ミュージシャンや俳優、アーティストの創造的なプロセスを活用することで、建築設計をより豊かなものにすることができる。 ミュージシャンの即興演奏は、建築家に初期設計段階をダイナミックなジャムとして扱うことを教えてくれる。自由にスケッチし、素早く反復し、予想外の展開を歓迎する。 あるデザイン理論家が言うように、即興とは「主に反復と失敗であり、新しく興味深い方法で組み合わせられる新しい小さなアイデアを構築すること」である。
ジャズ・ミュージシャンが音階を練習して準備するのと同じように。 ジャズミュージシャンが音階を練習して準備するのと同じである。
うまく運営されるシャレットでは、参加者はヒエラルキーを取り払い、「肩書きや立場に関係なく、誰もが貢献することが期待され、誰も優位に立つことはない」ようにする。 これは、各プレイヤーが耳を傾け、反応する音楽のアンサンブルを反映している。 このような共同ワークショップは、まさに即興的である： 一人の “ヒーロー “である建築家が形に口を出すのではなく、建築家、エンジニア、クライアント、そしてユーザーが一緒にアイデアを練る。 建築家は、曖昧さを受け入れ、デザイン要素で「遊ぶ」ことによって、新しいコンセプトを探求することができる。 例えば、ニューオーリンズの建物に見られる大胆な色彩、複雑なパターン、予想外のディテールは、この街のジャズの伝統にちなんだものだ。
- アイデアを繰り返し、「リフ」する： ミュージシャンがリフを開発するように、コンセプトの複数のバリエーションを描く。 物理的な模型や簡単なデジタルスケッチを使って、「もしも」のシナリオを探る。
- 共同作業による「ジャムセッション」： オープンシャレットやアイデアワークショップを開催する。 コミュニティのように、建築家と利害関係者（エンジニア、ランドスケープデザイナー、ユーザー）を混ぜ合わせ、すべての声が新しいアイデアを生み出すようにする。
- 不確実性を受け入れる： 完璧なプランがなくてもデザインを始める。 音楽は演奏することで学ぶが、デザインは実践することで学ぶ。 真っ白な画用紙を静かな舞台のように扱いましょう。デザインは「始まって」初めて歌い始めるのです。
空間における物語とキャラクター
俳優や劇作家は、テンポや緊張感、感情的なアークによって物語を創り上げる。 建物を舞台作品として考えてみよう。すべての入り口はオープニングアクトであり、すべての移動は場面転換であり、すべての目的地はクライマックスである。 演劇のドラマトゥルギーは、デザインに「見えない論理」を提供する。つまり、人々が空間を移動するときに、緊張がどのように高まり、解消されるかを計画するのだ。 例えば、大階段はクレッシェンドとして、窓やスポットライトは啓示として機能する。 実際、建築家は空間の物語を振り付けます： 移動がまるで旅のように感じられるように、部屋を順番に配置していくのだ。 ロビーをカーテン1（敷居の高さ）、中央ホールをカーテン2（パフォーマンススペース）、プライベートキャビンをカーテン3（プライバシー）とする。 このように、建築家は「脚本家や舞台監督のように」それぞれの空間が何を意味し、人々にどう感じさせるかを決める。
俳優がキャラクターを作るように、建築家も利用者に共感しなければならない。 ある建築家は「メソッド・アクティング」を採用し、精神的にさまざまな役（管理者、患者、訪問者、介護者）になりきって、そのデザインがすべての役に役立つかどうかを確認する。 このような共感志向のアプローチによって、空間的な物語が現実の人々と本当に共鳴するようになる。 美術館やギャラリーの展示デザイナーは、すでにこのような考え方を取り入れている。来館者は、受動的に展示を見るのではなく、振付のダンサーのように「能動的に展示の中を移動する」のだ。 彼らは、鑑賞者がある「場面」から別の「場面」へとどのように流れていくかを予想しながら、テーマ別の「幕」として展覧会を構成する。 それぞれの場合において、デザイナーは、物語の盛り上がりとカタルシスを計画するように、回遊性、照明、休止の瞬間を計画する。
習得、反復、そして永遠性
クラシックの音楽家は、音階を研究し、テクニックを磨き、フレーズひとつひとつを磨き上げるなど、反復による規律と熟練を重視する。 これと同じように、建築家も細部を丹念に磨き上げることで、エレガンスと永遠性を実現する。 巨匠カルロ・スカルパはその典型例だ： スカルパは、複数のスケールでパターン（レンガのコース、モールディング、窓の継ぎ目）を執拗に繰り返し、それぞれをモチーフとして建物を高めた。 ある学者が観察したように、スカルパの作品は「隅から隅までマスター」しており、ドアの桟、階段の手すり、段差の変化まで丁寧に表現され、「それぞれの “部屋 “に深みと活力」を与えている。 これは、ヴァイオリニストが難しいトリルを練習したり、ピアニストがパッセージをはっきり弾けるようになるまで磨くのと同じことだ。
- 反復練習でディテールをマスターする デザインのモチーフ（窓の模様、手すりの輪郭、タイルの目地など）を特定し、それを広範囲に展開する。 このようなディテールの繰り返しは、音楽のテーマのように、一貫したリズムを生み出す。 スカルパは、同じ関節のディテールを異なるスケールで繰り返し、構造的・視覚的なリフレインに変えている。
- 抑制と多様性のバランス：クラシック音楽では、抑制（形、調和、比率）が美の基本であると教えている。 建築家もプロポーションとシンメトリー（音楽のハーモニーと呼応する）を用いることで、同様の効果を得ている。 例えば、古典的なレイアウトやモジュラー・グリッドは、音楽の音階のように機能する。 レンガや列柱は音楽の音律に例えられる： 規則正しく、習熟し、共鳴する。
- 職人技を取り入れる： 巧みな音楽演奏は時代を超えた芸術性を感じさせる。 スカルパの作品のように、伝統的な技法（手彫りの木材、研ぎ澄まされた石）と現代的な形式を組み合わせることで、建物はより深い歴史とつながる。 素材と施工に対するこの規律正しいこだわりが、建物に静かな強さとエレガンスを与え、しばしば「時代を超越した」感じを与える。
絵画的な構図と雰囲気
画家は、図と地の構図、色彩の調和、抽象化を通して空間を形作る。建築家は、空間の雰囲気を豊かにするために、こうした考え方を借りることができる。 例えば、絵画における図と地という考え方は、どの形が目立ち、どの形が後退するかを決めるものだが、建築においては、立体的なものと空虚なもの、前景のファサードと背景の中庭のバランスとして反映される。 建築家は、画家が形を重ねるのと同じように、意識的にボリュームを重ねることができ、ある形が常に焦点となる形として「読まれ」、他の形が背景として機能するようにする。 構図に対するこのような感性が、建物や街区に奥行きと視覚的な面白さを生み出すのだ。
多くの建築家（ル・コルビュジエなど）は、画家のように色を理解していた。 ル・コルビュジエは、ムードを喚起し、フォルムを強調するために、「建設的」な色（アースカラー）と「動的」な色（ビビッドな原色）の構成的なパレットを開発した。 ル・コルビュジエは、チャンディーガルやマルセイユの邸宅で、ニュートラルなコンクリートに鮮やかな色彩をアクセントとして配し、空間に活力を与えるフォーカルポイントを作り出した。 温かみのあるオークルは落ち着きを、豊かなブルーは集中力を、対照的な赤や黄色は門や柱をドラマチックに演出する。
同様に、絵画の抽象化も建築の形に直接インスピレーションを与えてきた。 ピエト・モンドリアンの原色のグリッドを思い浮かべてほしい： ゲリット・リートフェルトは、シュローダー・ハウスでモンドリアンのキャンバスを文字通り壁や平面に変えた。 テオ・ファン・ドエスブルクは、ダンスホールの内部を「居住可能な絵画」として扱い、壁と天井を斜めの格子と色のブロックで包んだ。
ミース・ファン・デル・ローエのバルセロナ・パビリオンでさえ、浮遊する大理石の平面とガラスの壁は、モンドリアンの構図の立体的な反響として見ることができる。 これらの例は、幾何学的なバランスと色彩の調和を重視する抽象画家が、建築の構成を導くことができることを示している。平面的なフォルムで遊び、オープンスペースを「負の空間」として機能させ、視覚的な句読点として色彩のアクセントを用いる。
一時的なパフォーマンスと柔軟なプランニング
最後に、パフォーマンス・アートやサイトスペシフィックなインスタレーションは、プランナーに硬直したマスタープランを緩和することを教えてくれる。 空間を恒久的にゾーニングする代わりに、都市は一時的な介入を許可することで、用途を活性化し、テストすることができる。 例えば、コンチェントリコ・フェスティバル（スペイン、ログローニョ）では、毎年、街の通りや広場を仮設の建造物に開放している。ある年は噴水の上にポップアッププールが設置され、またある年はロータリーに共同浴場が設置された。 これらのアクションは単なる見世物ではなく、伝統的な都市の優先順位に疑問を投げかけ、インフラを「管理からケアへ」転換する方法を問う「政治的声明」である。 ポップアップ広場、ストリート・シアター、コミュニティ・ディナー。
同様に、参加型アートや時間ベースのアートは、生きたプロセスとしての公共空間を強調する。 アーティストたちはしばしば公式の計画にとらわれず、シンプルなジェスチャー（ペイントされた横断歩道、布製の通路、フラッシュモブ）を使って主張を証明する。 こうした行為は「都市を摩擦と想像の空間として扱い」、空間は固定されたものではなく、再解釈が可能であることを示している。 都市計画者は、柔軟性を取り入れることで、ここから学ぶことができる： 戦術的アーバニズム」プロジェクトを許可したり、臨時の駐車スペースやマーケットを認めたり、短期的なパイロット事業にコミュニティを参加させたりするのだ。 プランナーは、ゾーニングを不変のものとみなす代わりに、通りや空き地を、隠れたニーズを明らかにするデザインの「パフォーマンス」に開かれた公共の舞台として扱うことができる。 つまり、パフォーマンス・アートは、建築家やプランナーに一時的なものを受け入れるよう促すのである。
このように、アートとの相互受粉は、建築家をリズム、ストーリー、感性を備えたデザインへと誘う。 ジャズ・アンサンブルのような即興演奏、演劇の舞台のような空間演出、名手ミュージシャンのような洗練、画家のような作曲、空間感度の高いアーティストのようなプランニングを学ぶことで、建築家はより生き生きとした、人間的で共鳴的な建物や都市を創造することができる。