Abbildung: Barbican Site in London (fertiggestellt 1976), ein Ort, an dem die Architekten die schlichten Betonvolumina durch private Gärten und Wasserspiele auflockern – „eine weiche visuelle Folie für die Ernsthaftigkeit des Betons”.
In den letzten Jahren hat der rohe, schmucklose Beton des Brutalismus eine interessante emotionale Anziehungskraft gewonnen. Was einst als hart oder „unmenschlich” abgelehnt wurde, ist heute Gegenstand von Nostalgie und Bewunderung. Kritiker der 1960er Jahre verspotteten diese riesigen Formen, indem sie sie mit sowjetischen Bunkeranlagen oder Gefängnissen verglichen, doch heute sprechen sogar Zivilbehörden und Wissenschaftler von einer wiederauflebenden Begeisterung. Wie das Barbican in London zeigt, haben Designer „Béton brut” (Rohbeton) ursprünglich gerade wegen seiner Ehrlichkeit angenommen und ihn mit Grünflächen und Wasser ausgeglichen, um ihn menschlicher zu machen. Heute feiern soziale Medien und die Kulturindustrie den Brutalismus – „er ziert Teetücher und Tassen … und taucht häufig auf Instagram-Accounts und in Kaffeetischbüchern auf“. Jahrzehnte nach seiner Blütezeit erscheint die ungeschliffene Ästhetik des Brutalismus vielen Menschen authentisch und poetisch. Dieser Wandel spiegelt einen umfassenderen kulturellen Wandel wider: Der einst verschmähte Stil wird „immer mehr geschätzt“, auch wenn viele Gebäude vom Abriss bedroht sind. Kurz gesagt, die rohe Ehrlichkeit des Betons, die einst die Betrachter abschreckte, weckt nun kollektive Erinnerungen und Neugier.
Wie spiegelte der Brutalismus die utopischen gesellschaftlichen Träume der Mitte des 20. Jahrhunderts wider?
Abbildung: Das axonometrische Modell von Le Corbusiers Unité d’Habitation (Berliner Version) zeigt das Design einer „vertikalen Stadt” mit Dachgärten, Gemeinschaftseinrichtungen (Laufbahn, Schwimmbad, Kindergarten usw.) und integrierten Geschäften.
In der Mitte des Jahrhunderts war Brutalismus nicht nur eine Ästhetik, sondern auch ein Manifest des sozialen Idealismus. Architekten glaubten, dass monumentale Betonwohnungen die Gesellschaft neu aufbauen könnten. Anhand von Fallstudien können wir dies deutlich erkennen. Alison und Peter Smithson sind bekannt für ihre Robin Hood Gardens (London, 1972), die mit ihren erhöhten Gehwegen, den sogenannten „Straßen in den Wolken”, den Gemeinschaftsgeist viktorianischer Slums mit moderner Effizienz verbinden sollten. Die Smithsons vertraten die Ansicht, dass Gebäude „ihre Bewohner widerspiegeln” und „die Gemeinschaft fördern” sollten, mit anderen Worten, dass sie als Instrumente der Sozialreform dienen sollten. In ähnlicher Weise wurde Le Corbusiers Unité d’Habitation (Marseille, 1952) als „Stadt in der Stadt” konzipiert. Der Turm aus Stahlbeton beherbergte nicht nur Wohnungen, sondern auch Dachgärten, einen Kindergarten, eine Sporthalle, Geschäfte und sogar ein Hotel – allesamt optimiert, um ein egalitäres Leben zu fördern. Für Corbusier und seine Nachfolger waren solche gemeinschaftlichen Elemente die „realen Infrastrukturen der Utopie“: Sie verkörperten das Versprechen der Mitte des Jahrhunderts, dass Architektur allen Menschen „kollektiven Luxus“ und ein Leben in Würde ermöglichen könne.
Andere Ikonen des Brutalismus verkörperten ähnliche Ideale. Ernő Goldfingers Trellick Tower (London, 1972) verfügte über gemeinsame Waschküchen und Balkone, um die Nachbarn zur Interaktion anzuregen. Moshe Safdies Habitat 67 (Montreal, 1967) löste das Problem des hochverdichteten Wohnens durch miteinander verbundene Module aus vorgefertigten Betonkästen und helle Gemeinschaftsbereiche. Wie ein Kommentator feststellte, betrachteten Goldfinger und Safdie den Brutalismus nicht nur als Stil, sondern als ein „moralisches Projekt”, das darauf abzielte, erschwinglichen Wohnraum mit gemeinsamen öffentlichen Bereichen und Gartenterrassen zu schaffen. Auch das Yale Art and Architecture Building (Paul Rudolph, 1963) gab komplexen Gemeinschaftsstudios den Vorzug vor Luxus. Sie waren konkrete Denkmäler des Wohlfahrtsstaates der Nachkriegszeit und des Ethos der „Großen Gemeinschaft” und basierten auf dem Glauben, dass Design sozialen Fortschritt ermöglichen kann. Heute trauern viele um sie: Ihr Abriss (wie im Fall der Robin Hood Gardens) wird oft als Verlust eines utopischen Traums beschrieben, ironischerweise an Orten, an denen Architekten einst „kollektiven Nutzen” versprachen.
Warum nehmen wir brutalistische Gebäude heute anders wahr als in ihrem ursprünglichen Kontext?
Abbildung: Boston City Hall (1968) – Ein ikonisches Beispiel für brutalistische Zivilarchitektur in den USA, das aufgrund seiner „architektonischen, kulturellen und zivilen Bedeutung” nun offiziell als Wahrzeichen anerkannt ist.
Alter, Abnutzung und sich wandelnde Geschmäcker haben unsere Sichtweise auf den Brutalismus verändert. Die Zeit hat viele Betonfassaden sanft abgenutzt und frühere Vorurteile gemildert. Noch wichtiger ist, dass öffentliche Einrichtungen und Denkmalschützer begonnen haben, ehemals verachtete Gebäude zu schätzen. Das Boston City Hall, das einst wegen seiner Hässlichkeit verspottet und zum Verkauf vorgesehen war, wurde 2023 als denkmalgeschütztes Wahrzeichen ausgewiesen und als „Grundstein des architektonischen und zivilen Erbes unserer Stadt” gepriesen. In ähnlicher Weise wurde das Londoner Nationaltheater (1976) nur 18 Jahre nach seiner Fertigstellung in die Liste der Denkmäler der Klasse II aufgenommen, und der einst als Beweis für den sozialen Verfall abgelehnte Open-Air-Skatepark wird heute als „einer der größten öffentlichen Räume Londons” gefeiert.
Abbildung: London National Theatre (1976) – hohe, geometrische Betonvolumina (ursprünglich umstritten) werden heute gefeiert und sind als Denkmal der Klasse II geschützt.
Diese Veränderungen spiegeln Brunels Beobachtung wider: Einst „unversöhnliche“ Gebäude gewinnen mit zunehmendem Alter an Wert. Die ersten Kritiken bezeichneten die brutalistischen Blöcke als „unmenschlich”, „gefängnisähnlich” oder „schlicht”. Mit dem Verschwinden dieses harten Kontexts finden die Menschen jedoch seine Ehrlichkeit und Monumentalität spannend. Viele Kommentatoren weisen auf diese Kehrtwende hin: Wir erinnern uns oft daran, dass „die prächtigen viktorianischen Gebäude, die wir heute so lieben, zu ihrer Zeit als schrecklich angesehen wurden” und beklagen nun den Verlust der brutalistischen Juwelen. Es gibt viele Beispiele dafür – der einst verschmähte Trellick Tower ist heute ein beliebtes Wahrzeichen, und Teile der Robin Hood Gardens wurden vom V&A als kulturell bedeutend erworben. Im Grunde genommen hat sich die öffentliche Meinung gewandelt: Was einst als kalter Beton abgelehnt wurde, wird heute wegen seiner Originalität und skulpturalen Dramatik geschätzt.
Abbildung: Trellick Tower (1972) – Ernő Goldfingers Hochhaus wurde lange Zeit als „Auffälligkeit” verschmäht, genießt heute jedoch Kultstatus als architektonische Ikone.
Ist der Rückgang der Brutalität ein Spiegelbild unserer sich wandelnden materiellen und kulturellen Werte?
Abbildung: Robin Hood Gardens (London, 1972) von Alison und Peter Smithson vor dem Abriss – ein brutalistischer Komplex aus Betonfassaden und erhöhten Gehwegen. Schließlich wurde es abgerissen (2017) und durch traditionelle, glasbetonte Türme ersetzt, was den Wandel im architektonischen Geschmack unterstreicht. Der Niedergang des Brutalismus geht tatsächlich mit einem Wandel in der Materialmode einher. Ab den 1980er Jahren wandten sich Architekten leichten Stahl- und Glaskonstruktionen sowie hochtechnologischen Oberflächen zu, die Symbole des neoliberalen Optimismus und der Konsumkultur waren. Glänzende Türme und hochtechnologische Fassaden ersetzten graue Betonblöcke, die Transparenz und Eleganz widerspiegelten. Gleichzeitig wurden auch die praktischen Schwierigkeiten von Rohbeton deutlich. Wie ein Konservierungsexperte feststellte, hatten die meisten brutalistischen Gebäude mit Alterungsproblemen zu kämpfen: Betonplatten und Fertigteilplatten rissen aufgrund von Korrosion, und die ungedämmten Betonwände entsprachen nicht den modernen Energiestandards. Es hat sich gezeigt, dass die Instandhaltung dieser riesigen Bauwerke kostspielig ist: Ein berühmtes Beispiel dafür ist der Lawyertower der Boston University, bei dem etwa 100 der 700 Betonfertigteile aufgrund von Korrosion der Bewehrung Risse aufwiesen und statt einer Ausbesserung komplett ersetzt werden mussten. Kurz gesagt, die Eigentümer kommen oft zu dem Schluss, dass es billiger ist, den veralteten Brutalismus abzureißen, als ihn vollständig zu sanieren.
Diese Faktoren beschleunigten den Niedergang des Brutalismus. Kritiker stellten gegen Ende des 20. Jahrhunderts fest, dass dieser Stil „seinen Glanz verloren hatte“: Er wirkte zu schlicht und litt unter Vernachlässigung. Infolgedessen wurden viele Projekte abgerissen (ein Analyst stellte fest, dass viele von ihnen „das gleiche Schicksal wie Robin Hood Gardens ereilte“). Ironischerweise wurde Robin Hood Gardens, das mit grünen Terrassen für die Mieter entworfen worden war, durch eine noch dichtere, glasartige Bebauung ersetzt. Dieser Wandel unterstreicht unsere veränderten Werte: Früher schätzten wir den sozialen Idealismus von erhöhten Gehwegen und privaten Gärten, heute legen wir Wert auf globale Nachhaltigkeit und Flexibilität. Beton galt aufgrund seines hohen CO2-Fußabdrucks als ökologisch bedenklich. Doch nun entsteht eine neue ökologische Perspektive. Architekten entdecken den „Öko-Brutalismus“: Sie verwenden recycelten oder kohlenstoffarmen Beton, integrieren Vegetation und betten sogar Photovoltaikmodule in Betonelemente ein. Herzog & de Meurons „Solar Concrete Pavilion” beispielsweise zeigt, dass brutalistische Massivität mit Nachhaltigkeit vereinbar ist, indem Sonnenzellen in Betonblöcke eingebettet werden. Der Niedergang des Brutalismus war zum Teil auf technische und kulturelle Trends zurückzuführen – vom Aufkommen der Glasfassaden bis hin zu den Schwierigkeiten, rohen Beton zu konservieren –, auch wenn die neue Materialwissenschaft die Geschichte des Betons neu schreiben könnte.
Können die Grundprinzipien des Brutalismus für die Zukunft neu gestaltet werden?
Abbildung: Habitat 67, Montreal (1967) – Moshe Safdies ikonischer modularer Wohnkomplex im brutalistischen Stil. Das Zusammenspiel der Beton-„Bin-Box”-Volumen (links) steht im Kontrast zu zeitgenössischen Entwürfen (rechts), die brutalistische Ideen an neue Materialien und Formen anpassen.
Trotz der Ablehnung des Brutalismus leben seine Ideale weiter. Zeitgenössische Architekten finden Wege, die Ehrlichkeit und Monumentalität des Brutalismus in neuen Formen zum Ausdruck zu bringen. Führende Firmen wie Herzog & de Meuron und Tadao Ando verwenden weiterhin Rohbeton oder dessen Ethos, jedoch mit fortschrittlichen Methoden: So experimentieren sie beispielsweise mit kohlenstoffarmen Betonmischungen, recycelten Inhaltsstoffen und digital hergestellten Formen, um Nachhaltigkeitsziele zu erreichen. Ando selbst sieht Beton nicht als bedrückend, sondern als bescheidenes Material mit „unendlichen Möglichkeiten“ und verwendet oft glatte, skulpturale Betonflächen, um Ruhe und Solidität zu vermitteln (eine Sensibilität, die in Japan und anderswo in Mode gekommen ist). Gleichzeitig haben auch Innenarchitekten und Möbelhersteller die brutalistische Ästhetik auf menschlicher Ebene übernommen. „Neo-Brutalismus “ ist der neueste Trend für Innenräume und umfasst blockartige Beton- und Metallmöbel: Betontischplatten, steinähnliche Waschbecken und grob geschnittene Metallleuchten erinnern an die Geometrie und Texturen dieses Stils. Wie LuxDeco beobachtet hat, verwenden Designer „blockartige, monolithische Silhouetten” und patinierte Oberflächen, um moderne „skulpturale Objekte” zu schaffen, die auf das Prinzip der strukturellen Ehrlichkeit des Brutalismus verweisen.
Auch junge Architekten lassen sich von der Klarheit der Ziele des Brutalismus inspirieren. Viele von ihnen argumentieren, dass sich der Geist des Brutalismus – eine Architektur, die aus „Grundbausteinen” mit sozialer Zielsetzung besteht – an neue Kontexte anpassen lässt, und schlagen analog zu Betonwänden kühne, minimalistische Massen aus Holz oder verdichtetem Lehm vor. Beispielsweise umfassen spekulative Entwürfe für Gemeinschaftswohnungen oft gemeinsame Innenhöfe oder Dachgärten (eine Anspielung auf Unité und Robin Hood), werden jedoch aus nachhaltigen Materialien gebaut. In den Bereichen Möbel und Kunst kombinieren Kreative wie Kelly Wearstler und Amoia Studio brutalistische Texturen (raues Metall, behauener Stein) offen in luxuriösen Designstücken.
Was wir wirklich vermissen, sind vielleicht nicht die Betonformen des Brutalismus, sondern die Ambitionen, die dahinterstehen – der Glaube an die Kraft der Architektur, die Gesellschaft zu formen. Der Brutalismus entstand aus dem Glauben heraus, dass Design die Wohnungsnot bekämpfen, Gleichheit schaffen und die Gesellschaft ansprechen könne – ein Glaube, der heute nur noch selten anzutreffen ist. Während wir um den Brutalismus trauern, trauern wir vielleicht auch um eine Ära ideologischer Courage. Zeitgenössische Neuinterpretationen – seien es kohlenstofffreundliche Betontürme oder skulpturale Möbel – zeigen, dass Designer versuchen, diesen Mut in unterschiedlicher Form wiederzufinden. Das Erbe des Brutalismus lebt in jedem Design weiter, das den Mut hat, ehrlich, monumental und sozial orientiert zu sein – Eigenschaften, die heute vielleicht genauso wichtig sind wie in der Nachkriegswelt.
Weiterführende Literatur: Für tiefergehende Informationen über die Geschichte und Ideen des Brutalismus siehe Frédéric Migayrous The Brutalist Bible, Zupagrafikas Fotoband Brutal London und Sherban Cantacuzinos Bücher Concrete und Culture. Weitere Quellen sind Justin McGuirks Concrete Concept, Reyner Banhams The New Brutalism und Barnabas Calders Raw Concrete: The Beauty of Brutalism. Diese Bücher untersuchen die Theorie des Brutalismus, sein Erbe und seine fortdauernde Beziehung zur heutigen Architektur.
