Wenn Sprache nicht ausreicht, hört man der Architektur zu
Die Kraft der unübersetzbaren Wörter
Manche Kulturen erfinden Wörter für Orte, die andere kaum wahrnehmen: Schwellen, die Sie verlangsamen, Räume, die Ihnen Gastfreundschaft lehren, oder einen „verlorenen“ Ort, den Sie noch immer in Ihrem Herzen tragen. Die UNESCO bezeichnet diese lebendigen Praktiken und Bedeutungen als „immaterielles Kulturerbe”, das die Art und Weise umfasst, wie Menschen Räume nutzen und empfinden: was wir bauen, wie wir zusammenkommen, wo wir trauern oder feiern. Architekten, die diese Worte hören, gewinnen eine schärfere Perspektive für die menschliche Erfahrung, die ihre Gebäude beherbergen sollen.
Warum sollten Architekten darauf Wert legen?
Ein Wort kann eine Zusammenfassung eines Programms sein. Das Wort „Meclis“ beispielsweise bezeichnet einen Gemeinschaftsraum, der in der Golfregion für die Bewirtung von Gästen, Beratungen und Gemeinschaftsfeiern genutzt wird; ein einziger Name steht für einen klaren räumlichen Zweck. Bei der Gestaltung unter Berücksichtigung des Meclis muss man die Sitzordnung, das Kaffeeritual, den breiten Eingang und die soziale Sichtbarkeit planen. Eine solche semantische Präzision ist ein direkter Weg zur kulturellen Kompetenz.
Wie prägt die kulturelle Semantik das designorientierte Denken?
Sprache kann räumliche Logik (wie im Japanischen ma – bedeutungsvoller Abstand) oder bestimmte strukturelle Elemente (wie engawa – Schwellenweg-Veranda) bezeichnen. Das Erlernen dieser Begriffe eröffnet neue Möglichkeiten für Designbewegungen: Pausen choreografisch gestalten, Schwellen verdicken und Rändern neues soziales Leben einhauchen.
1. „Hiraeth“ (Walisisch): Sehnsucht nach einem verlorenen Ort
Räumliche Nostalgie als Designkonzept
Hiraeth ist mehr als nur Heimweh; es ist eine tiefe Sehnsucht nach einem Zuhause, einer Zeit oder einem Gefühl, das nicht mehr existiert oder vielleicht nie existiert hat. Stellen Sie sich das als einen emotionalen Kompass vor, der Ihnen zeigt, wo Sie hingehören, auch wenn sich die Landkarte verändert hat. Als Design-Perspektive fordert Hiraeth Architekten dazu auf, sich nicht nur mit Form und Funktion, sondern auch mit Erinnerung und Abwesenheit auseinanderzusetzen. Es wirft die Frage auf, wie Gebäude Geschichten, Rituale, Texturen und Klänge transportieren können, die den Menschen ein Gefühl der „Rückkehr“ vermitteln.
In der Umweltpsychologie steht dies im Mittelpunkt des Konzepts der „Ortsverbundenheit“ – die Verbindung zwischen Menschen und Orten wird durch unser Selbstverständnis, unsere Aktivitäten an diesem Ort und die Eigenschaften des Ortes selbst geprägt. Der Rahmen von Scannell & Gifford (Person-Prozess-Ort) ist besonders hilfreich: Er erinnert Designer daran, dass Zugehörigkeit aus Identität und Erinnerung (Person), Emotionen und Bedeutung (Prozess) sowie physischen Eigenschaften und Umgebungen (Ort) entsteht. Für Hiraeth zu gestalten bedeutet, alle drei Aspekte zu berücksichtigen.
Hiraeth deckt sich auch mit dem Konzept des immateriellen Kulturerbes der UNESCO: lebendige Traditionen, Rituale und Bedeutungen sowie die „kulturellen Orte“, an denen diese beheimatet sind. Dies ist ein praktischer Hinweis: Architektur kann nicht nur die Struktur, sondern auch das soziale Leben bewahren, das einem Ort seine Seele verleiht. Höfe zum Singen, Veranden zum Begrüßen, Küchen zum gemeinsamen Teetrinken… All dies sind Stützen, die Erinnerungen lebendig halten.
Architektonische Reaktionen auf Vertreibung
Wenn Menschen freiwillig oder unter Zwang umziehen, kann ihre Bindung an den Ort schwächer werden. Untersuchungen zeigen, dass sorgfältig gestaltete Umgebungen dazu beitragen können, Verbundenheit und Wohlbefinden wiederherzustellen: Vertraute Materialien, begehbare öffentliche Räume und geeignete Umgebungen für den täglichen Kontakt fördern das Zugehörigkeitsgefühl. Für Flüchtlinge und Migranten können selbst kleine, überschaubare Bereiche für Versammlungen, Gottesdienste, das Zubereiten von Mahlzeiten und Grünflächen den Übergang vom Wohnheim zur Gemeinschaft beschleunigen.
Die Designstrategien, die Hiraeth würdigen, sind konkret und wiederholbar:
- Bewahren Sie Spuren auf. Bewahren Sie Teile wie alte Mauern, Baumreihen und Bodenmuster auf, damit die Erinnerung erhalten bleibt. Erbe-Leitfäden wie die Burra-Charta bestätigen neben Ziegeln und Steinen auch den sozialen und spirituellen Wert.
- Programmrituale. Schaffen Sie Räume für wiederkehrende Aktivitäten (Sonntag, Gebet, Teezeit, Musik). Diese Rhythmen verleihen alten Identitäten neues Leben.
- Design für Verbundenheit. Die Umweltpsychologie verbindet alltägliche Kontakte wie Sitzen, Treffen und Spazierengehen mit stärkeren Bindungen; grüne und öffentliche Räume spielen dabei eine entscheidende Rolle.
Selbst in temporären Umgebungen sind seriöse Regelungen und ein „Wohlfühlfaktor“ wichtig. Untersuchungen zum Thema Camp-Design belegen, dass Bereiche, die sich zu etwas Dauerhaftem oder einer sinnvollen Routine entwickeln können, wichtiger sind als endlose Temporarität.
Fallstudien: Design für emotionale Rendite
Yr Ysgwrn (Trawsfynydd, Wales). Das Bauernhaus des Dichters Hedd Wyn ist mit seinen Möbeln, seinem Herd und seiner Einrichtung fast vollständig in seinem Zustand von 1917 erhalten geblieben, sodass Besucher eine „Zeitreise in die Vergangenheit” unternehmen können. Das Haus, das die Struktur des ländlichen Lebens bewahrt, ist zu einem Medium des kollektiven Gedächtnisses und der Trauer geworden, zu einem stillen Beispiel für Hiraeth. Die Tradition, „die Tür offen zu halten”, unterstreicht, wie Gastfreundschaft und Kontinuität in das Erbe-Management einbezogen werden können.
Walisische Kirchen in Patagonien (Gaiman & Trelew, Argentinien). In Y Wladfa reproduzierten walisische Siedler unter Verwendung lokaler Steine und Hölzer ihre kirchlichen Bauformen und führten kulturelle Rituale wie Eisteddfod und gesellschaftliche Teepartys fort. Die Architektur hier ist eine Brücke: Vertraute nonkonformistische Formen wurden an eine neue Landschaft angepasst, um Orte zu schaffen, an denen Sprache, Gesang und Zusammenkünfte Wurzeln schlagen können und an denen die Enkelkinder noch immer eine lebendige Verbindung zu Wales spüren können.
Senghenydd National Mining Disaster Memorial Garden (Caerphilly, Wales). Dieser Gedenkort, der im März 2024 offiziell als National Mining Disaster Memorial Garden von Wales anerkannt wurde, verwandelt Verluste in Wege, Namen und Zeichen. Der Gedenkgarten bietet Familien und Gemeinschaften einen Ort der Rückkehr, an dem sie ihre Erinnerungen an Arbeit, Zusammenhalt und Trauer wiederaufleben lassen können, und zeigt, wie öffentliche Räume das Gefühl der Sehnsucht einer Nation auf würdige Weise bewahren können.
2. „Ma“ (Japanisch): Leerraum
Existence as Emptiness in Japanese Architecture
Ma (間) ist keine Lücke, die gefüllt werden muss, sondern ein lebendiger Zwischenraum – die spürbare Pause zwischen Objekten, die „Raum-Zeit“, die der Form Leben einhaucht. In der japanischen Kunst und Architektur lenkt ma die Aufmerksamkeit auf Rahmen: eine Lücke in der Wand, ein stiller Innenhof, die Stille vor der Bewegung. Diese Idee fand mit Arata Isozakis bahnbrechender Ausstellung „Ma: Space-Time in Japan” Eingang in den globalen Design-Diskurs. Die Ausstellung zeigte, dass Malerei, Theater, Musik, Gärten und Architektur weniger durch Objekte als vielmehr durch Zwischenräume eine Choreografie der Bedeutung schaffen.
Wichtig ist, dass ma relational ist. Dies ergibt sich daraus, wie die Elemente miteinander in Beziehung stehen und sich gegenseitig messen: Säule zu Säule, Stufe zu Stufe, Atemzug zu Atemzug. Die traditionelle Tischlerei verwandelt diese Beziehung in eine Struktur – der Abstand zwischen den Säulen (hashira-ma) wird zur Grundeinheit eines Hauses und wird als ken (Herr) gelesen. In diesem Sinne ist „nichts“ eigentlich ein genaues Verhältnis, das den Rhythmus, das Aussehen und die Ruhe bestimmt.
Die Verwendung von „Ma“ in der modernen Raumplanung
Betrachten Sie ma nicht als Metapher, sondern als Designinstrument. Drei praktische Schritte:
- Planen Sie Pausen ein. Fügen Sie Ihren Plänen bewusst „Atempausen” hinzu: Vorräume vor Lobbys, Nischen entlang von Fluren und kleine Außenbereiche, die die Ankunft verlangsamen. Diese angepassten Freiräume machen die Wegfindung intuitiv und bieten Momente der Orientierung und Pflege (Licht, Aussicht, Bank, Brise). Der zeitgenössische Diskurs definiert ma als eine durch die Schaffung von Raum realisierte Beziehung zwischen Zeit, Raum und Mensch; nutzen Sie dies, um städtische Schwellen und Innenräume auf die gleiche Weise zu gestalten.
- Versteifen Sie die Kanten der Schichten nicht. Anstelle einer einzigen dicken Wand können Sie mit Hilfe von verstellbaren Schichten (Vorhänge, Flügel, Schiebetüren) den ganzen Tag über Privatsphäre, Luftzirkulation und Licht regulieren. Dadurch können sich die Räume im Laufe der Zeit vergrößern/verkleinern, sodass der Abstand nicht eine feste Grenze, sondern ein variabler Faktor bleibt. ma Die Artikel und Ausstellungen betonen sowohl die räumliche Geometrie als auch diese zeitliche Qualität.
- Programmieren Sie den Zwischenraum. Geben Sie den „jetzt“ vorhandenen Räumen eine Aufgabe: einen Sitzplatz in einer Nische, eine Teecke am Fenster, einen schattigen Spazierweg, der auch soziale Interaktion ermöglicht. Wenn der Zwischenraum eine echte Aktivität beherbergt, wird ma öffentlich: Menschen treffen sich, verbringen Zeit miteinander und nehmen den Rhythmus des Gebäudes als ihren eigenen an. Studien und Thesen zu ma im zeitgenössischen Kontext vertreten genau dies: den Zwischenraum als Ort der Begegnung und des Austauschs.
Lehren aus traditionellem japanischem Design
In Häusern mit Pfosten und Balken bildet der Abstand zwischen den Säulen eine sich wiederholende Unterteilung (ken), die die Räume, die Aussicht und die Bewegung strukturiert. In japanischen Anwendungen wurde die Fläche als tsubo (ein Quadrat ken) gemessen, während die Raumaufteilung nach dem Tatami-System erfolgte. Dies ist ein Beweis dafür, dass neben Objekten auch Proportionen und Abstände das Leben strukturieren. Verwenden Sie konsistente Unterteilungen, um einen lesbaren Rhythmus zu schaffen; lassen Sie einige Unterteilungen offen, damit der Rhythmus atmen kann (doppelte Höhe, Innenhof).
Engawa – eine schmale Veranda, die zum Garten hin ausläuft – macht den Rand zu einem lebenswerten Ort, an dem man sitzen, sich begrüßen und den Regen beobachten kann. Heutzutage kann man dies als tiefe Vorsprünge, überdachte Galerien und Außenflure interpretieren, die das Klima mildern und zu zufälligen Begegnungen einladen.
Teestuben, Noh-Bühnen und Gartenwege bilden Szenarien: zusammenpressen, loslassen, drehen, hervorbringen. Diese Dramaturgie lässt sich für Kliniken, Schulen und Arbeitsplätze übernehmen – kurze, enge Durchgänge vor hellen Gemeinschaftsräumen, ruhige Eingangsbereiche, um die Stimmung zu neutralisieren, gerahmte Ausblicke, für die es sich lohnt, ein paar Schritte weiter zu gehen. Die Ausstellungen „Ma: Raum-Zeit in Japan” haben diese interdisziplinäre Logik sichtbar gemacht; Architekten können sie sich zunutze machen.
3. „Gezelligheid” (Niederländisch): Gemütlichkeit im Weltraum
Wärme in gemeinsamen Räumen schaffen
Gezelligheid ist ein wichtiges Wort in der niederländischen Kultur, das eine gemeinsame Wärme, Herzlichkeit, Gemütlichkeit und ungezwungene Freundschaft bedeutet und etymologisch vom Wort gezel („Freund“) abgeleitet ist. Es handelt sich dabei nicht nur um eine Innenraumatmosphäre, sondern um eine soziale Atmosphäre, die Menschen gemeinsam aktiv schaffen. Der Linguist Bert Peeters beschreibt das Wort „gezellig” als kulturell reichhaltig und schwer zu übersetzen und zeigt, wie dieses Wort Orte und Momente beschreibt, an denen Menschen sich gerne aufhalten, gemeinsam etwas unternehmen möchten und das Gefühl haben, dass „hier nichts Schlimmes passieren kann”. Dieser Rahmen ist eine aussagekräftige Zusammenfassung für Gastfreundschaft und öffentliche Innenräume.
Ein klassisches Beispiel dafür ist das bruin café (braunes Café) in den Niederlanden: kleine Räume, abgenutztes Holz, Kerzenlicht und eng beieinanderstehende Tische, die zu Gesprächen mit Freunden und Fremden einladen. Die Materialpalette und die Beleuchtung – dunkles Holz, tabakverfärbte Decken, weiche, gedämpfte Lampen – schaffen bewusst eine gesellige Atmosphäre und machen das Plaudern zum „Programm”. Reise- und Kulturführer verbinden diese Cafés immer wieder mit dem Gefühl der gezelligheid.
Peeters nennt außerdem gezellige drukte – „angenehme Hektik“ – als Merkmal: eine ausreichende Anzahl von Menschen, geringe Risiken und ein entspanntes Tempo. Das Design kann diese Hektik durch die Größe (kleine Räume), Durchlässigkeit (Blick auf die Straße) und Rituale (Kaffee um 11 Uhr, Tischspiele in der Bar) inszenieren. Mit anderen Worten: Gezelligheid ist kein Stil, sondern eine Verhaltensweise, die durch den Raum ermöglicht wird.
Designelemente, die das soziale Wohlbefinden fördern
Beginnen wir mit drei Fragen aus Peeters‘ Definition eines „gemütlichen“ Raums: Möchten die Menschen hier sein? Können sie hier gemeinsam einfache Dinge tun? Vermittelt der Raum ein Gefühl von Sicherheit und Komfort? Übersetzen Sie diese Fragen in konkrete Merkmale: warme, gedämpfte Beleuchtung auf Augenhöhe; taktile Materialien (Holz, Stoff, Kork), die Geräusche dämpfen; kleine Tische, die so nah beieinander stehen, dass man sich unterhalten kann; und Ecken, die zum Verweilen einladen – Sessel am Fenster, Bartheken und Sitzgelegenheiten in der Nähe der Eingänge.
Verwenden Sie das braune Café als Musterbuch: Mehrschichtige Holzoberflächen, gemütliche Ecken und informelle Sitzbereiche sorgen sofort für soziale Lesbarkeit. Halten Sie die Decken so schlicht wie möglich und lassen Sie die Beleuchtung „Inseln” für Gespräche bilden. Vermeiden Sie harte, hallende Oberflächen, die Gespräche behindern. Dies sind nicht nur ästhetische Aspekte, sondern auch immer wieder erwähnte Hinweise auf die Umgebung, die erklären, warum braune Cafés so gemütlich wirken.
Gestalten Sie die Umgebung. Peeters zeigt, dass Gezelligheid entsteht, wenn Menschen für eine gewisse Zeit gemeinsam kleine Dinge tun können – wie etwas trinken, spielen oder einer einfachen Darbietung lauschen. Nehmen Sie kleine Rituale in Ihren Kalender auf (Akustikabende, Familienessen, Kaffeekränzchen in der Nachbarschaft). Verwenden Sie in Schildern und Regelungen eher Einladungen als Anweisungen; Gezelligheid entsteht nicht durch Kontrolle, sondern durch Zustimmung.
Stadtplanung unter Berücksichtigung der Geselligkeit
Auf städtischer Ebene fördert das niederländische Konzept des „Woonerf“ („Wohnstraße“) die Mobilität. Das in den 1960er und 70er Jahren in den Niederlanden entstandene Woonerf-Konzept betrachtet die Straße als gemeinsamen sozialen Raum: sehr niedrige Geschwindigkeitsbegrenzungen, durchgehende Gehwege, Bäume und Bänke an der Straße, Vorrang für Fußgänger und spielende Kinder. Bewertungen haben gezeigt, dass die Zahl der Unfälle zurückgegangen ist, die sozialen Interaktionen und das Spielen von Kindern zugenommen haben und die Zufriedenheit der Anwohner hoch ist; das heißt, die Straße ist dank ihres Designs gezellig geworden.
Historische Hofjes (Almosenhäuser) bieten ein anderes Modell: kleine Häuser, die um einen verkehrsfreien, aber für das Gemeinschaftsleben offenen, ruhigen Grünbereich angeordnet sind. Der Begijnhof in Amsterdam zeigt, wie diese Typologie „städtische Oasen” schafft – halbprivate Ruhezonen innerhalb der Stadt, in denen Gemeinschaftsleben routinemäßig praktiziert wird. Aktuelle Forschungen und Stadtführer dokumentieren, warum Hofjes seit Jahrhunderten attraktiv sind und wie sie auch heute noch für soziales Wohlbefinden sorgen.
Zusammengenommen stimmen diese Beispiele mit Peeters‘ semantischem Test für Gezelligheid überein: menschliche Präsenz, einfache Aktivitäten und Umgebungen, die ein einladendes Gefühl der Sicherheit vermitteln. Ob es sich nun um eine belebte Straße, einen Innenhof oder eine kerzenbeleuchtete Bar handelt, gestalten Sie sie kleinräumig, mit weichen Kanten und für alltägliche Rituale – die Atmosphäre erledigt den Rest.
4. „Sobremesa” (Spanisch): Die Nachzügler
Design für Post-Function Momente
Das Wort „Sobremesa“ bezeichnet die Zeit, die man nach dem Essen am Tisch verbringt: Gespräche, Scherze, die Freude an der Stille nach dem Essen. Die spanischen Sprachbehörden definieren dieses Wort als „die Zeit, die man nach dem Essen am Tisch verbringt“, was für Architekten eine passende Zusammenfassung darstellt: Entwerfen Sie nicht nur das Essen, sondern auch den Moment danach.
Kulturell gesehen ist die Sobremesa Teil einer umfassenderen mediterranen Ethik der Freundschaft. Die Aufnahme der mediterranen Ernährung in die Liste der UNESCO würdigt Gastfreundschaft, nachbarschaftliche Beziehungen und das gemeinsame Essen nicht nur als Menü, sondern als gemeinsame kulturelle Praxis. Das Entwerfen für die Sobremesa bedeutet, diese gesellige Zeit und diesen Raum zu würdigen, in dem Gespräche, Blickkontakt und ein ruhiges Tempo gepflegt werden.
Die Zeitnutzungsdaten helfen zu erklären, warum diese Bereiche wichtig sind: Die südeuropäischen Länder (einschließlich Spanien) verbringen mehr Zeit mit Essen und Trinken als andere Länder, was natürlich die „Nachzeit“ verlängert. Berücksichtigen Sie diese Tatsache und schaffen Sie Regelungen, die keine sofortige Umgestaltung erfordern, sowie Mikrobereiche in der Nähe des Tisches (eine Kaffeebar, eine Sitzecke für Großeltern, einen kleinen Spielbereich für Kinder), damit die Menschen sich neu organisieren können, ohne den Raum verlassen zu müssen.
Architektur, die den Wunsch weckt, zu bleiben
In Innenräumen zeigt die Tradition der „Serviceumgebungsforschung“, dass die physische Umgebung (Beleuchtung, Akustik, Temperatur, Sitzordnung) bestimmt, wie lange Menschen bleiben und wie sie sich während ihres Aufenthalts fühlen. Warmlichtquellen auf Augenhöhe, sanfte Schalldämpfung und bequeme, bewegliche Sitze sind kleine Entscheidungen, die die Verweildauer verlängern und Gespräche erleichtern.
Auch die Hinweise in der Umgebung sind wichtig. Klassische Experimente zum Tempo der Hintergrundmusik haben gezeigt, dass langsamere Tempi die Verweildauer der Kunden im Lokal verlängern (und manchmal auch den Umsatz beeinflussen). Diese Erkenntnis können Sie in Playlists umsetzen, die nach dem Dessert das Tempo im Lokal verlangsamen. Das Ziel ist nicht der Konsum, sondern dass die Kunden bereit sind, länger im Lokal zu bleiben.
Außerhalb des Restaurants zeigen auch die Erkenntnisse aus öffentlichen Bereichen dasselbe. William H. Whytes Feldstudie über Plätze hat gezeigt, dass einfache, bewegliche Stühle die Verweildauer und die soziale Interaktion erheblich steigern. Denn diese Stühle bieten den Menschen Wahlmöglichkeiten: sich in die Sonne oder in den Schatten setzen, sich einer kleinen Gruppe anschließen, den Stuhl heranziehen, um noch eine Geschichte zu hören. Das ist die Logik der Sobremesa auf städtischer Ebene.
Der kulturelle Wert von Orten, an denen man sich Zeit lassen kann
Sobremesa ist sozial wichtig: Es ist ein Ort, an dem Familien sich einigen, Freunde sich unterhalten und Ideen entstehen. Die spanischen Medien präsentieren dies regelmäßig als prägenden Brauch, manchmal sogar als kulturelles Erbe, und auch lateinamerikanische Artikel spiegeln diese Praxis jenseits des Ozeans wider. Wenn Architekten einen Raum entwerfen, in dem Menschen „ein wenig verweilen können”, sorgen sie nicht nur für mehr Komfort, sondern bewahren auch ein lebendiges soziales Ritual.
Auf städtischer Ebene sind „dritte Orte“ (Cafés, Bibliotheken, Parks) gerade deshalb so wertvoll, weil sie Raum für diese unbeschwerte Zusammenkunft bieten. Zeitgenössische Kommentare weisen auf die Notwendigkeit hin, diese Orte zu renovieren und sie als zugängliche, gastfreundliche und stressfreie Umgebungen neu zu gestalten. Die Gestaltung von Terrassen, Plätzen und Cafés, bei denen nicht die Effizienz, sondern die Atmosphäre im Vordergrund steht, macht das Leben in der Stadt wieder angenehmer.
Die Politik kann hilfreich sein oder hinderlich wirken. Städte wie Barcelona regulieren aktiv die Terrassen von Cafés, um ein Gleichgewicht zwischen dem Komfort der Anwohner und dem Straßenleben herzustellen; Betreiber üben manchmal Druck in die entgegengesetzte Richtung aus und führen Zeitbeschränkungen ein, die die Öffnungszeiten verkürzen. Gute Regeln und gutes Design zielen auf einen Mittelweg ab: klare Öffnungszeiten und Lärmschutzbeschränkungen, aber auch bequeme und flexible Sitzbereiche, damit die Kultur des Verweilens erhalten bleibt.
5. „Heimat“ (Deutsch): Zugehörigkeitsgefühl durch einen Ort
Architektur und Identität
Heimat bedeutet nicht nur „Zuhause“. Im Deutschen verbindet es die Begriffe Ort, Erinnerung und Zugehörigkeit und bezeichnet in der Regel die Region oder Umgebung, in der eine Person verwurzelt ist. Diese emotionale Bedeutung wird sogar in Wörterbuchdefinitionen deutlich: Heimat ist der Ort, an dem eine Person aufgewachsen ist oder sich durch kontinuierliches Leben dort zu Hause fühlt. Für Designer bedeutet dies, dass Gebäude mehr als nur Unterkünfte sein können, sondern auch die Identität stärken können.
Historiker zeigen, wie Heimat durch die Verbindung lokaler und nationaler Elemente die deutsche Identität geprägt hat. Celia Applegate argumentiert, dass die „Heimat-Vision” weniger eine einfache Ablehnung von Fremden als vielmehr eine Betonung regionaler Kulturen sei, während Alon Confino beschreibt, wie die Deutschen sich ihre Nation durch lokale Verbindungen vorstellten – indem sie Dorflandschaften, Dialekte und Traditionen in nationales Gedächtnis verwandelten. Für Architekten bedeutet dies, Designs zu entwerfen, die regionale Materialien und Muster respektieren, ohne sie zu karikieren.
Dieses Konzept ist stark und flexibel. Wissenschaftler weisen darauf hin, dass die Unbestimmtheit des Begriffs seine Verwendung in Marketing oder Politik erleichtert und dass er sowohl integrativ als auch exklusiv sein kann. Dieses Dilemma ist Teil der modernen deutschen Debatte (es gab sogar eine Bundesbeauftragte für Heimat im Innenministerium). Gutes Design betrachtet den Begriff „Heimat” nicht als Hindernis, sondern als Element, das dazu einlädt, integrative Verbindungen zu knüpfen.
Heimat in Postkonfliktkontexten neu aufbauen
Nach einer Zerstörung können manche Orte den Menschen helfen, emotional zurückzukehren, bevor sie physisch zurückkehren. Die wiederaufgebaute Frauenkirche in Dresden ist ein eindrucksvolles Beispiel dafür: Diese Kirche, die größtenteils durch Spenden wiederaufgebaut wurde (1994–2005), wird von der Kirche und der Stadt als Symbol für Versöhnung und europäische Einheit angesehen. Durch die Verwendung neuer Steine, die mit den beschädigten Originalsteinen kombiniert wurden, werden Erinnerungen nicht ausgelöscht, sondern sichtbar gemacht.
Deutschlands dezentrale Gedenkkultur stärkt auch im Alltag das Zugehörigkeitsgefühl. Gunter Demnigs Projekt „Stolpersteine“ markiert mit kleinen Messingsteinen, die in den Bürgersteig eingelassen sind, die ehemaligen Wohnhäuser von Menschen, die unter dem Nationalsozialismus verfolgt wurden. Mit mehr als 116.000 Steinen in über 1.800 Gemeinden verwandelt dieses Netzwerk die Straßen in stille Archive und ermöglicht es den Anwohnern, vor ihren Haustüren Gedenkfeiern abzuhalten.
Das Dokumentationszentrum für Vertreibung, Exil und Versöhnung in Berlin erweitert seinen Blickwinkel von einer einzigen Nation auf die gemeinsame menschliche Erfahrung. Das 2021 eröffnete Zentrum erzählt von den Zwangsumsiedlungen des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart und bietet einen öffentlichen Raum, um Verluste zu verarbeiten und soziales Vertrauen wieder aufzubauen. Dies sind grundlegende Komponenten der Heimat nach Konflikten.
Design für multikulturelle Zugehörigkeit
Die moderne Heimat muss für pluralistische Städte funktionieren. Eine architektonische Antwort darauf ist das House of One in Berlin: Unter einem Dach sind eine Synagoge, eine Kirche und eine Moschee miteinander verbunden, mit einem zentralen Gemeinschaftsraum für Begegnung und Lernen. Das von KUEHN MALVEZZI in Zusammenarbeit mit Teams von sbp und Arup entworfene Projekt befindet sich auf den Fundamenten des historischen Petriplatzes und verbindet das neue Zusammenleben mit dem tiefen urbanen Gedächtnis. Es handelt sich um ein offenes räumliches Szenario für gemeinsame Zugehörigkeit.
Die Stadtpolitik kann diese Orte unterstützen. Das deutsche Bundesprogramm „Soziale Stadt” hat zwanzig Jahre lang in öffentliche Räume, Gemeindezentren und soziale Infrastruktur in Stadtvierteln investiert; seit 2020 wurde es unter dem Programm „Sozialer Zusammenhalt” zusammengefasst. Das Ziel ist praktisch: Die täglichen Begegnungsstätten der Menschen (Bibliotheken, Innenhöfe, Spielplätze) sollen verbessert werden, damit Bewohner mit unterschiedlichem Hintergrund dauerhafte Beziehungen aufbauen können. Architekten können sich mit bescheidenen, flexiblen und gemeinsam mit den lokalen Gemeinschaften entwickelten Entwürfen an diesen Programmen beteiligen.
6. „Duende“ (Spanisch): Die emotionale Tiefe eines Ortes
Places that evoke the sublime
Im Spanischen kann „Duende“ eine geheimnisvolle, unbeschreibliche Anziehungskraft bedeuten – eine Intensität, die einen Moment oder einen Ort erfasst.
Federico García Lorca ging noch einen Schritt weiter: Es handelt sich nicht um Geschicklichkeit oder Stil, sondern um eine dunkle, weltliche Kraft, die die Kunst lebendig macht, einen Kampf, der die Technik durchdringt. In der Architektur kann man sich Duende als eine spürbare Last vorstellen, die durch das Zusammenspiel von Material, Licht und Stille entsteht und uns über Worte hinausführt.
Dies nähert sich den Grenzen des Erhabenen – Gefühle, in denen sich Anziehungskraft und Unbehagen vermischen, die „Freude durch Unbehagen“, mit der Philosophen wie Kant ihre Bewunderung beschrieben haben. In Räumen, in denen das Licht gedämpft und dann wieder freigesetzt wird, in denen Kontraste verstärkt werden oder in denen man sich mit Tod und Erinnerung auseinandersetzt, ist diese Schwingung spürbar.
Die Wallfahrtskapelle von Ronchamp verwandelt mit ihren dicken Mauern, die dem Lichtstrahlen standhalten, einen Hügel in einen Ort der Offenbarung. Zumthors Bruder-Klaus-Feldkapelle ist ein mit Beton verkleideter, verbrannter Holzraum mit einem Guckloch in der Mitte: roh, zurückgezogen und auf seltsame Weise strahlend. Andos Lichtkirche besteht aus einem in Beton geschnittenen Tageslichtkreuz – eine sensible Schlichtheit, die die Sinne schärft.
Flamenco, die Kunstform, die am meisten mit Duende in Verbindung gebracht wird, ist aufgrund der Vielfalt der Gefühle, die sie vermittelt, wie Traurigkeit, Freude, Angst und Glück, von der UNESCO anerkannt und erinnert Architekten daran, dass kulturelle Rituale uns lehren, wie Räume tiefe Gefühle beherbergen können.
Bedeutung, Licht und Duende
Peter Zumthors Grundpfeiler ist die „Atmosphäre“ – eine intensive, besondere Stimmung, die die Präsenz eines Gebäudes spürbar macht. Die Realitätsnähe des Materials ist ein Teil davon: In Vals ziehen 60.000 lokale Quarzitplatten, kühles Wasser und gedämpftes Licht Sie in eine steinerne Stille hinein; dies ist ebenso ein Plan wie ein sinnliches Szenario. Im Bruder Klaus ist der Innenraum buchstäblich eine Erinnerung an das Feuer: 112 Baumstämme, die aus Betonformen entstanden sind, sind verbrannt und haben eine verkohlte Höhle hinterlassen, die das Licht wie ein Stern lenkt.
Licht schreibt Gefühle. Die Öffnungen von Ronchamp streuen die Strahlen wie eine Laterne; Andos Betonkasten wird zu einer Kapelle, wenn das Licht die Dunkelheit durchbricht. Aktuelle Forschungen bestätigen diese Intuition: Die „Atmosphäre“ entsteht durch die Art und Weise, wie Licht, Textur, Geometrie, Akustik und Ordnung die Stimmung und das Verhalten harmonisieren – ein Effekt, den wir gestalten und zunehmend auch messen können.
Die Umweltpsychologie bietet ein dreiteiliges Konzept, um zu erklären, warum manche Orte attraktiv und andere langweilig sind: Faszination, Konsistenz und Authentizität. Duende ist nicht dasselbe wie diese Konzepte, nutzt jedoch deren Wechselwirkung: Wenn Konsistenz fehlt, verwandelt sich Erhabenheit in Chaos; wenn Faszination fehlt, geht Intensität verloren.
Architektur als emotionale Performance
Lorca’s Duende entsteht im lebendigen Kampf; „Performance“ in Gebäuden sind Sequenzen, die wir im Laufe der Zeit für Körper choreografieren. Enge, sich dann öffnende Zugangswege, Schwellen, die den Lärm dämpfen, und Räume, die das Licht wie ein Zeichen hereinlassen – das ist die Inszenierung. Andos Seiteneingang und der offene Bildschirm in Ibaraki verwandeln einen einfachen Kasten in einen dramatischen Auftritt; wenn man das leuchtende Kreuz zum ersten Mal sieht, ist es kein statisches Bild, sondern eine Einstiegslinie.
Wenn Ihnen „Duende“ wie ein unwissenschaftlicher Begriff erscheint, beachten Sie bitte die zunehmenden Beweise: Studien zeigen, dass die gebaute Form Emotionen, Physiologie und Verhalten verändern kann; Aspekte wie Faszination und Konsistenz prägen die ästhetische Reaktion in natürlichen und architektonischen Umgebungen auf konsistente Weise. Neue Projekte testen Atmosphären mit neuronalen, physiologischen und selbstberichteten Messungen und betrachten die Stimmung eher als eine Designvariable denn als ein zufälliges Ereignis.
Dann sollte das Design wie eine Aufführung sein: Schreiben Sie den Rhythmus (Licht und Schatten), wählen Sie die Darsteller (Stein, Wasser, Holz, Luft) und bewerten Sie die Stille. Wenn Struktur, Reihenfolge und Wahrnehmung harmonieren, können Räume Duende vermitteln – eine Tiefe, die Sie nicht sehen, sondern in Ihren Knochen spüren.
7. „Wabi-Sabi” (Japanisch): Die Schönheit der Vergänglichkeit
Das Altern, das Vergehen und die Zeit feiern
Wabi-sabi ist eine japanische Ästhetik, die Schönheit in dem Unvollkommenen, Vergänglichen und Unvollendeten findet. „Wabi“ steht für bescheidene Einfachheit, „sabi“ für die stille Patina des Alters, die durch die Zeit entstandene Verwitterung, Kratzer und Abnutzung. Diese beiden Konzepte zusammen regen Designer dazu an, Astlöcher, feine Risse und durch Sonneneinstrahlung verblasste Pigmente im Holz nicht als Mängel zu betrachten, die beseitigt werden müssen, sondern als Teil der Realität des Raumes zu akzeptieren.
Wissenschaftler leiten die Bedeutung des Wortes „sabi“ von Begriffen wie „rustikale Patina“ und „gut gealtert“ ab; dies ist eine Verschiebung von der früheren Bedeutung der Trostlosigkeit hin zu einer positiven Wertschätzung der Spuren der Zeit.
In der Praxis bedeutet dies, dass man für eine elegante Veränderung auf Details achten muss: Man muss zulassen, dass Kupfer oder wetterbeständiger Stahl selbstständig Oxidschichten bilden, man muss Oberflächen wählen, die gleichmäßig verblassen können, und man muss Reparaturen nicht verstecken, sondern hervorheben. Wetterbeständiger Stahl beispielsweise wurde entwickelt, um eine schützende „Rostschicht” zu bilden, die zukünftige Korrosion stabilisiert und reduziert – dies ist die technische Entsprechung der Patina von sabi. Diese Schicht heilt sich selbst, selbst nach Kratzern.
Designer können sich auch von der Kunst des Kintsugi inspirieren lassen, bei der zerbrochene Töpferwaren mit Lack und Gold repariert werden. Dies ist eine materielle Metapher für Reparatur, die als Erneuerung statt als Verlust interpretiert wird. Institutionen, die Kintsugi erklären, bringen es ausdrücklich mit der Akzeptanz von Fehlern und Zeit im Wabi-Sabi in Verbindung.
Wabi-Sabi als nachhaltige Ästhetik
Wabi-Sabi passt natürlich zum zirkulären Design: Bewahren Sie das Vorhandene, gestalten Sie es reparaturfähig und lassen Sie Materialien in Würde altern. Zirkuläre Wirtschaftsmodelle legen den Schwerpunkt darauf, Abfall zu vermeiden, Produkte zu ihrem höchsten Wert in Umlauf zu bringen und die Natur zu regenerieren. Architekten können diese Prinzipien durch langlebige Beschichtungen, anpassungsfähige Grundrisse und reparaturfreundliche Details zum Ausdruck bringen.
Es gibt Beispiele für Japans Reparaturkultur: Boro Textilien – mehrlagige, mehrfach geflickte Kleidungsstücke – werden über Generationen hinweg verwendet und heute als kreatives Handwerk untersucht und ausgestellt. Das Flicken nicht als Kompromiss, sondern als ästhetischen Ausdruck zu betrachten, ist der Kern von Wabi-Sabi.
Auf städtischer Ebene fördert die Achtung vor der Zeit, die Wabi-Sabi verkörpert, die adaptive Wiederverwendung anstelle von Abriss. Die professionelle Beratung der AIA fördert die Planung im Hinblick auf Adaptivität, Abriss und die Wiederverwendung von Gebäuden/Materialien. Diese Entscheidungen bewahren den gebundenen Kohlenstoff und sorgen dafür, dass die „Geschichte” eines Ortes auch dann noch lesbar bleibt, wenn er sich weiterentwickelt.
Architektonische Beispiele für fehlerhafte Schönheit
Etwa alle 20 Jahre wird Japans angesehenster Shinto-Schrein im Rahmen einer Zeremonie namens Shikinen Sengū komplett neu erbaut. Diese Praxis erneuert das Holz, gibt handwerkliches Wissen weiter und hält Kontinuität und Vergänglichkeit im Gleichgewicht – ein lebendiges Denkmal der Wabi-Sabi-Philosophie im landschaftlichen Maßstab.
Der Spaziergarten und die Teepavillons von Katsura verkörpern mit natürlichen Materialien, eleganter Schlichtheit und Räumen, die für saisonale Veränderungen offen sind, das Ideal eines Teehauses. Die Tradition des Sukiya-Zukuri, die dieses Gebäude repräsentiert, betont rustikale Harmonie, naturbelassenes Holz und eine intime Größe anstelle von Monumentalität.
Der berühmte Trockengarten von Kyoto – fünfzehn Steine, die auf mit einer Harke geharktem Kies angeordnet sind – lädt das Auge dazu ein, sich sowohl an der Form als auch an der Leere zu erfreuen. Man kann nicht alle Steine gleichzeitig sehen; die Lücken sind beabsichtigt. Dies ist eine räumliche Lektion in Akzeptanz und aufmerksamer Wahrnehmung.
Moderne Designer verwenden verkohlte Zeder (yakisugi) oder mit ehrlichen Patina-Metallen, die das Klima und die Berührungen über Jahrzehnte hinweg aufnehmen, sich nicht hinter plastischer Perfektion verstecken und den Gebäuden ein sichtbares Altern ermöglichen.