Die moderne Architektur erfährt eine Wiederbelebung des Menschen: Der Schwerpunkt liegt auf einer sinnlichen Architektur, die alle menschlichen Sinne anspricht.
Traditionell hat sich das Design auf die visuelle Wirkung konzentriert. Gebäude wurden oft als fotogene Objekte betrachtet und nicht als lebendige Erfahrungen. Doch dieses Vorurteil hat seine Grenzen aufgezeigt: Forscher vermuten, dass die Vernachlässigung unserer nicht visuellen Sinne in Gebäuden zu Problemen wie Lärmstress, Sick-Building-Syndrom und sogar saisonalen Depressionen beitragen kann.
Nachdem die COVID-19-Pandemie die Menschen in ihren Häusern eingeschlossen hat, ist die Sehnsucht nach sinnvollen Räumen nur noch größer geworden. Wir wissen heute, dass die Architektur einen großen Einfluss auf die psychische Gesundheit und das Wohlbefinden hat, indem sie uns auf eine Weise tröstet oder anregt, die wir nicht nur sehen, sondern auch fühlen.
Im Wesentlichen bedeutet sensorische Architektur, dass die fünf Sinne (Sehen, Hören, Fühlen, Riechen, Schmecken) sowie die weniger offensichtlichen Sinne wie Propriozeption und Wärmekomfort angesprochen werden. Indem sie über die traditionellen Grenzen von Form und Funktion hinausgeht, schafft sie Umgebungen , die die Nutzer des Gebäudes in ein reiches Geflecht von Reizen einbeziehen. Dieser Ansatz verdankt sich zu einem großen Teil den Neurowissenschaften: Unser Gehirn integriert ständig Sinneseindrücke, so dass ein durchdachtes Design Licht, Akustik, Texturen und sogar Aromen regulieren kann, um zu bestimmen, wie sich ein Raum anfühlt und funktioniert.
Wie der Architekt StevenHoll feststellt, „erleben wir unsere Welt und die Gebäude mit allen Sinnen und verbinden sie mit unserem gesamten existenziellen Bild“. In der Praxis bedeutet dies, dass wir berücksichtigen , wie ein Raum zur Mittagszeit klingt, wie sich eine Wand anfühlt, wenn man sie mit der Hand berührt, den subtilen Geruch, wenn man eine Lobby betritt, oder wie ein Fußboden unsere Bewegungen leitet. Die Nutzer von heute sind der sterilen, eindimensionalen Räume überdrüssig und suchen nach Entwürfen , die sie entspannen, inspirieren und auf einer sensorischen Ebene ansprechen.
In den folgenden Abschnitten werden wir untersuchen, wie die Architektur die einzelnen Sinnesbereiche durch Materialien, Licht, räumliche Anordnung, Akustik und unsichtbare Atmosphären aktiviert.
Berührung und Textur: Materialität als emotionale Sprache
Unser Tastsinn ist die intimste Art und Weise, wie wir Gebäude erleben – durch die Materialien, an denen wir reiben, und die Texturen unter unseren Fingerspitzen und Füßen. In der Architektur sind Materialien eine Form der Sprache, die Wärme oder Kälte, Rauheit oder Glätte vermittelt, noch bevor wir sie physisch berühren. Der taktile Charakter einer Oberfläche prägt unsere emotionale Reaktion: Ein polierter Marmorboden kann sich förmlich und kalt anfühlen, während eine abgenutzte Holztreppe einladend und vertraut wirken kann. Die Textur sorgt für eine „sensorische Präsenz“, die uns an einen Raum bindet – das Gewicht einer Steinwand oder die Maserung von Holz aktiviert unsere Erinnerung und unser Zeitgefühl. Wie Peter Zumthor feststellt, erlauben Materialien wie Stein, Ziegel und Holz unserem Blick (und damit unserem Geist) , „ihre Oberflächen zu durchdringen“ und ihre Authentizität und ihr Alter zu spüren, während glatte moderne Materialien wie Glas und Metall oft „nichts von ihrem materiellen Wesen oder Alter vermitteln“. Mit anderen Worten: Natürliche Materialien mit reicher Textur und Patina erzählen eine Geschichte und laden zum Anfassen ein, während gleichförmige synthetische Oberflächen distanziert oder steril wirken können.
Entscheidend ist, dass wir ein Material nicht einmal physisch berühren müssen, um uns seine Textur vorzustellen – die taktile Wahrnehmung kann visuell sein. Eine Wand aus grob behauenem Stein erscheint rau und erdig, ein Hinweis, den unser Gehirn emotional interpretiert. Psychologen weisen darauf hin, dass schon der Anblick eines gefälschten Materials (z. B. einer „Holz“-Verkleidung aus Kunststoff) eine enttäuschte sensorische Reaktion auslösen kann. Authentizität und Alterung spielen also eine Rolle: Die subtil abgenutzten Materialien – die polierte Lederarmlehne, die Patina des Kupfers, die glatte Kante eines Holztisches, die von den Händen der Jahre poliert wurde – vermitteln ein Gefühl von Komfort und Geschichte. “ Ich glaube, dass ein gutes Gebäude in der Lage sein sollte, die Spuren des menschlichen Lebens aufzunehmen „, schreibt Zumthor, „ich denke an die Patina des Alters auf den Materialien… von der Benutzung polierte Kanten.“ . Diese Spuren der Zeit sind taktile Erinnerungen und lassen einen Raum lebendig und wertvoll erscheinen.
Fallstudien zeigen, wie Materialität in eine emotionale Sprache umgewandelt wird. Die Therme Vals von Peter Zumthor in der Schweiz wird oft mit der Taktilität von Stein in Verbindung gebracht: Zumthor hat 60.000 Platten aus einheimischem Quarzitstein zu Wänden gestapelt , die man buchstäblich mit den Augen fühlen kann. Schwimmer, die durch schummrige Korridore aus geschichteten Steinen wandern, spüren das harte, kalte Gestein im Gegensatz zum warmen Beckenwasser. Die verschiedenen Oberflächen sind bewusst unterschiedlich temperiert (kalter Stein, warmes Wasser), um die Körperwahrnehmung zu steigern. Diese Gestaltung macht Wärme und Kälte zu einem bewussten taktilen Erlebnis, wie in traditionellen Saunen oder römischen Bädern, was Lisa Heschong als „thermisches Vergnügen“ bezeichnet. In der Therme Vals steht der Tastsinn im Mittelpunkt – wenn man mit der Hand über den geschliffenen Stein streicht, spürt man sowohl das Material als auch das Gefühl für die geologische Zeit und wird durch diesen Kontakt mit der Natur entspannt und geerdet.
Abbildung: Geschichtete Steinwände in der Therme Vals von Peter Zumthor in der Schweiz. Der Valser Quarzit ist roh belassen und geschichtet, wodurch ein reiches taktiles Erlebnis zwischen rauen und glatten, heißen und kalten Oberflächen entsteht. Die Architektur stimuliert die taktilen und thermischen Sinne, während die Besucher die Geologie des Berges auf ihrer Haut „spüren“.
Ein weiteres Beispiel ist das Louisiana Museum of Modern Art in Dänemark, das für seine warmen, natürlichen Oberflächen bekannt ist. Besucher bemerken oft, dass sich das Louisiana, obwohl es ein großes Museum ist, „wie zu Hause anfühlt „. Die Architekten Jørgen Bo und Vilhelm Wohlert haben dies durch die Wahl der Materialien erreicht, die auf taktile Wärme und subtile Alterung setzen. Die Böden sind mit dunkelroten Terrakottafliesen oder dunklem Panga-Panga-Holz bedeckt – einem farbenprächtigen Holz, das seit 1958 Millionen von Fußabdrücken getragen hat. Der Holzboden ist nicht nur eine Oberfläche, er ist ein stummer Zeuge der jahrzehntelangen Besucher, der kleine Kratzer und einen schimmernden Glanz erhält, der das Ambiente bereichert. Seine stille Dunkelheit bildet einen ruhigen Kontrapunkt zu den ausgestellten kühnen Kunstwerken, während seine Haltbarkeit dem endlosen Rhythmus des Museumsalltags standhält und nicht nur Fußabdrücke, sondern „Geschichten, Erinnerungen und Momente des Staunens“ trägt. Die Holzdecken im oberen Bereich, deren Maserung und Tischlerarbeiten sichtbar sind, verleihen den Galerien eine taktile Wärme und einen Sinn für menschliche Berührung. Auch ohne diese Elemente zu berühren, können die Besucher die strukturierten Ziegelsteine, das geölte Holz und die „warmen, gealterten Oberflächen“ spüren – Details, die ein Gefühl von Intimität und Komfort vermitteln. Die Materialien laden dazu ein, das Tempo zu drosseln und den Raum zu spüren: Man kann mit der Hand über ein glattes Holzgeländer streichen oder den Temperaturunterschied wahrnehmen, wenn man von einem sonnenerwärmten gefliesten Korridor in eine kühle Backsteinnische tritt. Im Grunde genommen spricht die Materialpalette von Louisiana den Körper an.
Die Gestaltung mit dem Ziel, den Tastsinn zu berücksichtigen, kann über öffentliche Denkmäler hinausgehen und Büros, Wohnungen und Räume aller Art beeinflussen. Architekten nutzen zunehmend taktile Zonen: zum Beispiel raue, strukturierte Bodenbeläge an einer Schwelle, um einen Durchgang zu markieren, oder ein gemütlicher Teppich, der zum Verweilen in einer Leseecke einlädt. Auch beim inklusiven Design wird Textur eingesetzt: In einer Blindenschule in Indien verwendeten die Architekten unterschiedliche Wandtexturen (gerippter Putz und glatte Wände), um den Schülern die Orientierung und Navigation durch Berührung zu erleichtern. Bei all diesen Strategien wird berücksichtigt, dass Materialität Emotionen auslöst. Eine kalte Stahlbank kann von längerem Sitzen abhalten, während eine verwitterte Holzbank einladend wirkt. Auch Stoffe spielen eine Rolle – denken Sie nur an den Unterschied zwischen harten Vinylsitzen und einer weichen Polsterecke. Die Textur beeinflusstunsere Stimmung und unser Verhalten auf subtile Weise: Ein sanft gerundeter, polierter Handlauf regt dazu an, mit den Händen darüber zu streichen (und damit unbewusst das Tempo zu verlangsamen), während ein scharfkantiges Metallgeländer nicht zu dieser Berührung einlädt. Die Architekten schaffen so einen emotionalen Dialog zwischen Mensch und Raum, indem sie die Oberflächentemperatur, die Textur und die Ausbeute (Härte oder Weichheit) anpassen. In der sensorischen Architektur trägt jede Materialwahl, vom feuchtigkeitsabsorbierenden Ziegelstein bis zum lichtdurchlässigen Metallgitter, dazu bei, wie sich ein Raum anfühlt und ob er uns entspannt oder nicht.
Licht und Schatten: Inszenierung von Visionen und Stimmungen
Wenn Materialien unsere Haut ansprechen, spricht das Licht unsere Augen und unsere Seele an. Architekten sind seit langem Choreographen des Lichts und des Schattens. Sie nutzen die Beleuchtung, um Stimmungen zu erzeugen, die Aufmerksamkeit zu lenken und sogar eine räumliche Geschichte zu erzählen.
Vor allem natürliches Licht gilt im Design als fast heilig: Louis Kahn sagte: „Solange die Sonne nicht auf die Seite eines Gebäudes trifft, weiß es nicht, wie wunderbar es ist“. Indem sie das Tageslicht filtern oder Schattenspiele erzeugen, verwandeln Architekten statische Strukturen in dynamische Umgebungen, die sich im Laufe des Tages verändern. Der Trick ist, dass das Licht in der Architektur nicht einheitlich ist – seine Richtung, Intensität, Farbe und sein Kontrast sind wichtig. Sonnenlicht, das eine schummrige Kapelle durchdringt, kann Ehrfurcht einflößen, während ein sanfter Schein in einer Bibliothek den Geist beruhigt. In Bezug auf die Sinne wird Licht nicht nur gesehen, sondern auch gefühlt: helles, kontrastreiches Licht kann anregen oder überwältigen; schwaches, warmes Licht wirkt eher beruhigend. Erfolgreiches Design erfordert oft ein Gleichgewicht zwischen diesen Extremen und Übergänge, an die sich die Augen gewöhnen müssen (so wie unsere Ohren Zeit brauchen, um sich nach einem lauten Geräusch an einen ruhigen Raum zu gewöhnen).
Kahns Kimbell Art Museum in Fort Worth, Texas, ist ein Meisterwerk der Lichtinszenierung und bekannt für seine wunderschöne natürliche Beleuchtung. Kahn wollte, dass die Galerien in ein ruhiges, „silbernes“ Licht getaucht sind, ganz anders als die raue texanische Sonne draußen. Er erreichte dies durch ein ausgeklügeltes System von zykloiden Tonnengewölben mit schmalen Oberlichtern, die durch Aluminiumreflektoren entlang ihrer Scheitelpunkte verdeckt werden. Das einfallende Tageslicht wird von diesen gebogenen Reflektoren reflektiert und verteilt sich gleichmäßig über die Betongewölbe. Das Ergebnis ist eine ätherische, kühle Beleuchtung, die oft als „mondhell “ oder „perlmuttartig“ beschrieben wird und den Kunstwerken eine gleichmäßige Klarheit verleiht. Wenn der Besucher von der hellen Umgebung draußen ins Innere tritt, bemerkt er sofort die Veränderung: Das Licht ist weicher, fast gedämpft. Kahn hat sie sorgfältig an diesen Zustand gewöhnt – wenn man sich dem Museum nähert, geht man durch einen von Bäumen beschatteten Rasen und einen tief beschatteten Säulengang, der die Augen allmählich von der blendenden Sonne an das sanfte Innenlicht gewöhnt. Wenn Sie die Galerien betreten, können Sie die Feinheiten des Lichts auf den Kunstwerken ohne Schwierigkeiten wahrnehmen. Das ist Licht als erzählerisches Mittel: Kahn inszeniert im Wesentlichen ein Ritual vom Licht über die Dunkelheit zum Licht – eine Ankunftssequenz, die die Wirkung der Innenbeleuchtung noch verstärkt. Das grelle texanische Sonnenlicht, das draußen vorherrscht, verwandelt sich irgendwie in einen kühlen, silbrigen Strahl, der Beton, Gemälde und Menschen umhüllt „, schreibt die Kritikerin Wendy Lesser und fügt hinzu: „Alles sieht aus, als gehöre es hierher: „Alles sieht aus, als gehöre es genau hierher.“. Im Kimbell ist das Licht so organisiert, dass es eine kontemplative Atmosphäre schafft; hell genug, um Details zu erkennen, aber diffus genug, um sich ruhig zu fühlen, ohne zu blenden. Im Laufe des Tages kommt es zu subtilen Veränderungen – das sich verändernde Lichtmuster im Gewölbe zeigt die Bewegung der Sonne und verstärkt das Gefühl, dass die Zeit vergeht, ohne den Betrachter jemals zu stören. Kahn hat gezeigt, dass die Steuerung des natürlichen Lichts einen Raum von einem rein funktionalen in einen transzendenten Raum verwandeln kann.
Abbildung: Tageslicht in Kahns Kimbell Art Museum (Fort Worth, 1972). Versteckte Oberlichter tauchen die zykloidenförmigen Betongewölbe in ein gleichmäßiges, silbriges Licht. Beachten Sie, wie weich die Schatten sind und die Wände sanft beleuchtet werden – Kahns Entwurf verwandelt die harte texanische Sonne in ein ruhiges „mondhelles“ Licht, das die Kunstbetrachtung fördert.
In der sakralen Architektur dramatisieren die Designer oft das Licht, um das Spirituelle hervorzurufen. Tadao Andos Kirche des Lichts in Osaka (1989) ist ein berühmtes Beispiel, bei dem ein einziger geometrischer Schnitt in der Wand den Raum vollständig definiert. Andos Kapelle ist ein nackter Betonkasten mit einer scharfen kreuzförmigen Öffnung hinter dem Altar. Zu bestimmten Stunden strömt das Sonnenlicht durch diesen kreuzförmigen Einschnitt und projiziert ein leuchtendes Lichtkreuz in den dunklen Innenraum. Der Effekt ist verblüffend: Wenn sich die Augen an die Dunkelheit gewöhnt haben, scheint die Helligkeit des Kreuzes fast greifbar zu sein – Licht wird zum „Material“ des Kreuzes anstelle von Holz oder Glas. Ando hält den Raum absichtlich einfach (graue Wände, einfache Bänke), damit das natürliche Licht den Raum belebt und nichts mit dieser Erfahrung konkurriert. Mit dem Lauf der Sonne ändern sich die Intensität und die Position des Lichtkreuzes, eine ständige Erinnerung an den Lauf der Zeit und – symbolisch – an die göttliche Gegenwart. „Licht ist ein wichtiger Kontrollfaktor in all meinen Werken„, erklärt Ando. „Ich schaffe geschlossene Räume, meist durch dicke Betonwände… [die sie von der äußeren Umgebung abtrennen], und natürliches Licht wird genutzt, um den Raum zu verändern.“. In der Church of Light zeigt sich diese Philosophie als ein tiefes Spiel von Licht und Dunkelheit: Je tiefer der umgebende Schatten, desto heiliger und erhellender wirkt das Licht. Die emotionale Abfolge ist umgekehrt zu Kimbells sanftem Übergang – hier tritt man direkt in die Düsternis ein, um dann den „majestätischen “ Kontrast zu erleben, wenn das Licht die „tiefste Dunkelheit“ durchschneidet, wie Ando es ausdrückt. Das Ergebnis ist ein Raum, der mit minimalen Mitteln zu Kontemplation und Ehrfurcht anregt. Es zeigt, wie Richtungsabhängigkeit und Kontrast in der Beleuchtung (ein heller Fokus in der Dunkelheit) das Gefühl von Dramatik und Bedeutung verstärken können.
Licht kann auch spielerisch und erlebnisorientiert sein. Der zeitgenössische Künstler Olafur Eliasson hat ein ganzes Werk über die immersiven Effekte von farbigem Licht, Reflexionen und Nebel im Raum geschaffen. Seine berühmte Installation The Weather Project (2003, Tate Modern, London) verwandelte eine riesige Turbinenhalle in einen dunstigen Sonnenuntergang im Innenraum: An einem Ende war eine riesige leuchtende Kugel aus Einfrequenzlicht (die wie eine orangefarbene Sonne aussah) angebracht, und die Decke war mit Spiegeln bedeckt. Die Kombination aus goldenem, dunstigem Licht und Spiegelungen veranlasste die Besucher, sich wie an einem Strand auf den Boden zu legen und eine künstliche Dämmerung zu genießen.
Indem er die Atmosphäre der Industriehalle allein durch Licht verändert, hat Eliasson gezeigt, dass Menschen instinktiv auf die Farbe und Qualität des Lichts reagieren. In ähnlicher Weise ist sein Werk Your Rainbow Panorama (2011) in Dänemark ein kreisförmiger Skywalk aus farbigem Glas, der es den Besuchern ermöglicht, durch ein Spektrum von Farbtönen zu gehen und die Stadt in Rot, Orange, Grün und Blau getaucht zu sehen, während sie sich bewegen. Solche Arbeiten unterstreichen, dass Licht in der Architektur keine statische Beleuchtung ist, sondern ein dynamisches Werkzeug, das die Wahrnehmung formt. Unterschiedliche Farbtöne können sogar unsere Wahrnehmung von Temperatur und Stimmung verändern (kaltes blaues gegenüber warmem bernsteinfarbenem Licht).
Im architektonischen Alltag wenden die Designer diese Lehren an, indem sie natürliches und künstliches Licht sorgfältig mischen. Helles, gleichmäßiges Oberlicht kann für Funktionalität sorgen, aber Kontrast und Akzente erwecken einen Raum zum Leben – daher ist eingestreutes Licht durch Oberlichter, Dachfenster oder Paravents beliebt. Auch eine Übergangsbeleuchtung ist wichtig: Wenn man von einer hellen Lobby in ein schummriges Theater wechselt, kann ein Foyer mit einer weichen Zwischenbeleuchtung ausgestattet werden, damit sich die Augen daran gewöhnen können. Selbst die einfache Platzierung eines Fensters am Ende eines Korridors kann einen Lichtschwerpunkt schaffen, der die Menschen intuitiv nach vorne zieht (eine Form der visuellen Wegfindung durch Helligkeit). Die Beleuchtung im Einzelhandel oder im Gastgewerbe ist oft mehrschichtig – eine Kombination aus Grundbeleuchtung für die allgemeine Sichtbarkeit, Aufgabenbeleuchtung für bestimmte Bereiche und dramatischer Akzentbeleuchtung, um eine Stimmung zu erzeugen oder Besonderheiten zu betonen. Das Ziel ist es, das Licht als eine Sequenz zu organisieren: vielleicht beginnt es hell und energiegeladen am Eingang und wird weicher und intimer in der Tiefe (wie in vielen Spas oder Restaurants). All diese Techniken behandeln das Licht als primären Gestalter der Erfahrung, nicht als nachträglichen Einfall. Wie Louis Kahn sagte, „ist das Licht der Übermittler allen Seins „, es offenbart Form und Raum. Man kann sagen, dass der Schatten in der sensorischen Architektur ebenso wichtig ist, denn ohne Schatten oder dunkle Räume hat das Licht keine Stimme. Das Gleichgewicht der beiden schafft nuancierte, emotional ansprechende Umgebungen, die uns visuell und visuell ansprechen.
Reise und Sequenz: Der Raum als Erzählung
Bei der Architektur geht es nicht nur um statische Wände und Dächer, sondern vor allem um die Bewegung im Raum. Wenn wir durch ein Gebäude oder eine Landschaft gehen, nehmen unsere Sinne eine Reihe von Eindrücken auf – wie Szenen in einer Geschichte. Ein durchdachtes Design nutzt die räumliche Entwicklung, die Veränderung des Maßstabs, Licht und Klang, um eine Reise zu gestalten, die Emotionen wie Erstaunen, Überraschung, Gelassenheit oder sogar Überraschung oder Spannung hervorruft. Dieses Konzept des räumlichen Geschichtenerzählens wird manchmal als architektonische Promenade (von Le Corbusier geprägt) oder einfach als Erlebnisdesign bezeichnet. Es trägt der Tatsache Rechnung, dass das Gefühl, das wir in einem Raum haben, oft davon abhängt, was zuvor geschehen ist und was in Zukunft geschehen wird. Ein niedriger, dunkler Eingang kann im Gegensatz zu einem sonnendurchfluteten Innenhof noch weitläufiger und strahlender wirken. Ein schmaler, gewundener Korridor kann die Vorfreude steigern, bevor er sich in eine große Halle öffnet. In Bezug auf die Sinne choreografieren Architekten die Übergänge zwischen den Sinneseindrücken – von komprimiert zu offen, von dunkel zu hell, von laut zu leise -, um Rhythmus und Dramatik in der Reise des Benutzers zu schaffen.
Daniel Libeskinds Entwurf für das Jüdische Museum Berlin (eröffnet 2001) ist ein eindrucksvolles Beispiel. Libeskind beabsichtigte eindeutig, dass das Gebäude selbst eine Geschichte der jüdischen Geschichte in Deutschland, einschließlich des Traumas des Holocausts, durch räumliche Erfahrung und nicht durch Worte erzählt. Die Besucher steigen eine unterirdische Achse hinab, wo sie zwischen drei sich kreuzenden Korridoren (Axis) wählen müssen: Einer führt zu Sackgassen und einer bedrohlichen Leere, die die vom Holocaust hinterlassene Leere repräsentiert; ein anderer führt zu einer Treppe, die zu einem hellen Exilgarten führt; der dritte führt zu den wichtigsten historischen Ausstellungen. Der Weg ist verwirrend und emotional gestaltet: Die Gänge sind leicht geneigt, der Boden ist schräg und es gibt nur wenig Licht. An einer Stelle betritt man die Holocaust-Leere – ein langes, kahles Betonsilo, unbeheizt, nur durch einen Streifen Tageslicht in 20 Metern Höhe erhellt und unheimlich still. Die Architektur löst mit rein räumlichen Mitteln (schräge Wände, bedrückende Höhe, Dunkelheit, kalte Luft) Gefühle von Verlust, Verwirrung und Nachdenken aus. Wenn man dann um eine Ecke biegt, kann man in den Glashof eintreten, der plötzlich mit Licht und offenem Raum gefüllt ist – eine kathartische Befreiung von der früheren Klaustrophobie. Libeskind entwarf eine Reihe von Szenarien mit sensorischen Kontrasten, die im Wesentlichen historische Emotionen hervorrufen: Verdichtung und Befreiung, Dunkelheit und Licht, Enge und Befreiung. Besucher bemerken oft, dass sie allein durch die Bewegung durch diese Räume „die Geschichte in ihnen spüren „. Dies ist Architektur als Erzählung: Das Gebäude offenbart eine Geschichte durch organisierte räumliche Abläufe.
Natürlich sind nicht alle Fahrten so düster. Die High Line in New York bietet fröhlichere Erzählungen. Dieser 1,5 Meilen lange Park wurde auf einer ehemaligen Hochbahntrasse errichtet und nimmt die Besucher mit auf eine urbane Reise über den Straßen. Beim Spazierengehen wird die Stadt selbst Teil des sensorischen Erlebnisses – man hört das ferne Hupen und Brummen des Verkehrs unter einem (gedämpft durch die Höhe und die Landschaftsgestaltung), spürt die Brise, die durch den Korridor geleitet wird, und sieht ständig wechselnde Ausblicke: In einem Moment ist man von Stahl und Weinreben unter einem alten Lagerhaus umgeben, im nächsten taucht man in einen weiten offenen Raum mit Blick auf den Hudson River ein. Die Designer der High Line (James Corner Field Operations mit Diller Scofidio + Renfro) haben sie als eine Reihe von episodischen Räumen konzipiert: Es gibt Sonnenterrassen mit hölzernen Liegestühlen, auf denen man die Schuhe ausziehen und die Wärme der Bretter spüren kann, skulpturale Wege, die sich zwischen Wildblumengärten (die im Sommer von Blumenduft und Insektenschwärmen erfüllt sind) und schattigen Baumgruppen schlängeln, die Ruhezonen schaffen. Jeder Bereich hat seine eigene Stimmung und sein eigenes Mikroklima. Zum Beispiel ist „The Cut-Out“ ein Bereich, in dem sich das Betondeck in ein Sitz-Amphitheater mit Glasgeländer verwandelt, so dass man wie in einem Theater sitzen und das Straßenleben unter sich beobachten kann und die Geräuschkulisse der Stadt auf eine neue Art und Weise hört. Im weiteren Verlauf sorgen saisonale Pflanzen für sensorische Abwechslung – Gräser, die im Herbstwind rascheln, und leuchtende Blumen, die im Frühling die Blicke auf sich ziehen. Die High Line choreografiert eine Reise, bei der Bewegung, Sichtfeld und Umgebungsgeräusche ineinander übergehen. Das ist etwas ganz anderes als ein Spaziergang auf einem flachen Stadtpflaster. Die sanften Kurven und wechselnden Abschnitte wecken die Neugier („Was kommt hinter der nächsten Kurve?“) und bieten sowohl lebhafte Treffpunkte als auch ruhige Ecken. Noch wichtiger ist, dass sich das Erlebnis mit der Zeit verändert: sowohl im Laufe eines Tages (morgendliche Einsamkeit gegenüber abendlichem Trubel) als auch im Laufe der Jahreszeiten. Regelmäßige Besucher sagen oft, dass sich jeder Spaziergang auf der High Line anders anfühlt – ein Beweis dafür, wie das Design die Abfolge und den Wechsel betont und die sensorische Erfahrung frisch und fesselnd hält.
Architekten setzen bei der Gestaltung von Raumfolgen verschiedene Techniken ein. Eine davon ist die Verdichtung und Erweiterung des Raums. Es ist ein klassischer Trick: Ein schwach beleuchtetes Foyer mit niedrigen Decken öffnet sich plötzlich in einen hohen, sonnenbeschienenen Innenhof – durch den Kontrast wirkt der Innenhof noch beeindruckender und befreiender. Frank Lloyd Wright hat dies bei Taliesin West getan, wo man nach dem Betreten eines engen, höhlenartigen Ganges in eine weite Wüstenlandschaft gelangt. Eine andere Technik sind gerahmte Ansichten und „Offenbarungen“. Architekten können für Überraschungen sorgen, indem sie steuern, was erscheint, während man sich bewegt. So kann beispielsweise ein kleines Fenster am Ende eines langen Korridors einen Baum oder einen Himmelsausschnitt perfekt einrahmen und Sie zu dieser visuellen Belohnung hinziehen. Ecken können so choreografiert werden, dass beim Abbiegen nach und nach eine Besonderheit zum Vorschein kommt. Japanische Gärten und traditionelle Teehauswege sind darin sehr geschickt: Hohe Mauern oder Zäune begrenzen die Landschaft, bis an einem sorgfältig gewählten Punkt plötzlich ein schöner Innenhof oder ein Bergblick auftaucht und die Wirkung verstärkt. Auch Rhythmus und Tempo sind wichtig: Eine Reihe von Räumen kann zwischen offenen und geschlossenen, hellen und dunklen Räumen wechseln und ein Gefühl für das Tempo vermitteln (so wie in der Musik laute und leise Passagen abwechseln). Dadurch wird verhindert, dass die Reise eintönig wird, und die Sinne werden angeregt. Die Verwendung von Schwellen – Stufen, Türen, Tore – bereitet uns ebenfalls geistig auf den Wechsel der Atmosphäre vor, indem sie dem Gehirn signalisiert, dass ein Teil des Raumes endet und ein anderer beginnt.
Die Architekten berücksichtigen dabei auch multisensorische Hinweise. Schallübergänge sind eines davon: Wenn man von einem lauten Foyer in eine ruhige Bibliothek wechselt, könnte ein gutes Design einen Vorraum mit schallabsorbierenden Oberflächen oder einen subtilen Wechsel des Bodenbelags (von hartem, schallharten Stein zu weichem Teppich) vorsehen, um die Beruhigung physisch zu signalisieren und zu beeinflussen. Die Veränderung der Akustik beim Überschreiten der Schwelle veranlasst den Körper, seine Stimme zu senken, und den Geist, sich zu beruhigen. Auch Wärme- und Luftveränderungen können die Abfolge bestimmen – stellen Sie sich vor, Sie treten von einem klimatisierten Museum in einen warmen, duftenden Skulpturengarten; die Wärme und der Geruch schlagen Ihnen entgegen und Sie wissen, dass Sie eine andere Erlebniswelt betreten haben. In vielen traditionellen Bädern und Hammams wird dies bewusst genutzt: Der Wechsel vom heißen Dampfbad zum kalten Tauchbecken ist sowohl eine physische als auch eine sensorische Abfolge, die den Badenden belebt.
Bei der Gestaltung der Reise geht es darum zu erkennen, dass Architektur eine zeitbasierte Kunst ist. Wir nehmen ein Gebäude nicht auf einmal wahr, sondern wir entdecken es. Die „Geschichte“, die es erzählt, kann so subtil sein wie ein ruhiger Übergang von öffentlichen zu privaten Räumen in einem Haus, oder so offenkundig wie eine Reihe von Gedenkräumen, die an historische Ereignisse erinnern. Indem sie den Raum so behandeln, wie er im Laufe der Zeit erlebt wird, stellen Architekten sicher, dass jeder Teil eines Gebäudes zu einem größeren emotionalen Bogen beiträgt. Eine gut konstruierte räumliche Reise kann einem Gebäude ein Gefühl von erzählerischer Kohärenz geben – einen Anfang, eine Mitte und ein Ende, denen unsere Sinne folgen können und die unser Gedächtnis festhalten kann. Wenn Sie sich später an das Gebäude erinnern, werden Sie sich vielleicht nicht an jedes Detail erinnern, aber Sie werden sich daran erinnern , wie es sich angefühlt hat, sich durch das Gebäude zu bewegen – der Nervenkitzel der Entdeckung, die Erleichterung der Ankunft, die Momente, in denen Sie innegehalten haben, um alles in sich aufzunehmen. Dies sind die Anzeichen für eine multisensorische Reise, die nachhallt.
Klanglandschaften: Design durch Akustik
Obwohl Architektur oft als „eingefrorene Musik“ bezeichnet wird, prägt sie im wahrsten Sinne des Wortes auch die Musik unserer Umgebung – die Klanglandschaft eines Raumes. Jedes Gebäude hat eine eigene Klangpersönlichkeit: manche Räume sind leise und intim, manche hallend und majestätisch, manche leider kakophonisch. Klang in der Architektur ist kein Nebenprodukt, sondern kann bewusst gestaltet und durch Form und Materialien angepasst werden. In der sensorischen Architektur wird der Akustik die gleiche Aufmerksamkeit geschenkt wie dem Licht oder der Textur, denn der Klang hat einen großen Einfluss auf Komfort, Stimmung und Funktionalität. Ein zu lautes Restaurant stresst die Gäste; ein zu trockener Konzertsaal (kein Nachhall) tötet die Musik; ein Großraumbüro ohne Schallpuffer lässt die Mitarbeiter ablenken und ermüden. Im Gegensatz dazu kann eine gut gestaltete Bibliothek mit sanfter Akustik wie ein Zufluchtsort für den Geist wirken, und eine lebendige Markthalle mit einem angenehmen Summen kann die Besucher anregen. Klang kann sogar den sozialen Raum definieren: Denken Sie daran, wie eine ruhige Zone in einem Museum zur Kontemplation einlädt, während eine belebte Lobby zu Gesprächen anregt.
Materialien sind die ersten Werkzeuge, mit denen wir den Klang gestalten. Harte, reflektierende Oberflächen wie Glas, Fliesen oder Beton verstärken Geräusche und erzeugen Nachhall, während weiche oder unregelmäßige Oberflächen (Vorhänge, Teppiche, Holzverkleidungen, Akustikplatten) den Schall absorbieren oder streuen und so den Nachhall verringern. Hohe Decken und Kuppeln können einen dramatischen Nachhall erzeugen (wie in einer Kathedrale, wo jeder Schritt und jedes Flüstern vergrößert wird), während niedrige, dichte Konstruktionen den Schall dämpfen können. Architekten sprechen oft von NRC (Noise Reduction Coefficient) und Nachhallzeiten – sie messen im Wesentlichen, wie „lebendig“ oder „tot“ die Akustik eines Raums ist. Doch abgesehen von technischen Messungen kommt es auf die beabsichtigte Atmosphäre an. Eine Bibliothek oder ein Meditationsraum zum Beispiel profitieren von einer „ruhigen“ Akustik. Louis Kahns Phillips Exeter Academy Library(New Hampshire, 1971) erreicht dies durch geschickte Anordnung und Materialwahl: Der äußere Ring der Bibliothek ist mit eingelassenen hölzernen Bücherstapeln ausgekleidet (die Bücher selbst sind ausgezeichnete Schallabsorber), die einen Puffer um das zentrale Atrium bilden. Das Atrium ist zwar hoch, aber mit Beton- und Holzdetails ausgekleidet, die den Schall dämpfen. Daher ist der Raum selbst bei einer großen Anzahl von Studenten in Stille gehüllt – man kann leise Schritte oder das Umblättern einer Seite hören, aber die Geräusche dringen nicht weit. Kahn legte großen Wert auf „Stille und Licht“ in der Architektur, und auch hier trägt die akustische Gestaltung ebenso wie das Tageslicht zu einer Atmosphäre der studierenden Ruhe bei. Besucher beschreiben die Bibliothek von Exeter oft als „stille Brillanz “ – die Pracht des Raumes geht einher mit einer Decke der Stille, die zur Konzentration und Selbstbeobachtung anregt. Dies ist kein Zufall; es ist eine Architektur, die den Klang auf ihren Zweck abstimmt.
Betrachten Sie andererseits einen Veranstaltungsort, der für Musik konzipiert wurde: Das Sydney Opera House in Australien. Seine ikonischen, segelartigen Schalen beherbergen große Aufführungssäle, die für eine gute Akustik konzipiert (und vor kurzem umgestaltet) wurden. In einem Konzertsaal achten die Designer auf einen lebendigen Nachhall, der die Orchestermusik unterstreicht – in der Regel eine Nachhallzeit von etwa 2 Sekunden -, damit die Töne miteinander verschmelzen und bis in die hinteren Reihen übertragen werden. Utzons ursprünglicher Entwurf für den Konzertsaal des Opernhauses sah hohe Gewölbedecken und geschwungene Holzwände vor, die den Schall gleichmäßig reflektieren sollten. Im Laufe der Jahre wurden Anpassungen vorgenommen: Aufgehängte Akustikwolken aus Glasfasern wurden hinzugefügt, und in jüngster Zeit wurde eine Reihe von blütenblattartigen Paneelen und automatischen Vorhängen zur Feinabstimmung des Saals installiert. Diese ermöglichen eine Feinabstimmung der Akustik: Für eine Symphonie ziehen sich die Vorhänge zurück und der Raum hallt stark nach; für verstärkten Rock öffnen sich die Vorhänge, um den Nachhall zu absorbieren und Unschärfen zu vermeiden. Der Entwurf erkennt den Klang als dynamisches architektonisches Element an. Als die Renovierung 2022 abgeschlossen war, äußerten sich die Musiker erstaunt darüber, dass „man jetzt jedes Detail bis in die letzte Reihe hören kann“ und bezeichneten den verbesserten Klang als „ein Wunder“. Hier sehen wir Hightech-Lösungen (Stahlreflektoren, versteckte Maschinen), die einem sinnlichen Zweck dienen: klangliche Klarheit und Vielseitigkeit. Abgesehen von der visuellen Dramatik ist das Opernhaus ein Beispiel dafür, dass die Architektur auch akustisch ihre volle Leistung erbringen muss – das Gebäude ist sowohl ein Instrument als auch ein Behälter für die Aufführung.
Die Kontrolle des Lärms in alltäglichen Umgebungen ist für den Komfort ebenso wichtig. Das Aufkommen von Großraumbüros und Restaurants mit hartem industriellen Dekor hat vielen eine Lektion in Sachen Akustik erteilt. Designer machen schallabsorbierende Elemente zu einem integralen Bestandteil des Designs: perforierte Holzdecken, Filztrennwände mit skulpturalem Aussehen, grüne Wände oder Zimmerpflanzen (die Geräusche absorbieren und zerstreuen können), sogar Wasserspiele (das sanfte Plätschern eines Brunnens kann unangenehme Hintergrundgeräusche mit einem entspannenden natürlichen Klang überdecken). Ein großartiges Beispiel für biophile Schalldämpfung ist Stefano Boeris Bosco Verticale(Mailands „Vertical Forest“-Wohntürme). Diese mit Pflanzen bewachsenen Hochhäuser begrünen nicht nur die Skyline, sondern reduzieren auch spürbar den Stadtlärm für die Bewohner. Die dichte Vegetation auf den Balkonen wirkt wie eine Schallmauer, absorbiert den Verkehrslärm und schafft ein ruhigeres Innenraumklima. Untersuchungen haben ergeben, dass die begrünte Fassade zur Verringerung der Lärmbelästigung beiträgt und unterstreicht, wie natürliche Elemente für den akustischen Komfort genutzt werden können. Auch das Rascheln von Blättern und das Zwitschern von Vögeln in Bosco Verticale und ähnlichen Gebäuden führen angenehme natürliche Geräusche ein, die in der Stadt für Entspannung sorgen. Dies zeigt, dass es bei der Gestaltung der Geräuschkulisse nicht nur darum geht, unerwünschte Geräusche auszublenden, sondern auch darum, positive Klänge hinzuzufügen. So wird zum Beispiel auf vielen öffentlichen Plätzen das Geräusch von Wasser verwendet, um den Verkehr zu überdecken – unsere Ohren neigen dazu, die Zufälligkeit von Wasser dem Lärm von Motoren vorzuziehen. In Krankenhäusern wird das Akustikdesign eingesetzt, um eine entspannendere Umgebung zu schaffen (Verzicht auf laute Alarme, Einbau schallschluckender Decken zur Lärmreduzierung usw.), denn Untersuchungen zeigen, dass ruhige Bedingungen die Heilung fördern und Stress reduzieren.
Wir sollten auch darauf achten, wie die Raumgeometrie den Klang beeinflusst. Gewölbte Decken oder Kuppeln können den Schall an Brennpunkten konzentrieren (wie z. B. die Flüstergalerie in der St. Paul’s Cathedral in London, wo ein leises Wort, das auf der einen Seite gegen die Wand gesprochen wird, aufgrund der Geometrie der Kuppel auf der anderen Seite in 100 Fuß Entfernung deutlich zu hören ist). Lange, parallele Gänge können Schwingungsechos erzeugen, während unregelmäßige, abgewinkelte Wände (wie in vielen modernen Hörsälen oder Studios) den Schall zerstreuen, um solche Effekte zu vermeiden. Architekten „tunen“ manchmal einen Raum, indem sie die Abmessungen anpassen, um harte stehende Wellen zu vermeiden – nicht unähnlich der Art und Weise, wie Instrumentenbauer einen Gitarrenkorpus tunen. Das alltägliche Äquivalent dazu ist die Gestaltung eines Wohnzimmers, damit es im leeren Zustand kein störendes Echo gibt – vielleicht durch ein Bücherregal an dieser Stelle, das den Schall reflektiert.
Die Geräuschkulisse beeinflusst, ob ein Raum öffentlich oder privat, chaotisch oder ruhig, weitläufig oder intim wirkt. Das majestätische Echo einer Kathedrale kann ein Gefühl von Ehrfurcht und Größe vermitteln, das über das Visuelle hinausgeht (man hört das Volumen des Raums). Der warme, gedämpfte Klang eines kleinen Cafés mit niedrigen Decken und weichen Oberflächen kann die Intimität fördern, so dass man sich zurücklehnen und leise unterhalten kann. In der Stadtplanung wird zunehmend anerkannt, dass es für die psychische Gesundheit von Vorteil ist, akustische Refugien zu schaffen – ruhige Bereiche wie Innenhöfe oder Parks, die vor dem Lärm der Stadt geschützt sind -, indem sie eine Pause von der ständigen akustischen Stimulation bieten. Ein gutes Design findet das richtige Gleichgewicht: Ein belebtes Restaurant sollte eine angenehme Geräuschkulisse haben (damit es lebendig wirkt und man sich in Ruhe unterhalten kann), aber nicht so viel Nachhall, dass man schreien muss. Ein Büro braucht ruhige Schwerpunktbereiche und andere Räume, in denen die Zusammenarbeit die anderen nicht stört. Durch die akustische Zonierung von Räumen (durch Trennwände, Deckenverkleidungen usw.) erstellen Architekten eine Schallkarte, die mit den Funktionen eines Gebäudes vereinbar ist.
Die Gestaltung mit dem Ohr im Hinterkopf ist das Markenzeichen der sensorischen Architektur. Sie verwandelt ungenutzte Räume in Räume , die richtig klingen. Ein Architekt drückte es so aus : „Architektur ist eine multisensorische Disziplin, und der beste Weg, mit unseren Entwürfen höchste Lebensqualität zu erreichen, ist, alle Sinne anzusprechen … mit Tageslicht und frischer Luft zu arbeiten [und] die körperliche Bewegung zu unterstützen “ – wozu wir noch die Unterstützung unseres akustischen Komforts hinzufügen. Ein Ort, der für das Ohr angenehm klingt, fühlt sich oft gut an, auch wenn wir uns nicht bewusst sind, warum. Durch die Gestaltung von Klanglandschaften schaffen Architekten eine akustische Kulisse für das Leben, die uns beruhigen, inspirieren oder mit Energie versorgen kann und das multisensorische Erlebnis ergänzt.
Luft, Geruch und thermische Erfahrung: Unsichtbare Atmosphären
Nicht alle Sinneseindrücke sind für das Auge sichtbar – einige der stärksten Raumerlebnisse entstehen durch unsichtbare Atmosphären aus Luft, Geruch und Temperatur. Oft betreten wir einen Raum und fühlen uns stickig oder geräumig, kalt oder gemütlich, ohne sofort zu wissen, warum. Die Architekten und Ingenieure hinter den Kulissen treffen gestalterische Entscheidungen in Bezug auf die Luftströmung, die Klimatisierung und sogar den Geruch, die unser Wohlbefinden und unsere Wahrnehmung nachhaltig beeinflussen. In der sensorischen Architektur sind diese Umgebungssinne genauso wichtig wie die sichtbaren Oberflächen.
Die Luft ist der Atem eines Gebäudes. Die Bewegung der Luft – oder ihr Fehlen – wirkt sich auf Komfort, Gesundheit und Wachsamkeit aus. In einem gut belüfteten Raum mit einer leichten Brise fühlen wir uns lebendig und angenehm, während ein stagnierender Raum uns schläfrig oder unruhig macht. Die Planung einer natürlichen Belüftung (oder passiven Kühlung) hat wieder an Interesse gewonnen, nicht nur wegen der Nachhaltigkeit, sondern auch wegen der sensorischen Qualität der Luft. Eine sanfte Brise, die die Frische der Luft nach draußen trägt, ist im Gegensatz zum künstlichen Gebläse einer Klimaanlage unbestreitbar angenehm. Architekten erreichen dies, indem sie Fenster und Öffnungen nach den vorherrschenden Winden ausrichten und die Luft durch offene Höfe, hohe Lüftungsöffnungen oder Kamineffekte in die Räume ziehen. In der traditionellen arabischen und indischen Architektur zum Beispiel werden Windschutzstreifen und Innenhöfe genutzt, um kühlende Brisen zu kanalisieren und heiße Luft abzuführen und so ein angenehmes Mikroklima zu schaffen, bevor eine mechanische Klimaanlage zum Einsatz kommt. Das sensorische Ergebnis ist, dass sich die Bewohner mit ihrer Umgebung verbunden fühlen: Sie nehmen die subtilen Veränderungen des Windes, die Kühle nach dem Regen, den täglichen Temperaturrhythmus wahr.
Ein zeitgenössisches Beispiel ist das Maggie’s Centre von Heatherwick Studio in Leeds(Yorkshire, Vereinigtes Königreich, 2020) – ein Krebshilfezentrum, bei dessen Gestaltung der Schwerpunkt auf frischer Luft und natürlicher Ruhe lag. Das Gebäude besteht aus drei pavillonartigen Formen mit großen öffenbaren Fenstern und mit Pflanzen bepflanzten Terrassen. Seine Struktur besteht aus Holz und seine Verkleidung ist porös, was zusammen mit der sorgfältigen Platzierung der Öffnungen es dem Gebäude ermöglicht, zu „atmen“, ohne auf geschlossene mechanische Systeme angewiesen zu sein. Der Entwurf verzichtet sogar gänzlich auf eine konventionelle Klimatisierung. „Die natürliche Belüftung vermeidet den Einsatz mechanischer Klimaanlagen, nachdem die beste Ausrichtung und Anordnung der Fenster und Öffnungen auf der Grundlage einer Studie der Standortbedingungen und des Klimas ausgewählt wurde „, heißt es in der Beschreibung. Das Ergebnis ist ein Zentrum, in dem die Raumluft frisch bleibt und die Luftfeuchtigkeit auf natürliche Weise durch Holz und Pflanzen reguliert wird – Patienten und Personal äußern sich oft darüber, wie erfrischend und entspannend die Atmosphäre ist, als befände man sich in einem vertrauten Heim und nicht in einer klinischen Einrichtung. Dies steht im Zusammenhang mit dem Konzept der Biophilie: Die Integration natürlicher Elemente (in diesem Fall natürliche Luftströme und reichlich Grün) reduziert Stress und fördert das Wohlbefinden. Aus sensorischer Sicht trägt das leichte Atmen in einem Raum – im wahrsten Sinne des Wortes – zu einem allgemeinen Gefühl der Sicherheit und Entspannung bei. Das Maggie’s Centre zeigt, dass unsichtbare Umwelttechnik (Luftqualität, Luftströmung) ein entscheidender Bestandteil einer auf den Menschen ausgerichteten Gestaltung ist.
Wie warm oder kalt sich ein Raum anfühlt, ist eng mit der thermischen Erfahrung verbunden. Die Temperatur kann Emotionen und Bedeutungen hervorrufen, die über den bloßen Komfort hinausgehen. Eine warme, sonnenbeschienene Ecke kann an einem Wintertag gemütlich und einladend wirken, während ein kühler Steinboden unter nackten Füßen an einem Sommernachmittag für Entspannung sorgt. Planer können Zonen mit unterschiedlichen Temperaturen einrichten, um einen bestimmten Effekt zu erzielen. Denken Sie an traditionelle japanische Häuser: Sie haben oft eine Engawa (überdachte Veranda), die durch Sonnenlicht beheizt wird – ein angenehmer Ort zum Sitzen in den kühleren Monaten – und haben auch luftige, querbelüftete Innenräume für feuchte Sommer. In ihrem Buch Thermal Pleasure in Architecture (Thermisches Vergnügen in der Architektur ) hat Lisa Heschong darauf aufmerksam gemacht, wie architektonische Räume historisch gesehen thermische Erfahrungen zelebriert haben, von finnischen Saunen und türkischen Bädern bis hin zu japanischen Onsen-Bädern. Diese Beispiele veranschaulichen die kulturell reichhaltigen Formen des Badens in Wärme oder Kälte als ein gemeinsames Ritual. Ein Hammam zum Beispiel bietet eine Bandbreite von heißem Dampf (der die Haut erröten lässt und die Poren öffnet) bis hin zu einer kalten Waschung, und das alles in wunderschönen Gewölberäumen. Die Gestaltung des Bades – gewölbte Decken mit sternförmigen Öffnungen, von unten beheizte Marmorplatten – verstärkt diese thermischen Empfindungen und führt auch Düfte ein (in der Regel dampfende Luft mit Eukalyptus- oder Seifenduft ), um eine tief entspannende, fast überirdische Erfahrung zu schaffen. In modernen Gebäuden werden zwar selten solche Extreme angestrebt, aber es gibt eine Tendenz zur „thermischen Zonierung „, d. h. zur Einrichtung von etwas wärmeren Ruhezonen, kühleren Arbeitsbereichen usw., damit sich die Menschen dort aufhalten können, wo sie sich wohl fühlen. Sogar Restaurants spielen manchmal damit, indem sie den Barbereich etwas kühler halten (weil die Leute oft stehen und vielleicht tanzen), aber die Sitzecken etwas wärmer halten, um den Komfort beim Sitzen zu erhöhen. Wichtig ist die Erkenntnis, dass eine einheitliche Temperatur von 23°C (72°F) überall nicht der angenehmste Ansatz ist; Abwechslung und Kontext sind für den thermischen Komfort wichtig.
Wenden wir uns nun der oft übersehenen Dimension von Räumen zu: dem Geruch. Der Geruch ist der Sinn, der am direktesten mit Erinnerungen und Emotionen verbunden ist (der „Proustsche Madeleine-Effekt“). Ein flüchtiger Geruch kann uns augenblicklich transportieren oder unsere Stimmung beeinflussen. “ Die stärkste Erinnerung an einen Ort ist oft sein Geruch„, schrieb Pallasmaa: „Ich kann mich nicht an das Aussehen der Tür des Bauernhauses meines Großvaters erinnern… aber ich erinnere mich vor allem an den Geruch des Hauses hinter der Tür, der mir wie eine unsichtbare Wand ins Gesicht schlug.“. In der modernen Architektur wird jedoch meist Geruchsneutralität angestrebt – wir reinigen und lüften Gebäude, um Gerüche zu eliminieren, und schaffen so das, was einige Kritiker den „anosmischen Kubus“ nennen, ein Bauwerk, das wie eine „neutrale“ Kunstgalerie mit weißen Wänden aussieht, aber riecht. Eine wachsende Zahl von Designern führt jedoch bewusste Düfte als Teil des Raumerlebnisses wieder ein. Das kann so subtil sein wie ein leichter, natürlicher Holzduft, wie z. B. die Verwendung von mit Leinsamen geöltem Holz in einer Lounge, oder die Verwendung von Pflanzen und Blumen, die saisonale Düfte verströmen. Einige Einzelhändler, Hotels und sogar Büros verwenden Duftzerstäuber, um eine besondere Atmosphäre zu schaffen (eine Praxis, die als Duftmarkenbildung bekannt ist).
Wenn Sie beispielsweise ein Westin-Hotel betreten, können Sie in der Lobby einen speziellen „weißen Tee“-Duft wahrnehmen, der Sauberkeit und Ruhe signalisieren soll. Obwohl die Absicht kommerziell ist, beweist dies, wie sehr Düfte unseren Eindruck von Räumen prägen können. Architekten von spirituellen und kulturellen Räumen wissen das schon lange: In Kirchen, Tempeln und Moscheen wird Weihrauch verwendet, um Heiligkeit auszudrücken und die Sinne der Gläubigen über das Sehen und Hören hinaus zu stimulieren.
In Kyoto, Japan, kann man Tempel oder traditionelle Teehäuser besuchen, in denen kōdō(die Kunst des Räucherns) als Teil des Rituals geschätzt wird – der holzige Rauch, der sich in Lichtschächten kräuselt, durchdringt die nach Tatami duftende Luft und macht so den Geist frei für die Meditation. Die Architektur passt sich dem oft mit kleinen Lüftungsöffnungen oder der Art und Weise an, wie das Licht durchfällt, um den Rauch sichtbar zu machen. Im nahöstlichen Design verströmen Höfe, die mit Orangenblüten oder Jasmin gefüllt sind, am Abend Aromen, die Innen- und Außenbereich durch den Duft miteinander vereinen.
Die Gestaltung von Gerüchen auf humane Weise bedeutet oft, dass man sich natürliche Anhaltspunkte zunutze macht: Der Geruch von Erde nach Regen (Petrichor) kann durch Innenhöfe oder Regenketten, die Regengüsse zelebrieren, eingeführt werden; oder der Duft der Vegetation kann durch die Integration von Gärten, grünen Wänden oder Topfpflanzen in einen Raum gebracht werden. Ein berühmtes modernes Beispiel ist die California Academy of Sciences in San Francisco (Renzo Piano, 2008), die über ein üppig bepflanztes Dach und Freilufthöfe verfügt, so dass man beim Umhergehen die feuchte Erde und die einheimischen Wildblumen riechen kann – ein bewusster Teil der immersiven Umgebung des Museums/Aquariums, der die Besucher mit der Natur verbindet. In eher zweckmäßigen Räumen kann durch die Verwendung geruchsarmer Materialien und die Bereitstellung von Wegen für die Frischluftzirkulation die Art von „Bürogeruch“ vermieden werden, die viele von uns kennen.
Ein wichtiger Aspekt ist das assoziative Geruchsgedächtnis: Bestimmte Orte werden durch einen Geruch definiert, der ihre Identität stärkt. Denken Sie an eine klassische Bibliothek: Der Geruch von alten Büchern (flüchtige organische Verbindungen aus alterndem Papier) ist ein wesentlicher Bestandteil dieses mentalen Bildes. Oder eine Holzhütte, die den Duft von Kiefernholz und Kaminrauch verströmt – ein Teil ihres Charmes liegt buchstäblich in der Luft. Architekten können vielleicht nicht immer einen Duft auswählen, aber sie können Materialien wählen, die angenehm riechen (Naturholz statt Plastik, Leder usw.) und Nutzeraktivitäten zulassen, die positive Gerüche hervorbringen (wie z. B. echtes Kochen in einer offenen Küche, anstatt eine Küche zu verstecken – so dass das Haus mit dem Duft von Essen erfüllt wird, einem alten Symbol der Behaglichkeit).
Passive Belüftung und natürliche Klimatisierung sparen nicht nur Energie, sondern verbessern auch die sensorische Qualität eines Raums. Ein Gebäude, das an einem schönen Tag geöffnet werden kann, verwischt die Grenze zwischen innen und außen – man spürt einen leichten Luftzug, hört Vogelgezwitscher durch das Fenster, riecht draußen gemähtes Gras. Diese Erfahrungen bereichern das tägliche Leben. Bioklimatische Architektur greift häufig auf landestypische Methoden zurück: Wände mit hoher thermischer Masse, die die Innentemperatur konstant halten, schattige Veranden für bequemes Sitzen in heißem Klima, Höfe mit Verdunstungskühlung (wie im traditionellen Iran und in Indien), in denen das Wasser eines Brunnens die Luft kühlt und ein angenehmes Glucksen und Feuchtigkeit hinzufügt – eine vollständige sensorische Aufwertung. Eines der vorbildlichen Projekte ist das Eastgate Centre in Simbabwe, ein Bürogebäude nach dem Vorbild der passiven Kühlung von Termitenhügeln: Es nutzt große Lüftungsschächte und schwere Wände, um kühle Nachtluft anzusaugen und heiße Luft abzuführen und gleichzeitig den Komfort mit minimaler Klimatisierung zu erhalten. Diejenigen, die hier arbeiten, bemerken nicht nur den Komfort, sondern auch das natürliche Gefühl der Luft – kein hartes Gebläse der Klimaanlage, sondern eine ausgewogene Umgebung , die mit dem Tag „atmet „.
Termal konfor aynı zamanda dokunmayla da kesişir: sıcak malzemelere karşı soğuk malzemeler. Taş bir bankta oturmak vücudunuzdaki ısıyı çektiği için sizi tam anlamıyla serinletecektir; bunun aksine ahşap bir bank daha nötr veya sıcak bir his verir. Bu nedenle saunalar ahşapla kaplanır (böylece yanmadan üzerine oturabilirsiniz) ancak serinletici bir çeşme mermerden oyulmuş olabilir. Tasarımda, bu malzemelerin termal özelliklerini bilmek, örneğin farklı tercihler için sıcak ve rahat bir oyuk (belki ahşap kaplı) ile serin bir oyuk (taş kaplı) yaratmanıza olanak tanır. Aynı binada, bazıları üzerinde yürümek için serin bir terrazzo zeminden, diğerleri ise ayaklarını sokmak için sıcak bir halıdan hoşlanabilir – her ikisini de uygun yerlerde sağlamak herkese hitap edebilir ve mekanın dokunsal-termal deneyimini zenginleştirebilir.
Görünmez niteliklere gelince, nem ve hava tazeliğini unutamayız. Biraz nemi muhafaza eden (çok kuru olmayan) binalar genellikle daha rahat hissettirir; çok kuru hava (aşırı soğutulmuş ofislerde yaygındır) burnumuzu ve cildimizi tahriş eder. İç mekan bitkileri, su öğeleri kullanmak veya binayı fazla sızdırmaz hale getirmemek bu dengeyi sağlamaya yardımcı olabilir. Ve elbette, hava kalitesinin sağlanması – zehirli dumanların olmaması, yeterli filtreleme veya doğal değişim – sağlığımızı ve bilişsel işlevlerimizi tam anlamıyla etkiler. Duyusal mimari sağlıklı yaşam tasarımıyla uyumludur: hava da görseller kadar davetkar olmalıdır.
Özetle, havaya, kokuya ve sıcaklığa dikkat etmek bir binayı cansız bir kutudan saran bir atmosfere dönüştürür. Bu faktörler çoğu zaman bir mekanı gerçekten konforlu ya da unutulmaz kılan şeylerdir, biz bunları sadece bilinçaltımızda fark etsek bile. Zumthor’un da belirttiği gibi en iyi mimari, „insan yaşamının izlerini özümseyebilir“ ve bunlara hassas bir şekilde yanıt verebilir – ve buna yaşamın nefesi, sıcaklığı ve kokusu da dahildir. Mimarlar görünmez katmanları oluşturduklarında – havanın yumuşak sürüklenişi, malzeme ve çevre buketi, termal dokunuş – nefes alan ve tüm insan duyularını kucaklayan mekanlar yaratırlar.
Tam İnsan Deneyimi için Tasarım
Mimarlık en üst noktasında insanın bütününe hitap eder – beden, zihin ve ruh. Keşfettiğimiz gibi, duyuları göz önünde bulundurarak tasarım yapmak, sadece görülen değil , hissedilen, duyulan ve tüm boyutlarıyla hatırlanan ortamlara yol açar. Bu çok duyulu yaklaşım, stilistik bir trendden daha fazlasıdır; mekanı tüm sinir sistemimizle algıladığımızı kabul eden temel insan merkezli tasarıma bir geri dönüştür. Birçoklarına göre mimarinin geleceği, radikal görsel biçimlerden ziyade bir mekânın sunduğu deneyimin kalitesiyle, yani refahı nasıl desteklediği, duyguları nasıl harekete geçirdiği ve tüm duyular aracılığıyla nasıl bir anlam yarattığı ile tanımlanacaktır.
Duyusal tasarım aynı zamanda kapsayıcılığa ve „duyusal eşitliğe“ giden bir yoldur. Birden fazla duyuyu harekete geçiren mekânlar, daha geniş bir yelpazedeki insanlar için daha erişilebilir olma eğilimindedir. Örneğin, az gören bir kişi, bir binada dokunsal zemin ipuçları ve zengin akustik geri bildirim varsa (dokulu yollara sahip körler okullarında görüldüğü gibi) daha iyi yön bulabilir. Belirli uyaranlardan bunalabilecek otistik bir kişi, kontrollü akustik ve yumuşak aydınlatma geçişleri ile tasarlanmış alanlarda rahatlık bulabilir. Duyuları azalmış olabilecek yaşlı yetişkinler, aynı anda birden fazla duyu ile okunabilen çevresel tasarımdan faydalanır – cesur görsel kontrast artı net akustik artı ayırt edici kokular duyusal kaybı telafi edebilir ve hafızayı tetikleyebilir. Her yaş ve nörotip için tasarım yapmak, duyusal ihtiyaçları göz önünde bulundurmak anlamına gelir: belki bir kütüphane, sakinliğe ihtiyaç duyanlar için yumuşak bir şekilde aydınlatılmış, sesi azaltılmış bir okuma odası içerirken, diğerleri için güneşli, havadar bir salon sunabilir – tek bir beden herkese uymaz, ancak duyusal ortamların bir spektrumu olabilir. Bir mimarın da belirttiği gibi, „dünya, entelektüel yaratıcılığı malzeme ve dokunsallığa yönelik hümanist bir yakınlıkla dengeleyen ruhani ve anlamlı mekanlara son derece muhtaç.“ Başka bir deyişle, onlarca yıl süren bazen aşırı beyinsel veya tamamen pragmatik tasarımlardan sonra, ruhu olan mekanlara özlem duyuyoruz – ve ruh, insani duyularımız ve duygularımızla etkileşime girmekten kaynaklanıyor.
Çok duyulu mekanlar tasarlamak, kendi iyiliği için karmaşıklık eklemekle ilgili değildir; bu, niyetlilik ve özgünlükle ilgilidir. Mimarların atmosfer bestecileri veya koreografları gibi düşünmelerini gerektirir. Peter Zumthor’un „atmosferler “ kavramıyla tanımladığı gibi, yankı uyandıran genel ruh halidir: „Atmosferi duygusal duyarlılığımız aracılığıyla algılarız… saniyenin çok küçük bir bölümünde bir yer hakkında bu duyguya sahip oluruz.“ Bu his, tüm duyusal girdilerin aynı anda sinerji oluşturmasından kaynaklanır. Başarılı bir tasarım bu girdileri huzur, canlılık, saygı veya keyif gibi tutarlı bir duyguya dönüştürür. Tüm unsurlar -görüntü, ses, dokunma, hava- uyum içinde olduğunda, atmosfer hissedilebilir ve güçlü olur. Zumthor’un dediği gibi „hafızanıza ve duygularınıza yapışır „. En çok değer verdiğiniz mekanları düşünün: muhtemelen en sevdiğiniz odaya düşen ışığı, döşeme tahtalarının gıcırtısını, pencereden gelen yaz kokusunu hatırlayabilirsiniz. En sevdiğimiz mimari, tam da duyularımızı harekete geçirdiği ve hafızamız için zengin bir zemin oluşturduğu için hayatın anlarına sahne olur.
Pratik anlamda, duyusal mimariye yönelik hareket eğitimi ve mesleki uygulamaları etkiliyor. Mimarlar için „duyusal araç setleri “ geliştirme çağrıları yapılıyor – projelerin her aşamada her bir duyuyu düşünceli bir şekilde ele almasını sağlayan kontrol listeleri veya tasarım kılavuzları (saha planlamasından – gürültü ve rüzgar modellerini dikkate alarak – malzeme seçiminden aydınlatma tasarımına kadar). Bazı ileri görüşlü firmalar duyusal deneyimleri çizimlerde tam anlamıyla haritalandırıyor: sessiz ve yoğun sesin, sıcak ve soğuk bölgelerin, kilit görüş hatlarının veya temas noktalarının nerede olması gerektiğini gösteren duyusal diyagramlar. Akademi, farklı beyin tiplerinin (nörotipik, nörodejeneratif) çevresel uyaranlara nasıl tepki verdiğine ilişkin araştırmalarla nörobilim ve mimarlık arasında köprü kuruyor. Gelişmekte olan bu nöro-mimari alanı, sezgisel olarak doğru hissettiren tasarım kararlarını doğrulamak için bilimsel içgörüyü kullanıyor – örneğin, doğa seslerine erişimin stres hormonlarını azalttığını veya belirli ışık spektrumlarının sirkadiyen ritimleri ve hastane hastaları için daha iyi uykuyu desteklediğini doğrulamak. Tasarım markaları ve bina standartları (WELL sertifikası gibi) artık bir binanın kalitesinin ölçütleri olarak akustik konfor, biyofilik unsurlar (doğayla görsel ve kokusal bağlantı için), termal ve kokusal konfor gibi duyusal kriterleri açıkça içermektedir.
Tüm bunlar mimar veya tasarımcı için ne anlama geliyor? Kişinin paletini genişletmesi anlamına gelir. Tasarım incelemeleri sırasında sadece renderlara bakmak değil, şunu sormak demektir: Burada yürümek nasıl hissettirecek? Hafif bir ses veya yankı olacak mı? Güneş onu ısıttığında malzeme nasıl kokacak? Gözleri bağlı bir kişi dokunma ve duyma yoluyla bu mekanı yine de takdir edebilir mi? Bu soruları sorarak, tasarımları iki boyutlu estetikten tam duyusal daldırmaya doğru itiyoruz. Bu ille de daha pahalıya mal olmak zorunda değil; genellikle düşünceli seçimler ve bazen de kısıtlamayla ilgili (örneğin bir pencereyi kapatmak yerine içeri esinti girmesine izin vermek). Hatta konsept aşamasının başlarında başkalarıyla (akustik mühendisleri, aydınlatma tasarımcıları, peyzaj mimarları (koku ve bitki dokuları için)) işbirliği yapmak anlamına da gelebilir, böylece tüm duyusal yönler bütünsel olarak gelişir.
Nihai hedef, insan ruhunu besleyen ortamlardır. Dijital deneyimlerin ve sanal gerçekliğin giderek yaygınlaştığı bir çağda, mimarinin dokunulabilir, elle tutulur gerçekliği yeri doldurulamaz bir şey sunuyor. Mimar Kengo Kuma’nın gözlemlediği gibi, mimariyi görsel bir medya gösterisi olarak ele aldığımız bir dönem geçirdik, ancak „insanlar beş duyunun gerçek yaşamına geri dönüyor. Mimarlardan da bu duyuları içeren tasarımlar yapmaları beklenecek.“ Gerçekten de, ekranların ardında izole edildikten sonra, insanlar kalabalığın mırıltısını duyabilecekleri, havayı hissedebilecekleri, ağaçları koklayabilecekleri, kaba tuğlalara dokunabilecekleri gerçek mekanlar arzuluyor. Mimarlığın armağanı tam da bu cisimleşmiş mevcudiyettir – Daniel Libeskind’in tutkuyla ifade ettiği gibi “ biz sadece zihin değiliz, bedenseliz… cisimleşmişiz; bu içgüdüsel bir deneyimdir “ ve bize binaların sadece aklımızı değil, etimizi ve kanımızı da harekete geçirmesi gerektiğini hatırlatır.
Duyularla tasarım yapmak, yaşam için tasarım yapmak demektir. Bu, doğal dünyanın zenginliğini ve insan algısının çeşitliliğini yansıtan mekanlar yaratmakla ilgilidir. Bu tür mekanlar daha akılda kalıcı, daha sevilen ve genellikle daha sürdürülebilir olma eğilimindedir (çünkü sürdürülebilir olan, insanların zaman içinde değer verdiği ve önemsediği bir tasarım değilse nedir?) Çok duyulu bir tasarım yaklaşımı mimariyi yavaşlamaya ve uyum sağlamaya teşvik eder: bir duvarda öğleden sonra güneşinin parıltısı, bir çatı penceresinde yağmurun sesi, bir girişin yanındaki yasemin kokusu, bir eli davet eden serin taş – bu ayrıntılar büyük form kadar önemli olabilir. Geleceği inşa ederken, yapılı çevrenin nihayetinde insan deneyimleri için bir sahne olduğunu unutmayalım. Tüm duyuları devreye sokarak bu deneyimleri zenginleştirir ve mimariyi bir yerde tamamen, duyusal olarak canlı olmanın ne anlama geldiğiyle yeniden ilişkilendiririz. Bunu yaparken, sadece iyi görünen değil, aynı zamanda doğru hissettiren bir mimari yaratıyoruz – tasarım ve yaşamın sorunsuz bir şekilde iç içe geçtiği tam insan deneyiminin mimarisi.
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