Non tutto il design sensoriale è visibile all’occhio: alcune delle esperienze spaziali più potenti derivano dalle atmosfere invisibili di aria, odori e temperatura. Spesso entriamo in una stanza e ci sentiamo soffocanti o spaziosi, freddi o accoglienti, senza sapere immediatamente perché. Gli architetti e gli ingegneri dietro le quinte fanno scelte progettuali sul flusso d’aria, sul controllo del clima e persino sull’aroma che influenzano profondamente il nostro comfort e la nostra percezione. Nell’architettura sensoriale, questi sensi ambientali sono importanti quanto le superfici visibili.
L‘aria è il respiro di un edificio. Il movimento dell’aria – o la sua mancanza – influisce sul comfort, sulla salute e sulla vigilanza. Uno spazio ben ventilato con una leggera brezza ci fa sentire vivaci e piacevoli, mentre una stanza stagnante ci rende sonnolenti o irrequieti. La progettazione per la ventilazione naturale (o raffreddamento passivo) ha ricevuto un rinnovato interesse, non solo per la sostenibilità, ma anche per la qualità sensoriale dell ‘aria. C’è qualcosa di innegabilmente piacevole in una morbida brezza trasversale che trasporta la freschezza dell’aria esterna, in contrapposizione al soffio artificiale della ventilazione dell’aria condizionata. Gli architetti ottengono questo risultato orientando le finestre e le aperture verso i venti prevalenti, attirando l’aria negli spazi utilizzando cortili aperti, aperture alte o effetti camino. Ad esempio, nell’architettura tradizionale araba e indiana, i frangivento e i cortili sono utilizzati per incanalare le brezze rinfrescanti ed espellere l’aria calda, creando microclimi confortevoli prima della climatizzazione meccanica. Il risultato sensoriale è che gli occupanti si sentono in contatto con l’ambiente: si notano i sottili cambiamenti del vento, il fresco dopo la pioggia, il ritmo giornaliero della temperatura.
Un esempio contemporaneo è il Maggie’s Centre di Heatherwick Studio a Leeds(Yorkshire, Regno Unito, 2020), un centro di assistenza ai malati di cancro progettato ponendo l’accento sull’aria fresca e sulla calma naturale. L’edificio è costituito da tre forme a padiglione con grandi finestre apribili e terrazze piene di piante. La struttura è in legno e il rivestimento è poroso, il che, insieme all’attento posizionamento delle aperture, consente all’edificio di “respirare” senza dipendere da sistemi meccanici chiusi. In effetti, il progetto evita del tutto la climatizzazione convenzionale. “La ventilazione naturale evita l’uso di sistemi meccanici di condizionamento dell’aria dopo aver selezionato il miglior orientamento e la migliore disposizione delle finestre e delle aperture sulla base di uno studio delle condizioni del sito e del clima “, si legge nella descrizione. Il risultato è un centro in cui l’aria interna rimane fresca e l’umidità è regolata naturalmente dal legno e dalle piante: i pazienti e il personale spesso commentano quanto sia rinfrescante e rilassante l’atmosfera, come se ci si trovasse in una casa intima piuttosto che in una struttura clinica. Ciò è legato al concetto di biofilia: integrare gli elementi naturali (in questo caso, il flusso d’aria naturale e l’abbondanza di verde) per ridurre lo stress e promuovere il benessere. Da un punto di vista sensoriale, respirare facilmente in uno spazio – letteralmente – contribuisce a una sensazione generale di sicurezza e relax. Il Maggie’s Centre dimostra che l’ingegneria ambientale invisibile (qualità dell’aria, flusso d’aria) è una parte fondamentale della progettazione incentrata sull’uomo.
La sensazione di caldo o freddo di uno spazio è strettamente legata all ‘esperienza termica. La temperatura può evocare emozioni e significati che vanno oltre il semplice comfort. Un angolo caldo illuminato dal sole può essere accogliente e invitante in una giornata invernale, mentre un pavimento di pietra fresca sotto i piedi nudi offre relax in un pomeriggio estivo. I progettisti possono creare zone con temperature diverse per creare un effetto. Pensate alle case tradizionali giapponesi: spesso hanno un engawa (portico coperto) riscaldato dalla luce del sole – un luogo piacevole dove sedersi nei mesi più freddi – e hanno anche stanze interne ventilate per le estati umide. Nel suo libro Thermal Pleasure in Architecture, Lisa Heschong ha richiamato l’attenzione su come gli spazi architettonici abbiano storicamente celebrato le esperienze termali, dalle saune finlandesi e i bagni turchi ai bagni onsen giapponesi. Questi esempi illustrano modi culturalmente ricchi di fare il bagno nel caldo o nel freddo come un rituale condiviso. Un hammam, ad esempio, organizza una serie di lavaggi che vanno dal vapore caldo (che fa arrossare la pelle e aprire i pori) al freddo pungente, il tutto all’interno di splendide sale a volta. Il design del bagno – soffitti a cupola con aperture stellate, lastre di marmo riscaldate dal basso – esalta queste sensazioni termiche e introduce anche una fragranza (di solito l’aria del vapore infusa con il profumo di eucalipto o di sapone) per creare un’esperienza profondamente rilassante, quasi ultraterrena. Negli edifici moderni, anche se raramente puntiamo a questi estremi, c’è un movimento in direzione della “zonizzazione termica “, che prevede aree di riposo leggermente più calde, aree di lavoro attive più fredde, ecc. per consentire alle persone di gravitare verso ciò che è confortevole per loro. Anche i ristoranti a volte giocano con questo principio, magari mantenendo una zona bar un po’ più fredda (perché le persone sono spesso in piedi, magari a ballare), ma mantenendo gli angoli pranzo un po’ più caldi per garantire il comfort quando si è seduti. L’importante è riconoscere che una temperatura uniforme di 23°C ovunque non è l’approccio più gradevole; la varietà e il contesto sono importanti per il comfort termico.
Passiamo ora alla dimensione spesso trascurata degli spazi: l ‘olfatto. L’odore è il senso più direttamente collegato alla memoria e alle emozioni (effetto “madeleine di Proust”). Un odore fugace può trasportarci all’istante o influenzare il nostro umore. ” Il ricordo più forte di un luogo è spesso il suo odore“, ha scritto Pallasmaa; “non ricordo l’aspetto della porta della casa colonica di mio nonno… ma ricordo soprattutto l’odore della casa dietro la porta, che mi colpiva in faccia come un muro invisibile”. Eppure, nella maggior parte dell’architettura moderna, l’obiettivo è la neutralità degli odori: puliamo e ventiliamo gli edifici per eliminare gli odori, creando quello che alcuni critici chiamano il “cubo anosmico“, una struttura che assomiglia a una galleria d’arte “neutra” con pareti bianche ma che puzza. Tuttavia, un numero crescente di progettisti sta reintroducendo i profumi deliberati come parte dell’esperienza spaziale. Questo può essere tanto sottile quanto portare un leggero profumo naturale di legno, ad esempio scegliendo il legno oliato con semi di lino per una lounge, o utilizzando piante e fiori che emettono profumi stagionali. Alcuni negozi, hotel e persino uffici utilizzano diffusori di profumo per creare un’atmosfera speciale (una pratica nota come scent branding).
Quando si entra in un hotel Westin, ad esempio, si può notare uno speciale profumo di “tè bianco” nella hall, che ha lo scopo di segnalare pulizia e tranquillità. Sebbene l’intento sia commerciale, questo dimostra come il profumo possa plasmare la nostra impressione dello spazio. Gli architetti di spazi spirituali e culturali lo sanno da tempo: nelle chiese, nei templi e nelle moschee, l’incenso viene utilizzato per esprimere sacralità e stimolare i sensi dei fedeli al di là della vista e del suono.
A Kyoto, in Giappone, si possono visitare templi o case da tè tradizionali dove il kōdō(l’arte dell’incenso) è apprezzato come parte del rituale: il fumo legnoso che si accartoccia in fasci di luce infonde l’aria profumata di tatami e libera la mente per la meditazione. L’architettura spesso si adatta a questo aspetto con piccole aperture di ventilazione o con il modo in cui la luce filtra per rendere visibile il fumo. Nel design mediorientale, i cortili riempiti di fiori d’arancio o gelsomino emettono aromi la sera, unendo l’esperienza interna ed esterna attraverso il profumo.
Progettare per il profumo in modo umano significa spesso sfruttare spunti naturali: l’odore della terra dopo la pioggia (petrichor) può essere introdotto attraverso cortili o catene di pioggia che celebrano gli acquazzoni; oppure il profumo della vegetazione può essere portato in uno spazio integrando giardini, pareti verdi o piante in vaso. Un famoso esempio moderno è la California Academy of Sciences di San Francisco (Renzo Piano, 2008), che presenta un tetto lussureggiante di piante e cortili all’aperto, in modo che camminando si possa sentire l’odore del terreno umido e dei fiori selvatici autoctoni, una parte deliberata dell’ambiente immersivo del museo/acquario che collega i visitatori alla natura. Negli spazi più funzionali, assicurarsi che i materiali siano a basso odore e fornire percorsi per far circolare l’aria fresca può prevenire il tipo di “odore d’ufficio” che molti di noi conoscono.
Un aspetto importante è la memoria olfattiva associativa: alcuni luoghi sono definiti da un odore che ne rafforza l’identità. Pensate a una classica biblioteca: l’odore dei vecchi libri (composti organici volatili della carta invecchiata) è parte integrante di questa immagine mentale. Oppure una capanna di legno che porta con sé il profumo del pino e del fumo del camino: parte del suo fascino è letteralmente nell’aria. Gli architetti non possono sempre scegliere un profumo, ma possono scegliere materiali che abbiano un odore gradevole (legno naturale anziché plastica, pelle, ecc.) e consentire all’utente attività che esaltino gli odori (come cucinare davvero in una cucina aperta anziché nascondere una cucina – in modo che la casa si riempia dell’aroma del cibo, un antico simbolo di comfort).
Nella progettazione sostenibile, la ventilazione passiva e la climatizzazione naturale non solo fanno risparmiare energia, ma migliorano anche la qualità sensoriale di uno spazio. Un edificio che può essere aperto in una bella giornata sfuma il confine tra interno ed esterno: si può sentire una leggera corrente d’aria, il canto degli uccelli attraverso la finestra, l’odore dell’erba tagliata all’esterno. Queste esperienze arricchiscono la vita quotidiana. L’architettura bioclimatica ricorre spesso a metodi vernacolari: pareti ad alta massa termica che mantengono costante la temperatura interna, verande ombreggiate per sedersi comodamente nei climi caldi, cortili a raffreddamento evaporativo (come quelli tradizionali dell’Iran e dell’India) dove l’acqua di una fontana rinfresca l’aria e aggiunge un piacevole gorgoglio e l’umidità – un completo miglioramento sensoriale. Uno dei progetti esemplari è l’Eastgate Centre in Zimbabwe, un edificio per uffici modellato sul raffreddamento passivo dei termitai: utilizza grandi pozzi di ventilazione e pareti pesanti per aspirare l’aria fresca notturna ed evacuare quella calda, mantenendo il comfort con un minimo di HVAC. Chi lavora qui nota non solo il comfort, ma anche la sensazione di naturalezza dell’aria: niente aria condizionata, solo un ambiente equilibrato che “respira ” con il giorno.
Il comfort termico si interseca anche con il tatto: materiali freddi contro materiali caldi. Sedersi su una panchina di pietra vi rinfrescherà letteralmente perché sottrae calore al vostro corpo; al contrario, una panchina di legno ha una sensazione più neutra o calda. Per questo motivo le saune sono rivestite in legno (per potersi sedere senza scottarsi), mentre una fontana rinfrescante può essere scolpita nel marmo. Nella progettazione, conoscere le proprietà termiche di questi materiali permette di creare, ad esempio, un’alcova calda e accogliente (magari rivestita in legno) e un’alcova fredda (rivestita in pietra) per preferenze diverse. Nello stesso edificio, ad alcuni può piacere un pavimento in terrazzo fresco su cui camminare, ad altri un tappeto caldo in cui affondare i piedi: fornire entrambi in luoghi appropriati può piacere a tutti e arricchire l’esperienza tattile-termica dello spazio.
Per quanto riguarda le qualità invisibili, non possiamo dimenticare l’umidità e la freschezza dell’aria. Gli edifici che mantengono un certo grado di umidità (non troppo secchi) sono spesso più confortevoli; un’aria troppo secca (comune negli uffici eccessivamente raffreddati) irrita il nostro naso e la nostra pelle. L’uso di piante da interno, di giochi d’acqua o di non sigillare eccessivamente l’edificio può aiutare a raggiungere questo equilibrio. E naturalmente, garantire la qualità dell’aria – assenza di fumi tossici, filtrazione adeguata o ricambio naturale – influisce letteralmente sulla nostra salute e sulle nostre funzioni cognitive. L’architettura sensoriale va di pari passo con la progettazione del benessere: l’aria deve essere invitante quanto le immagini.
In poche parole, prestare attenzione all’aria, agli odori e alla temperatura trasforma un edificio da una scatola senza vita in un’atmosfera avvolgente. Spesso sono questi fattori a rendere uno spazio veramente confortevole o memorabile, anche se li riconosciamo solo a livello inconscio. La migliore architettura, come dice Zumthor, è in grado di “assimilare le tracce della vita umana” e di rispondere in modo sensibile ad esse – e questo include il respiro, il calore e il profumo della vita. Quando gli architetti creano strati invisibili – la morbida deriva dell’aria, il bouquet di materiali e ambienti, il tocco termico – creano spazi che respirano e abbracciano tutti i sensi umani.
Design per un’esperienza umana completa
Nel suo punto più alto, l’architettura si rivolge all ‘intera persona: corpo, mente e anima. Come abbiamo scoperto, progettare tenendo conto dei sensi porta ad ambienti che non sono solo visti , ma anche sentiti, ascoltati e ricordati in tutte le loro dimensioni. Questo approccio multisensoriale è più di una tendenza stilistica; è un ritorno a una progettazione fondamentalmente incentrata sull’uomo, che riconosce che percepiamo lo spazio con il nostro intero sistema nervoso. Per molti, il futuro dell’architettura sarà definito meno dalle forme visive radicali e più dalla qualità dell’esperienza che uno spazio offre: come promuove il benessere, stimola le emozioni e crea significato attraverso tutti i sensi.
La progettazione sensoriale è anche un percorso verso l’inclusività e l'”equità sensoriale”. Gli spazi che coinvolgono più sensi tendono a essere più accessibili a una gamma più ampia di persone. Per esempio, una persona ipovedente può orientarsi meglio se un edificio ha indicazioni tattili sul pavimento e un ricco feedback acustico (come nelle scuole per non vedenti con percorsi strutturati). Una persona autistica che può essere sopraffatta da alcuni stimoli può trovare conforto in spazi progettati con un’acustica controllata e transizioni di luce morbide. Gli anziani che possono avere i sensi ridotti traggono beneficio da una progettazione ambientale che può essere letta con più sensi contemporaneamente: un contrasto visivo deciso, un’acustica chiara e odori distintivi possono compensare la perdita sensoriale e stimolare la memoria. Progettare per tutte le età e per tutti i neurotipi significa prendere in considerazione le esigenze sensoriali: forse una biblioteca potrebbe includere una sala di lettura a luce soffusa e con un’acustica ridotta per coloro che hanno bisogno di calma, mentre offre una sala soleggiata e ariosa per gli altri – una taglia non va bene per tutti, ma uno spettro di ambienti sensoriali può farlo. Come ha osservato un architetto, “il mondo ha un disperato bisogno di spazi spirituali e significativi che bilancino la creatività intellettuale con un’affinità umanistica per il materiale e il tatto”. In altre parole, dopo decenni di progetti a volte troppo cerebrali o puramente pragmatici, desideriamo spazi con un ‘anima, e l’anima deriva dall’interazione con i nostri sensi e le nostre emozioni.
Progettare spazi multisensoriali non significa aggiungere complessità fine a se stessa, ma è una questione di intenzionalità e autenticità. Richiede agli architetti di pensare come compositori o coreografi di atmosfere. È lo stato d’animo generale che risuona, come descrive Peter Zumthor nel suo concetto di “atmosfere “: “Percepiamo le atmosfere attraverso la nostra sensibilità emotiva… in una frazione di secondo abbiamo questa sensazione su un luogo”. Questa sensazione nasce dalla sinergia di tutti gli input sensoriali. Un design di successo traduce questi input in una sensazione coerente di pace, vivacità, rispetto o piacere. Quando tutti gli elementi – vista, suono, tatto, aria – sono in armonia, l’atmosfera è palpabile e potente. Come dice Zumthor, “si attacca alla memoria e alle emozioni “. Pensate agli spazi che vi sono più cari: probabilmente ricordate la luce che entra nella vostra stanza preferita, lo scricchiolio delle assi del pavimento, il profumo dell’estate che entra dalla finestra. L’architettura che preferiamo fa da sfondo ai momenti della vita proprio perché stimola i nostri sensi e fornisce una ricca cornice alla nostra memoria.
In termini pratici, il movimento verso l’architettura sensoriale sta influenzando la formazione e la pratica professionale. Si chiede agli architetti di sviluppare “kit di strumenti sensoriali ” – liste di controllo o linee guida di progettazione che consentano ai progetti di affrontare in modo ponderato ogni senso in ogni fase (dalla pianificazione del sito – tenendo conto del rumore e dei venti – alla selezione dei materiali, alla progettazione dell’illuminazione). Alcuni studi lungimiranti stanno letteralmente mappando le esperienze sensoriali nei disegni: diagrammi sensoriali che mostrano dove dovrebbero trovarsi i suoni silenziosi e intensi, le zone calde e fredde, le linee visive chiave o i punti di contatto. L’Accademia collega le neuroscienze e l’architettura attraverso la ricerca su come i diversi tipi di cervello (neurotipico e neurodegenerativo) rispondono agli stimoli ambientali. Questo campo emergente della neuroarchitettura utilizza le conoscenze scientifiche per convalidare le decisioni progettuali che si sentono intuitivamente giuste, ad esempio confermando che l’accesso ai suoni della natura riduce gli ormoni dello stress o che determinati spettri di luce favoriscono i ritmi circadiani e un sonno migliore per i pazienti degli ospedali. I marchi di progettazione e gli standard edilizi (come la certificazione WELL) ora includono esplicitamente criteri sensoriali come il comfort acustico, gli elementi biofilici (per la connessione visiva e olfattiva con la natura), il comfort termico e olfattivo come misure della qualità di un edificio.
Tüm bunlar mimar veya tasarımcı için ne anlama geliyor? Kişinin paletini genişletmesi anlamına gelir. Tasarım incelemeleri sırasında sadece renderlara bakmak değil, şunu sormak demektir: Burada yürümek nasıl hissettirecek? Hafif bir ses veya yankı olacak mı? Güneş onu ısıttığında malzeme nasıl kokacak? Gözleri bağlı bir kişi dokunma ve duyma yoluyla bu mekanı yine de takdir edebilir mi? Bu soruları sorarak, tasarımları iki boyutlu estetikten tam duyusal daldırmaya doğru itiyoruz. Bu ille de daha non deve essere necessariamente costoso; spesso scelte ponderate e bazen de kısıtlamayla ilgili (örneğin bir pencereyi kapatmak yerine içeri esinti girmesine izin vermek). Hatta konsept aşamasının başlarında başkalarıyla (akustik mühendisleri, aydınlatma tasarımcıları, peyzaj mimarları (koku ve bitki dokuları için)) işbirliği yapmak anlamına da gelebilir, böylece tüm duyusal yönler bütünsel olarak gelişir.
L’obiettivo finale sono ambienti che nutrono lo spirito umano. In un’epoca di esperienze digitali sempre più pervasive e di realtà virtuale, la realtà tattile e tangibile dell’architettura offre qualcosa di insostituibile. Come osserva l’architetto Kengo Kuma, un tempo si trattava l’architettura come uno spettacolo mediatico visivo, ma “la gente sta tornando alla vita reale dei cinque sensi. Ci si aspetta che gli architetti progettino per questi sensi”. In effetti, dopo essere state isolate dietro a degli schermi, le persone desiderano spazi reali dove poter sentire il mormorio della folla, sentire l’aria, l’odore degli alberi, toccare i mattoni grezzi. È proprio questa presenza incarnata il dono dell’architettura: come dice appassionatamente Daniel Libeskind “non siamo solo menti, siamo corpi… siamo incarnati; è un’esperienza viscerale ” e ci ricorda che gli edifici dovrebbero attivare non solo le nostre menti ma anche la nostra carne e il nostro sangue.
Progettare con i sensi significa progettare per la vita. Si tratta di creare spazi che riflettono la ricchezza del mondo naturale e la diversità della percezione umana. Un approccio progettuale multisensoriale incoraggia l’architettura a rallentare e ad adattarsi: il luccichio del sole pomeridiano su un muro, il suono della pioggia su un lucernario, il profumo del gelsomino vicino a un ingresso, la pietra fresca che invita a una mano – questi dettagli possono essere importanti quanto la forma grandiosa. Mentre costruiamo il futuro, non dimentichiamo che l’ambiente costruito è in ultima analisi un palcoscenico per le esperienze umane. Coinvolgendo tutti i sensi, arricchiamo queste esperienze e ricolleghiamo l’architettura a ciò che significa essere pienamente, sensualmente vivi in un luogo. Così facendo, creiamo un’architettura non solo bella da vedere, ma anche bella da sentire: un’architettura che offre un’esperienza umana completa, in cui il design e la vita si intrecciano senza soluzione di continuità.
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